Metal Hammer España - Julio 2020

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STAFF DIRECTOR Sergi Ramos EDITOR-IN-CHIEF Dani Bueno DISEÑO Y MAQUETACIÓN Dani Bueno FOTO DE PORTADA Mark Weiss COLABORADORES Javier Bragado, Toni Villén, Óscar Gil, Sergio Blanco, Olga Vidal, Marta Ribate, Mikel Yarza, José Antonio Fernández, Javi Félez, Marc Fernández, Jéssica Marinho, Lolo, Tamara Ruiz, Satur Romero, Jaime Tomé, Sergio de la Torre, Txema Garay, José Luis Abrego, Silvia López, Melanie Silva, Titus Ferrer, Tim Drake, Franz S. Heiligen y Toni de Lola.

A

EDITORIAL

unque ni de lejos estamos en condiciones óptimas -ni lo estaremos hasta que podamos volver a congregar a 30.000 personas en un estadio para cantar nuestros himnos del rock- parece que poco a poco todo va volviendo a su sitio en este extraño mundo post-Covid. Comienzan a hacerse algunos conciertos -sencillos affaires con gente sentada, mucha distancia y poco jolgorio- y los que más y los que menos ya hemos asumido que no vamos a ir a ningún festival ni ver ningún gran show internacional en los próximos meses. Incluso aquellos que se atrevieron a programar conciertos para septiembre y octubre esperando una rápida resolución del problema se han encontrado con una realidad caprichosa: que esta crisis no se va a ir tan rápido ni tan fácil. Todos miramos hacia 2021 como el año de la salvación. Si el PIB cae este año un 12,8%, el año que viene estaremos de subidón -aunque no nos quedemos como estábamos ni de lejos-. Serán tiempos extraños pero, a juzgar por lo que ya se está viendo, habrá hambre por el ocio y la música. Es probable que una parte del público no termine de sentirse cómodo en un gran concierto hasta que no haya un remedio efectivo contra la enfermedad pero, ciertamente, la desescalada ha provocado una ausencia de miedo (y a veces de responsabilidad) entre la gran mayoría. Sucede otra cosa: nuestras grandes estrellas no están como para perder un año de carrera y nuestras bandas medianas y pequeñas no tienen tanta soltura económica como para aguantar la embestida. En 2021 va a salir a la carretera hasta el apuntador y eso generará grandes carteles y festivales que deberemos apreciar y apoyar en la medida de lo posible. Toda esta industria se juega mucho y, cuando las condiciones sanitarias lo permitan con garantías, debemos ofrecer todo nuestro soporte a todo ese ecosistema que tan vivos nos hace sentir. Porque sí, la anomalía de este año puede resultar hasta bienvenida visto el ritmo de vida de los últimos tiempos, pero como se prolongue mucho no vamos a saber vivir sin lo que nos hace tan y tan felices: estar en medio de una multitud saltando como animales cantando nuestras canciones favoritas.

Sergi Ramos

SECCIONES metal hammer 391

EDITA

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4 PHOTOPASS IRON MAIDEN

66 LISTENING SESSION AMARANTHE

6 TOUR LIFE WITHIN TEMPTATION

68 STEVE HACKETT EL DETALLISTA INCANSABLE

8 DISCOS FAVORITOS DE… ROGER GLOVER (DEEP PURPLE)

70 BPMD HOMENAJE A LOS ‘70

10 NEW BLOOD APOSENTO

72 HAKEN LA MUTACIÓN DEL VIRUS

12 GEAR TALK DAVID ANDERSSON (TNFO, SOILWORK)

74 KINGSMEN UN DEBUT DE CALIDAD

14 AC/DC 40 AÑOS DEL ‘BACK IN BLACK’

75 AVERSIONS CROWN INFIERNO PARA TODOS

23 PETER STEELE UNA DÉCADA SIN ‘THE GREEN MAN’

76 DANCE GAVIN DANCE ARTE Y MÚSICA

32 TRIVIUM ATLETISMO MUSICAL

78 DISCOS PRIMAL FEAR, PEARL JAM, CROSSFAITH, BEYOND THE BLACK, GRAVE DIGGER, WARBRINGER, ASKING ALEXANDRIA, BLOODBOUND, BLEED FROM WITHIN....

52 TRIPTYKON GRANDILOCUENCIA SINFÓNICA 58 PRIMAL FEAR GUARDIANES DEL POWER METAL 62 NERVOSA PUNTO DE INFLEXIÓN

PÓSTER METALLICA + KISS

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ARTISTA:

iron maiden

FECHA/LUGAR:

MOLSON CANADIAN

FOTÓGRAFO:

ORONTO) AMPHITHEATRE (T DE 2010 3 DE JULIO

sergi ramos

PHAOSTOS P

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Vamos a ser realistas: hubo una época en PE UYI PEW HMWGSKVj½GEW WI HINEFER PE TEWXE Evidentemente, se dejaban la pasta porque ganaban mucha pasta que ahora. Y tener a la prensa contenta y motivada era parte de la estrategia para que los discos fuesen recibidos con entusiasmo en los medios. El caso es que tras la llegada de Napster y las descargas digitales los presupuestos en promoción se fueron recortando paulatinamente. Cuando periodistas como un servidor llegaron a la ½IWXE]ERSUYIHEFEGEWMREHE2MIRERSWGSR cuencos de cocaína en la cabeza, ni bacanales drogo-sexuales, ni casi hoteles de cinco estrellas, ni aviones en primera clase. Quedaba una insana cantidad de miserables viajes a extrañas ciudades alemanas o noruegas donde compartías habitación con otro periodista que no conocías de nada en una pensión. Era apasionante. Mi postadolescencia vino GSRJSVQEHETSVYREMR½RMHEHHIZMENIWHIIWI tipo, a veces quince o veinte al año. A veces incluso cuatro o cinco en un mes. % ZIGIW WSREFE PE ¾EYXE XI MFEW E &VEWMP a Londres o a Finlandia en viajes como Dios manda, con hotel de cuatro o cinco estrellas, tiempo para ver la ciudad y hacer una digna entrevista con la banda. Uno de esos casos fue cuando en Julio de 2010, en plena preparación de ‘The Final Frontier’, Iron Maiden y EMI Music decidieron invitar a un contingente de periodistas europeos a un show en Toronto, Canadá, y a una entrevista en el hotel a la

mañana siguiente. No era un mal plan: la banda ya estaba presentado algún tema del nuevo disco dentro de una gira en la que recuperaban únicamente canciones del período 2000-2010. Además, les teloneaban Dream Theater en una de sus últimas giras con Mike Portnoy, sino la última. Ya en septiembre de ese año, Portnoy estaba tras los parches en Avenged Sevenfold. %YRUYI PE HMWGSKVj½GE WI IRGEVKEFE de todos los gastos, les indiqué que no me importaba pagarme primero el viaje y luego cargárselo a ellos, en lugar de esperar a que me enviasen un billete de avión ya reservado. Así pues, por obra y gracia de los billetes multidestino, pude hacerme una escala de tres días en Los Ángeles después de Toronto y pasear por un famélico Sunset Strip y cenar en el Rainbow. Tejemanejes al margen, al llegar a Toronto cogí un taxi hacia el hotel Four Seasons -un señor hotel donde también se alojaban tanto Iron Maiden como Dream Theater.Tras una cena junto a otros periodistas, cogí la cama rápidamente para deshacerme del jet-lag acumulado y amanecer bien pronto al día siguiente. La primera sorpresa me la llevé de buena mañana en el gimnasio. Mientras estaba corriendo en la cinta, se puso en la de al lado John Petrucci, que bajó a hacer deporte con su hijo. Al salir a desayunar posteriormente y dar una vuelta, me pude encontrar con Adrian Smith, que estaba también de paseo. Esa noche

había show pero Smith no parecía demasiado nervioso. El show se llevó a cabo en el Molson Canadian Amphitheatre, situado junto al lago Ontario en un enclave envidiable. Además, IVEYRWjFEHSIRIP½RHIWIQEREHIPHuEHI Canadá, por lo que el ambiente en la ciudad era absolutamente eléctrico. Un show en el que la banda sacó a relucir viejas joyas como “Ghost of the Navigator” o “Brave New World” y repasó temas de sus últimos tiempos como “These Colors Don’t Run” o, en un sentido homenaje a Ronnie James Dio que emocionó al público, la épica “Blood Brothers”. Tras el show, el vocalista Bruce Dickinson y otros miembros de la banda y su crew se encontraban en un pub cercano al hotel, tomando unas pintas junto a varios fans, como si no fuese la banda que acababa de tocar para 20.000 personas un par de horas antes. Una costumbre muy sana de la banda: es fácil encontrarlos en los bares de Vila Olímpica de Barcelona tras un concierto en la ciudad, relajándose tras el show y tomándose una cerveza. Eso sí, al día siguiente por la mañana el vocalista y el resto de la banda estaban en plena forma dando entrevistas en su habitación de hotel. La mía fue con Bruce, tomando un té, y no tuvo desperdicio. Qué bonito era todo cuando HMWGSKVj½GEWXIRuERTVIWYTYIWXS©

las

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TOUR LIFE

sharon den adel

(within temptation) TEXTO: SERGI RAMOS

FOTO: sergio blanco

Si le hacemos caso a setlist.fm, Within Temptation han realizado 792 conciertos a lo largo de su carrera. De Barcelona a San Diego, de Groningen a Monterrey, la banda ha tocado en la mayoría de ciudades civilizadas del planeta. Durante el /;:ŋ:-951:@;@5>8->3;E@1:050;/;:?AB;/-85?@-%4->;:1:018 sobre los grandes y no tan grandes momentos vividos de gira a lo largo de los últimos 23 años. Su país favorito te sorprenderá. ¿Cuál es la persona o cosa de la que más te cuesta despedirte cuando te vas de gira?

¿Hay alguna ciudad que sea mágica para ti? Siempre hay una parada en las giras donde sientes algo especial.

Mi familia, por supuesto. La vida de gira y la vida familiar son totalmente opuestas, son blanco y negro. Cuando vuelvo de una gira tengo que acostumbrarme al nuevo entorno en el que me encuentro. Por otra parte, cuando estás de gira todo está preparado para ti. Sabes cuando tienes que irte, cuando vas a llegar, a qué hora entras al recinto, a qué hora tienes las entrevistas, quién me recoge para ir a una radio, etc. Toda la semana está preparada para ti. Pero cuando llegas a casa, de golpe, tienes que ocuparte de todo y pensar en qué hacer para cenar y a lo mejor ni te habías acordado de ir a comprar (risas). Es un cambio de mentalidad muy brusco y tienes que acostumbrarte a estar fuera de la burbuja. Te levantas por la mañana y preguntas “¿a qué hora tengo que estar en los sitios?” y entonces piensas “Sharon, tienes que volver a controlar tu propia vida” (Risas).

Hay muchas. El año toqué en un sitio de Polonia del que no me sale IPRSQFVI©

¿Cuál ha sido la mayor cantidad de gente para la que has tocado y dónde sucedió? Fue un millón de personas, fue en Polonia, en el Woodstock que se hace allí y fue una locura. No sé ni como explicártelo. La gente se acerca en barco hasta el lugar donde se hace el festival, con todos los barcos hasta arriba de gente, unos encima de otros, y no hay ni un solo accidente. Es una locura. Me encantó. Fue algo tan sensacional que casi me olvidé las letras al ver a tantísima gente. Hasta donde alcanzaba mi vista solo se veía gente, eran como hormigas. Me encantaría volver allí de nuevo, fue una experiencia tremenda. ¿Cuál ha sido la cantidad más pequeña de gente para la que has tocado y donde sucedió? Estábamos haciendo un show en el Ziggo Dome de Amsterdam, que es un recinto gigante, pero hicimos un pre-show especial con todo el espectáculo habitual para unas diez o quince personas. Fue muy curioso, muy íntimo. Pero moló mucho.Aunque te diré que estuve más nerviosa ahí que ante un millón de personas en Polonia. Cuando hay poca gente lo ven todo al detalle y te sientes muy desnudo frente a ellos. ¡4VI½IVIW ZSPEV E PSW WLS[W S MV GSR XY EYXSGEV HI gira con tu pequeño universo sobre ruedas? 7MIQTVI TVI½IVS IP EYXSGEV HI KMVE TSVUYI SHMS ZSPEV RS PS soporto. Evidentemente tengo que volar mucho en mis giras con Within Temptation y me voy acostumbrando pero en un período como ahora, donde llevo tiempo sin volar, sé que lo pasaré mal cuando vuelva a subir a un avión. Semanas antes de volar ya estoy nerviosa. Cuando estoy en el aire estoy bien pero el despegue y el aterrizaje me dan pánico. El autocar de gira es mucho mejor. Te tomas tu copita de vino, tocas la guitarra y vas con tu gente de una manera muy familiar. 0PIKEWEPEWGMYHEHIWTVSRXSTSVPEQEyEREXSHSIWQjWVIPENEHS© 7MIQTVITVI½IVSIPFYW)WGSQSMVHII\GYVWMzRGSRIPGSPI Salvo por el olor a pies. Eso es horrible... (risas)

¿Poznan? Eso, Poznan.Tiene mucha historia y es un lugar precioso.Y no es por ser pelota pero España es mi país favorito para tocar. Lo es. Lo siento. Tengo a mi familia viviendo ahí y los padres de Robert tienen una casa allí y solemos ir de vacaciones. Cualquier ciudad de España nos gusta. La comida es muy buena. ¿Qué sueles hacer antes de salir al escenario? Suelo hacer muchas visitas por las ciudades a las que voy con mi amiga. Ella es mi maquilladora y nos hicimos muy amigas cuando empezó a trabajar conmigo hace quince años. Normalmente me voy con ella a pasear por las ciudades y sino estoy con los chicos y hago algo de ejercicio. Unas horas antes del show tengo que hacer entrevistas, maquillarme, comer algo, hacer la prueba de sonido y entonces vuelvo a mi camerino. Tengo una habitación para mi sola porque los chicos son más escandalosos antes de un show y yo necesito estar tranquila para prepararme mentalmente para el show. Si tengo a mucha gente alrededor me distraigo y me agito y no me funciona bien. No es que sea una diva pero necesito esa tranquilidad antes del concierto para poder rendir bien. 8VEWEPKYRSWWLS[WWYIPSIWXEVQIRSWRIVZMSWETIVS©PSWTVMQIVSWGMRGS shows me ponen muy nerviosa.Tengo un poco de ansiedad y me imagino que deriva de ser tan perfeccionista. A veces me tienen que recordar que estoy haciendo realidad mi sueño y que debería estar feliz por ello, cantando para el público, pero me machaco mucho y me pongo nerviosa. Y tienen razón.Tras veinticinco años debería disfrutar más de lo que hago y dejar de pensar en que todo debe ser perfecto todo el tiempo. Necesito que me lo recuerden de vez en cuando. ¿Cuál ha sido tu momento más vergonzante sobre el escenario? El más vergonzante y más divertido a la vez fue uno en Holanda, en una antigua iglesia. Estábamos grabando un DVD y la cremallera de mi vestido se rompió. Escuché al batería diciendo “otra vuelta” al resto de la banda.Ya llevaban tres vueltas de la misma canción y yo no podía subir la GVIQEPPIVE VMWEW %P½REPWEPuEGERXEVGSRYREQERSIRQMIWTEPHEGSQS WMRSTEWEWIREHE]WMRXMqRHSQIIWXTMHE%P½REPXYZIUYITEVEVWEPMVHIP escenario y arreglarlo pero fue muy gracioso. La intro duró una eternidad por culpa de esa cremallera (risas). ¿Qué es lo más glamuroso que has hecho estando de gira? Ir en avión privado.Teníamos un show en el Bloodstock de Inglaterra y veníamos de Portugal. Para llegar a tiempo cogimos un avión privado y era la primera vez que lo hacíamos.También me dio mucho miedo, porque era un avión pequeño y ya sabes de mi miedo a volar. Tras eso teníamos que ir a Canadá para un show en Montreal y la única manera de llegar a todo a tiempo era con nuestro propio avión. Así que sí, imagino que eso es lo más decadente que hemos hecho como banda, si te sirve (risas). metal hammer | 7

LOS 5 DISCOS FAVORITOS DE...

ROGER GLOVER (DEEP PURPLE) TEXTO: SERGI RAMOS FOTO: Toni Villén

Deep Purple están a pocas semanas de editar un nuevo disco titulado ‘Whoosh!’ y que marca el quincuagésimo segundo año de actividad 05?/;3>Ÿŋ/- 01 8- .-:0- .>5@Ÿ:5/- =A1 ?1 05/1 <>;:@; 

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Mientras el grupo se encontraba atendiendo a distintos medios en estas últimas semanas pudimos hablar largo y tendido con el bajista Roger Glover, también uno de los productores más destacados del rock en los años ’70 y ’80, habiendo trabajado con David Coverdale, Rainbow, Judas Priest e incluso Dream Theater en esa posición. Ahora, con 74 años de edad, Glover disfruta saliendo de gira casi cada año con Purple y recordando un cancionero atemporal como el que grabó la mítica banda en sus mejores momentos de décadas pretéritas. “Me has pillado totalmente en blanco así que tiraré de ‘Greatest Hits’: los discos de grandes éxitos de Little Richard y Chuck Berry, para empezar”, se ríe Glover antes de darnos una lista improvisada de discos que han marcado su vida de una manera u otra. “Ahora me voy a pasar toda la noche sin dormir pensando en todos los discos que te quería decir y no me han venido a la cabeza”. Le cuesta arrancar, pero nos ofrece un listado de lo más ecléctico que recordamos. Steve Reich - Music For Eighteen Musicians (1978) Hay un par de discos que destacan para mí. Uno de ellos se llama ‘Music For Eighteen Musicians’, de Steve Reich. Es difícil de describir pero es una obra minimalista de jazz clásico que rompió moldes en su momento. Es una pieza continua de música HYVERXIXSHSYRHMWGSWMRPIXVE]WMRGERGMSRIWHI½RMHEW)WYR momento musical vibrante que dura casi una hora. Es algo tan diferente que me encanta. Beastie Boys - Pet Sounds (1966) El ‘Pet Sounds’ de los Beastie Boys es otro disco que marcó mi vida. Lo importante es que la música sea estimulante. Si lo que escucho es algo que podría haber compuesto yo mismo, pierdo el interés rápidamente. Necesito que la música me acerque al espacio mental de otra persona, que me haga descubrir cosas que yo jamás habría pensado. Gustav Holst - The Planet Suite (1918) Me encanta la música africana, especialmente el reggae, para que te hagas una idea de lo variado de mis gustos. Pero me apasiona especialmente la música clásica. Uno de los discos que me informaron más cuando era un adolescente fue ‘The Planet Suite’ de Gustav Holst. &SF(]PER8LI*VII[LIIPMR´&SF(]PER  Un disco que cambió mi vida, sin duda. J. J. Cale - Naturally (1972) Es un disco que tiene un tono muy distintivo y que, cuando lo escuchas, te recuerda a un viejo par de guantes que te encajan perfectamente. Lo escuches cuando lo escuches. Cada canción es una gran canción y Cale inventó un nuevo género de rock bluesy que va asociado a él. Las canciones son simples pero tienen mucha potencia. metal hammer | 9

NEW BLOOD

aposento TEXTO: MELANIE SILVA

<;?1:@;8A/4-<;>9-:@1:1>B5B-8-1?/1:-01801-@491@-8 -83;/-0-B1F9Ÿ?052«/58011:/;:@>->1:18 <-:;>-9-1?<-¯;8;:A:?;:50;9Ÿ?1?1:@-o;:6A>5:3&41 1C<;/-8E1:050;1:?A?@>15:@--¯;?01>;0-61<1?->01?A-9<85-@>-E1/@;>5-  este álbum es un soplo de aire fresco a la escena, por eso se encuentran en este “New Blood”. La banda surgió en 1990, tuvo 15 años de inactividad y ha cambiado varias veces de formación. ¿En qué momento os encontráis actualmente? ¿Creéis que con esta formación habéis encontrado una estabilidad? Estamos en nuestro mejor momento a pesar de los recientes cambios de formación. Tenemos las pilas cargadas y más ganas que nunca de regresar a la normalidad y poder anunciar los nuevos integrantes que componen la banda -y sobre todo volver a los escenarios-. Sobre los cambios y la estabilidad, muchas veces es complicado el poder combinar el grupo con trabajos o la vida familiar. En una ciudad pequeña como es nuestro caso es más complicado todavía el encontrar gente comprometida, pues la escena extrema en nuestra comunidad es muy reducida y sin relevo generacional. Desde vuestros inicios en la época de los ‘90 a día de hoy, ¿cómo veis el panorama musical? ¿La escena ha ido a mejor o a peor? El panorama actual igual no es el más idóneo dadas las circunstancias que estamos viviendo. Aun así, a nivel nacional no podemos quejarnos en cuanto a bandas. La escena no creo que sea muy diferente de la de décadas atrás, un poco más viejos todos y con menos pelo, pero con la misma fuerza que antaño. 10 | metal hammer

¿En qué momento veis la escena del death metal a nivel mundial? ¿Hay alguna banda que sigáis o que os haya fascinado? Parece que en estos últimos años el death vuelve a repuntar un poco, pero la escena tampoco ha cambiado demasiado. El principal problema que vemos es que en unos años esto ira cayendo poco a poco pues no vemos relevos y terminara haciendo honor a su nombre. El sonido de este trabajo es mucho más cercano al de los álbumes que habíais sacado en vuestros inicios. ¿Ha sido algo intencionado o ha surgido de forma natural? La verdad que nuestra intención era componer un disco de death metal. No entramos al estudio pensando en si va a ser de una forma u otra, solo hacemos lo que a nosotros mismos nos gustaría escuchar. Después de tantos años tenemos muy claro cómo queremos sonar o el estilo que queremos hacer, y obviamente es death metal de la vieja escuela. Para los títulos de las canciones de este álbum os habéis inspirado en referencias mitológicas en este ³'SRNYVMRK8LI2I[%TSGEP]TWI´¡0SWXIQEWXMIRIRYR hilo conductor o no mantienen relación entre sí?

Sí, el disco en cierta manera podría decirse que es conceptual ya que todos los aspectos líricos están hilados entre sí de un modo u otro. Tiene muchas referencias mitológicas y teológicas así como esotéricas, metafísicas u ocultistas. Pero tiene que ser el oyente el IRGEVKEHSHIIRGSRXVEVIWIWMKRM½GEHSXVEWPEWQIXjJSVEW

Ya trabajamos con Naroa en el pasado. Fue la encargada realizar alguno de nuestros diseños de camisetas. El resultado sido fantástico y estamos muy contentos. Sin duda, ha sido capaz capturar la esencia que queríamos transmitir en este álbum en aspecto lírico.

En cuanto a la composición de las letras, anteriormente se encargaba Mark. ¿Para este trabajo ha sido diferente? ¿Componéis las letras para las instrumentales o el proceso se realiza a la inversa?

¿Qué habéis aportado en este trabajo que no hayáis echo en otros anteriores? ¿Habéis experimentado con nuevas líneas creativas o habéis utilizado alguna idea que teníais en el tintero?

Las letras es lo último en realizarse una vez que tenemos desarrolladas las composiciones. Mark escribe las letras y revisamos algunos aspectos de las estructuras para poder encajar todo a la perfección.

No somos muy dados a experimentar, somos más bien de ideas claras y concisas. El material de nuestro nuevo trabajo ha sido todo íntegramente compuesto para el mismo.

De las diez canciones de este disco, ¿cuál es la que más esfuerzo os ha implicado y cuál es vuestra favorita? &YIRSIWSIWGSQSTVIKYRXEVEYRTEHVIGYjPIWWYLMNSJEZSVMXS© Todos los temas han requerido el mismo esfuerzo y énfasis en su composición y estamos más que satisfechos del resultado obtenido. Para la masterización de este disco habéis trabajado GSR IP GSRSGMHS (ER 7[ER} HI 9RMWSYRH 7XYHMSW (Suecia). ¿Qué os ha llevado a trabajar con él y cómo ha sido la experiencia? *YIPEHMWGSKVj½GEUYMIRRSWPSTVSTYWS]GSQSIPKVERVIJIVIRXI UYIIWWMRHYHEJYIYREGMIVXSIRIPVIWYPXEHS½REPHIPjPFYQ )PEVX[SVOIWXjVIEPM^EHSTSV2EVSE)X\IFEVVME]LE plasmado claramente la idea del título de este disco. ¿Qué os ha llevado a decantaros por ella?

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Puesto que este año se han visto truncados los conciertos y han tenido que posponerse para 2021, ¿tenéis pensado alguna manera especial de presentar este trabajo? ¿Hay algún grupo con el que os haría especial ilusión compartir escenario? Poco a poco iremos viendo cómo se va desencadenando todo. Este 2020 la banda cumple su 30º aniversario y teníamos muchas cosas en mente que tendrán que esperar. Muchas fechas han sido aplazadas, canceladas o incluso ni se han llegado a anunciar. Esperemos que en el 2021 podamos volver a nuestro cauce habitual. Sobre bandas con quienes compartir escenario, pues la verdad que siempre es agradable el encontrarse con viejos amigos, pero no tenemos problema ninguno en ir conociendo nuevos por el camino. En cierto modo, de eso se trata también un poco esto, de ir cosechando experiencias nuevas.

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DAVID ANDERSSON (THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA, SOILWORK)

TEXTO: TAMARA RUIZ

FOTO: ÓSCAR GIL

El guitarrista sueco fue uno de los afortunados que pudo tocar justo antes de que se decretase el estado de alarma en España derivado de la crisis del coronavirus. Su concierto con The Night Flight Orchestra fue por esto más especial si cabe, y hemos escogido por eso a David Andersson ahora que pasamos a la “nueva normalidad” para que sea el protagonista de nuestro Gear Talk ya que no solo toca la guitarra con TNFO, sino que también lo hace con los también suecos (y completamente distintos estilísticamente hablando) Soilwork. ¿Qué equipo usas? Soy endorser de ESP a día de hoy. Mi guitarra principal para The Night Flight Orchestra es una ESP. Antes usaba Fender 7XVEXSGEWXIV TIVSHI½RMXMZEQIRXI QI UYIHSGSR )74] GSRWY modelo Vintage Plus y el Hybrid de 1983. También soy endorser de Seymour Duncans, por lo que uso sus pastilas, y en cuanto a PSWEQTPM½GEHSVIWYXMPM^S&PEGOWXEVTSVUYIXEQFMqRWS]IRHSVWIV HIPEQEVGE]QIKYWXEIPWSRMHSHI½RMHSUYIETSVXER ¿Cuáles son tus rutinas de calentamiento durante las giras? Solemos brindar todos con una copa de vino antes de cada concierto. ¿Cuál es tu rutina en el día a día cuando estas de gira con la banda? Cuando llevas haciendo esto durante mucho tiempo tienes tus propias rutinas, igual que el resto. Mi rutina se basa en estar en el autobús leyendo libros todo el tiempo que puedo durante el día. A veces compongo o escribo cosas también si estoy inspirado, pero leer es mi principal tarea. ti?

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Muchos, pero hay tres que debo destacar: Tommy Bolan, Randy Rhoads y Scott Anderson. ¿Cómo empezaste a tocar la guitarra? Tuve mi primera guitarra cuando tenía 9 años. Después tomé clases de guitarra y fui a una escuela de música. Luego dejé la música durante un tiempo para convertirme en médico y después tuve la oportunidad de empezar a tocar con Soilwork en 2006. Desde ese momento le dedico un 50% a la medicina y un 50% a la música. ¿Cómo ha cambiado su forma de tocar desde que empezaste? Pues ha mejorado. Cuando eres un adolescente siempre buscas ser el guitarrista más rápido del mundo y te lo tomas todo como si fuera una competición sobre tocar la guitarra. Luego ya te vuelves consciente de en lo que eres bueno y en lo que no eres tan bueno, y ya no tengo la necesidad de hacer tanto ruido. Está bien estar en segundo plano algunas veces. ¿Cómo se ha aplicado esa forma de tocar en tus canciones? Básicamente tengo mis momentos cuando hago mis solos y demás, pero soy mejor como guitarrista rítmico. Sé cuándo tengo que tocar muchas cosas y sé cuándo tengo que tocar pocas. Mejor estar calmado y a mis cosas que ponerme a hacer un montón de ruidos y demás cuando hay algún solo. metal hammer | 13

‘back in black’ !% !%%#'$! $$$N TEXTO: sergi ramos 5:/;91?1?1?8;=A14;E1:0«-@->0-A:-05?/;3>Ÿŋ/-1:<>1<->->188-:F-951:@;01A:05?/;:U]\T /5:/;91?1?1?8; =A1@->0->;:N1:>1/A<1>->?1018-9A1>@101?A/->5?9Ÿ@5/;B;/-85?@- ŋ/4->-;@>; 3>-.->1805?/;9Ÿ?B1:050;01 la historia del rock duro y volver a la carretera. La multitud rugía. Como en cualquier concierto, pero más. Era la primera ocasión en cinco años en que la banda volvía a actuar en nuestro país y, a decir verdad, tampoco se habían prodigado mucho antes de eso. Apenas un show de estadio en Barcelona en 1991, algunos shows en pabellones en 1984 con cancelaciones de por medio y una primera visita en 1981 que pocos ya recordaban. La suma de nuevas generaciones a la causa, la martilleante promoción de su nuevo disco en España y el hype de la vuelta a la formación de su batería clásico eran los responsables de que en 1996, AC/DC fuese capaces de llenar dos noches el Palau Sant Jordi de Barcelona y tres noches la plaza de toros de Las Ventas de Madrid. Previamente, un clamor de los fans obligó al promotor de la gira, Gay Mercader, a ir sumando fechas al tour español. El grupo rechazaba hacer grandes conciertos de estadio desde que tres fans fueron ETPEWXEHSWLEWXEPEQYIVXIIRPEWTVMQIVEW½PEWHYVERXIYRWLS[IR Salt Lake City ante la incapacidad de la banda para poder evitarlo. Pero a la multitud que agotó las entradas de los cinco conciertos en España no pareció importarle demasiado el riesgo. Recordemos que estos eran los años pre-Ticketmaster, donde agotar entradas implicaba ir a hacer cola a algún centro comercial o cadena de tiendas de discos durante horas y horas -nada de cómodas colas virtuales sentado en IPFEySHIPES½GMREIRPEUYIXVEFENEWMRXIRXERHSUYIXYNIJIRSWI entere de en qué pierdes el tiempo. De pronto, al hilo del videoclip de “Hard As A Rock”, primer WMRKPIHIPHMWGS±&EPPFVIEOIV²]GSR½VQEGMzRHIUYI%'('IWXEFER en un espectacular estado de forma, una bola de demoliciones se convirtió en la protagonista de la noche. En medio del rugido se abría paso el chirriar de una grúa que coronaba el escenario. La grúa iba dejando caer la bola de demolición lentamente y, en la distancia, un muro de porexpan comenzaba a temer por su integridad. Tras dos minutos de creciente tensión, de balanceos y de “uys” del público, ½REPQIRXIPEFSPEGYQTPIGSRWYGSQIXMHS]HIWXVY]IIPHIGSVEHSHIP escenario -así, para empezar la noche sencillita y sin complicaciones. 9RIWXVYIRHSWIETSHIVEHIPVIGMRXSQEKRM½GEHSTSVQMPIW]QMPIW de vatios de potencia de sonido. En medio de la confusión, unas TIVWMEREW UYI TVSXIKIR PSW EQTPM½GEHSVIW ] PE FEXIVuE WI PIZERXER inmediatamente y de una de ellas sale Angus Young, con un power chord inmenso saliendo desde su guitarra. Coge su gorra, reverencia al público con ella en la mano, se gira hacia la batería de nuevo y tras dejar que Phil Rudd cuente cuatro con el charles de la batería, la banda hace estallar “Back In Black”.

devolverte a un lugar cómodo y conocido, porque AC/DC simplemente poseen esa capacidad intrínseca. Pero, de toda su obra, “Back In Black” es el tema -y el disco- más reconocible. Es el tema de rock que hasta la gente que odia el rock termina tarareando. El disco que, aunque el rock sea lo más lejano a tus gustos, termina gustándote. Si bien compositores como el sueco Max Martin han logrado perfeccionar la fórmula de la canción pop de éxito en los últimos veinte años, lo que consiguieron los hermanos Angus y Malcolm Young y el productor Robert John “Mutt” Lange en 1980 debería ser estudiado al detalle. La precisión quirúrgica de la batería de Phil Rudd, la unión de grandes estribillos con rugosos riffs de rock australiano de bareto problemático, la cortante voz de Brian Johnson y la capacidad para resumir un género QYWMGEPIRQMRYXSWIVERWY½GMIRXIWTEVEGEYWEVWIRWEGMzR4IVSWM a ello le sumamos la historia de superación, la narrativa de una banda que lucha por salir adelante a la luz de la tragedia, ya no tenemos sólo un gran disco de rock: tenemos una historia con la que simpatizar. Y, en esencia, ‘Back In Black’ ha sido capaz de capitalizar justamente eso: que de todo se sale y a veces incluso con más éxito (que no mejor). Hasta de perder a tu carismático vocalista y letrista al borde del salto HI½RMXMZSIRPEGEVVIVEHIXYFERHE UN MAL COMIENZO La década de los ’80 fue, para la generación del rock duro, el equivalente a los felices ’20 para la generación del jazz. Un momento de esplendor para el género, de pioneros, de discos de importancia capital. De grupos que labraron su leyenda en esos momentos y de nacimiento de corrientes que dominarían el estilo en años venideros (véase la New Wave of British Heavy Metal que albergaría a Iron Maiden, Judas Priest, Saxon y Def Leppard). Pero AC/DC la empezaron con bastante mal pié.

Cuando una banda, sea cual sea, decide iniciar su concierto con su mayor hit o, cuanto menos, uno de sus dos riffs más reconocibles, es toda una declaración de intenciones. Es una manera de decir “tomad, que vamos sobrados”. De hecho, en la mayoría de repertorios de AC/ DC, “Back In Black” aparece entre las primeras canciones del set, conocedores del efecto arrollador que tiene entre el público y de la capacidad que el riff tiene para despertar hasta al fan casual más pasivo. Da igual que hayas vivido bajo una piedra durante las últimas cuatro décadas: si escuchas ese riff, automáticamente lo reconoces y lo sientes como algo familiar, cercano, mil veces escuchado.

La banda venía del tremendo éxito de ‘Highway To Hell’, el disco que dio un vuelco a su suerte tras años de partirse los cuernos girando por Europa, Australia y Estados Unidos. En ‘Highway To Hell’ la banda había puesto un especial énfasis en los coros y en la musicalidad de la propia banda, alejándose ligeramente del blitzkrieg guitarrero de discos como ‘Let There Be Rock’ (1977) o de la seriedad y madurez blues-rockera de discos como ‘Powerage’ (1978). El directo ‘If You Want Blood’, editado en noviembre de 1978, había servido para que la banda tuviese algo de tiempo extra en la preparación de un nuevo disco que no estaba resultando fácil. Una primera unión entre la banda y el productor Eddie Kramer (Hendrix, Kiss) no resultó nada productiva pero en cuanto AC/DC comenzaron a trabajar con el sudafricano “Mutt” Lange, las cosas dieron un vuelco a mejor. De aquel disco saldrían himnos atemporales como el tema título, “Shot Down In Flames” o “Girls Got Rhythm” y, lo que es más importante, el sonido más radiable de la banda dio pie a que el tan anhelado éxito ½REPQIRXI PPIKEWI E PEW TYIVXEW HI PE FERHE 9R REHE HIWTVIGMEFPI puesto número 17 en el Billboard 200 americano y un número 8 en el Reino Unido fueron sintomáticos de que las cosas estaban cambiando para AC/DC. Los subsiguientes 125 conciertos en apenas cinco meses y medio fueron sintomáticos de que el grupo estaba realmente a todo gas en ese punto de su carrera.

Esa es parte de la magia de AC/DC: haber creado un ecosistema musical en el que las canciones -más viejas o más nuevas- consiguen generar una instantánea familiaridad con el oyente. Como ese primo o aquel amigo al que ves una vez al año pero con el que retomas la relación en el mismo punto, como si nada hubiese pasado, siquiera el tiempo. Hasta el tema más oscuro de “Fly On The Wall” es capaz de

Durante las navidades de 1979-1980, la banda se tomó un breve descanso de tres semanas. Algunos se fueron con sus esposas y el vocalista, Bon Scott, la pieza clave y principal arma carismática de AC/ DC junto con Angus Young, se largó hasta Sydney, Australia, para pasar el tiempo con su familia por primera vez en tres años. Nada más llegar a Sydney, Scott se compró una impresionante Kawasaki Z900

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roja con la que se paseaba sin casco y a toda velocidad por la playa de Bondi. También tuvo tiempo de otear pisos y alquilar uno donde viviría solo por primera vez -porque hasta entonces no había tenido dinero para poder permitírselo. Pero con unos AC/DC que no habían disfrutado de tanta fama en Australia desde sus primeros años -antes de emigrar al Reino Unido en 1976 para hacer crecer su carreraScott estaba pasándoselo bien ante la adulación que se encontraba en su tierra. Pero sus malos hábitos llevaban tiempo fuera de control e incluso su familia se dio cuenta de que el alcoholismo de Bon había escalado tremendamente. “Pero no le podías decir a Bon lo que tenía que hacer”, explicaría su madre, Isa, más adelante. Scott volvió a Londres poco después de navidades, donde se mudó a un nuevo piso cerca de Buckingham Palace. Hizo los últimos shows pendientes de la gira y conoció a Anna “Baba”, una atractiva joven japonesa conocida de su tour manager, Ian Jeffery, con la que empezó a verse en la misma noche del último show en Southampton. El día después del show, Scott le pidió a Anna que recogiese las cosas de su piso en la otra punta de Londres y se mudase a vivir con él. Fue su compañera en las que serían sus últimas semanas de vida. Poco después, el 7 de febrero de 1980, Scott grabó una actuación 16 | metal hammer

con AC/DC en el programa “Top Of The Pops” de la BBC presentando el single “Touch Too Much”. Parecía estar asentándose con su nueva compañera, que le acompañó a la grabación, y con la que acudía regularmente a comer los domingos en casa de Jeffery. Nada más lejos de la realidad: el vocalista estaba bebiendo y usando drogas más que nunca. Eso no evitó que Scott visitase a los hermanos Young en el local de ensayo en el que se encontraban preparando ideas para el próximo disco de la banda. Estaba decidido que el grupo entraría al estudio en abril de ese mismo año. Y no sería en Londres: la banda iría a los exclusivos Compass Point Studios de Nassau, en las islas Bahamas. Con el Reino Unido gravando los ingresos económicos al 83%, los contables de la banda sugirieron que el grupo se largase bien lejos de Gran Bretaña para grabar el disco. El día 15 de febrero, Scott fue a los E.Zee Hire, unos locales de ensayo en los que Angus y Malcolm se encontraban trabajando sobre diversas ideas. En esa jornada concreta, Scott vio como daban forma a dos nuevas canciones tituladas “Have A Drink On Me” y “Let Me Put My Love Into You”. Aunque el vocalista había ido anotando ideas en su inseparable libreta, no tenía demasiadas ganas de cantar ese día. Sin embargo, se puso tras la batería y comenzó a tocar mientras los hermanos Young le seguían. Estaban felices. No en vano, el día antes

la banda había recibido la noticia de que su disco ‘Highway To Hell’ había logrado vender un millón de copias en Estados Unidos, lo que suponía el primer disco de platino para AC/DC. Tal era la felicidad y entusiasmo de Scott que volvió a casa explicándole a su compañera japonesa que el próximo disco de la banda “iba a ser el grande”. Y llamó a su madre en Australia para decirle lo mismo. Parece que Bon comenzaba a renacer de sus cenizas y veía el futuro con positivismo. Dos días después, el 17 de febrero, Bon le dijo a Anna que tenía que marcharse de su casa mientras preparaba las letras del nuevo disco de la banda. Antes de marcharse, le pidió a su compañera que cocinase una cena típicamente japonesa para sus invitados, los miembros del grupo francés Trust, con los que Scott había trabado una gran amistad y se encontraban en Londres grabando un nuevo disco.También acudió el guitarrista de Rose Tattoo, Mick Cocks. Juntos tuvieron una cena que Anna posteriormente describiría como “una especie de última cena”. A la mañana siguiente, Anna cogió un autobús a casa de Ian Jeffery y su esposa, donde se quedaría temporalmente QMIRXVEW7GSXX½RMUYMXEFEWYWPIXVEW)RPEXEVHIHIIWIHIJIFVIVS cuando Jeffery vino de los locales de ensayo donde estaban Angus y Malcolm, le dijo a Anna que no había visto a Bon en todo el día. Intranquila, la joven pensó en la actitud discretamente negativa y

triste que había observado en Bon en los días anteriores, así como WY HIWQIHMHE MRKIWXE HI EPGSLSP 4IVS 7GSXX ½REPQIRXI WI TYHS IR contacto esa noche por teléfono y la tranquilizó, explicándole que estaba en casa bebiendo y escribiendo letras. Pero Bon no se iba a quedar en casa esa noche y ya había llamado por teléfono a Silver, su ex-novia, con quien había acabado la relación en 1978. Fue en Australia, poco después de completar las grabaciones de ‘Powerage’, cuando Silver comenzó a verse con Joe Furey, un roadie que trabajaba con Rose Tattoo y que compartía una WEREE½GMzRTSVPELIVSuREGSR7MPZIV1MIRXVEW&SRWIKYuEFIFMIRHS] bebiendo, Silver repentinamente decidió marcharse a Bangkok con su nuevo compañero, dejando a Scott absolutamente devastado. Y con la cuenta bancaria, presuntamente, vacía. Pero, volviendo a esa noche de 18 de febrero de 1980, Scott quería salir a cualquier sitio con Silver. Pudiendo quedarse en casa con sus “ocupaciones” en ese lunes por la noche, le sugirió a Scott que quedase con Alistair Kinnear, uno de sus amigos heroinómanos, con el que ella había compartido piso durante una temporada en Londres. Kinnear estaba en la lista de invitados del Music Machine londinense para un show esa misma noche y Scott se fue allí con él, llamando previamente a Jeffery para avisarle de su futuro paradero. metal hammer | 17

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UNA MUERTE SIN ACLARAR Si bien el debate sobre lo que tomó Scott esa noche junto a Kinnear ha sido sujeto de controversia a lo largo de los años, un reciente libro de Jesse Fink titulado “Bon: The Last Highway” ha tratado de evidenciar que la heroína tuvo mucho que ver en lo que pasaría en las horas posteriores con una precisión propia de forense. Sin embargo, Kinnear concluyó en una entrevista de 2005 que ±FIFMIVSRQYGLS²]UYIXVEWPE½IWXEIRIP1YWMG1EGLMRIWISJVIGMz a conducir a Scott a su casa. Por el camino, Kinnear observó que Scott se había quedado dormido y cuando llegó a su casa, dijo haber picado y no haber obtenido respuesta -Anna se encontraba en casa de Ian Jeffery. Cogió las llaves de Bon, entró al piso, vio que estaba vacío y tras preguntarle a Silver, ésta le recomendó que le dejase durmiendo, que le sucedía “con frecuencia”. Kinnear condujo entonces a Scott hasta las inmediaciones de su propio piso, en Overhill Road, donde se vio incapaz de sacarle del GSGLI]TVI½VMzHINEVPSHYVQMIRHSHIRXVS8VEWGSRWYPXEVGSR7MPZIV Kinnear bajó algunas sabanas y le dejó apuntada su dirección para que, al despertarse, pudiese subir a su casa y meterse en la cama. En la mañana del día 19 de febrero, sobre las once, un amigo de Kinnear, Leslie Loads, le despertó y Kinnear le pidió que bajase a comprobar que tal estaba Bon. Loads aseguró que el coche estaba vacío y Kinnear siguió durmiendo pensando que Scott habría cogido un taxi a su casa al despertarse. Siguió durmiendo varias horas más y cuando se despertó, a las 19:45h, bajó a su coche y vio que Bon seguía ahí, tumbado boca arriba, sin signos de vómito -como luego WIQEKRM½GEVuETIVSXSXEPQIRXIJVMSEPXEGXS/MRRIEVGSRHYNSE&SR hasta el King’s College Hospital donde logró sacar con ayuda a Bon del coche. Fue pronunciado “muerto al llegar”. Le dio a los trabajadores del hospital el teléfono de Silver y se fue del lugar sin más. Más de 24 horas después de las llamadas de Kinnear avisando del estado comatoso de Scott, cuando Silver recibió la llamada del hospital para “acudir por un tema serio” se podía imaginar lo que podía haber ocurrido. Pero se volvió “loca”, según confesaria Silver más adelante al periodista Clinton Walker.

en las maletas con todas sus pertenencias personales, las cuales envió a casa de sus padres en Australia. Cuando Anna visitó a los padres de Bon meses después descubrió que las libretas jamás alcanzaron su destino junto al resto de pertenencias. UN FUTURO EN EL AIRE Con un vocalista fallecido y la banda al borde del estrellato, AC/ DC se quedaron en el aire -durante 48 horas-. Tras el funeral y una respetuosa visita a los padres de Bon (“la madre de Bon, Isa, sacó cinco sillas para la banda”, explicaría Ian Jeffery al biógrafo Mick Wall, “y solo cuatro miembros se sentaron”), Phil Rudd -batería- y Cliff Williams -bajista- se fueron a Melbourne a descansar unos días. Los hermanos Young volaron de vuelta a Londres. Fue entonces cuando Peter Mensch, como manager, le dio una lista de posibles sustitutos a Malcolm, quien le dijo que no en ese momento. Malcolm no quería dejarlo todo, aunque tuvo una breve conversación con Angus acerca de cambiar el nombre de la banda aunque tampoco se veían preparados para lidiar con los detalles en ese preciso momento. Fue Chick, el padre de Bon, quien les dijo tras el funeral que “tenían que encontrar a alguien” y que “pase lo que pase, no paréis”. A las 48 horas de volver a Londres, Malcolm decidió que no se iba a quedar llorando el resto del año y llamó a Angus para quedar y ensayar. La lista de Mensch fue considerada, pero la banda elaboró la suya propia. Hubo rumores sobre el ídolo australiano Stevie Wright, muy cercano a los Youngs a través de la factoría musical de Albert Records, TIVS WY EGXYEP EHMGGMzR E PE LIVSuRE LEGuE MQTVEGXMGEFPI WY ½GLENI Otros como Jimmy Barnes, de Cold Chisel y amigo personal de Bon, fueron considerados pero su trayectoria ya asentada en Australia hizo que fuese descartado rápidamente. El australiano Allan Fryer fue otra opción impulsada por el manager americano de la banda, David Krebs. “Era demasiado parecido a Bon en cuanto a su personalidad así que no me sorprende que lo descartasen”, explicó más adelante. “No querían a otro Bon”.

Silver no tenía un número de la familia de Bon, así que les dio a los enfermeros el número de Peter Mensch, manager de entonces de la banda. Cuando llegó a su casa, Silver telefoneó a Angus con la noticia ]%RKYWPPEQzEPLSWTMXEPUYIRSUYMWSGSR½VQEVRMHIRIKEVREHEEP no tratarse de un familiar directo. Angus llamó a Malcolm y Malcolm llamó a Ian Jeffery a las 02:30h de la madrugada del 20 de febrero, diciéndole “está muerto”. Jeffery se lo tomó como si fuese una broma ante la ira de un Malcolm que le replicó “¿crees que bromearía sobre algo como esto?”.

Cuando la banda comenzó a hacer audiciones en marzo, lo hizo en los Vanilla Studios de Pimlico, en Londres. Por allí pasaron un montón de vocalistas que Jeffery caricaturizaría como “aspirantes a David Coverdale” más que como posibles frontmen de AC/DC. Con un disco ya comprometido, el productor “Mutt” Lange se implicó en el proceso hasta el punto de revisar muchas de las cintas de las audiciones que estaba realizando la banda. Además de las cintas que proveía la banda, Mutt y el ingeniero Tony Platt fueron confeccionando una lista de posibles candidatos para que la banda la pudiese valorar.

Anna “Baba”, la joven compañera de Bon en esas últimas semanas, se despertó a causa de los gritos que había en casa de Ian Jeffery, donde seguía viviendo por esas fechas. Jeffery y Mensch acudieron al LSWTMXEPTEVEMHIRXM½GEVIPGYIVTSTSGSHIWTYqWQMIRXVEWPSWHMWXMRXSW medios comenzaban a lanzar la noticia de la muerte del vocalista de la banda de rock más prometedora del momento. El informe del forense hablaba de “intoxicación aguda de alcohol” y “muerte por accidente”.

EL PALETA QUE ACABÓ EN AC/DC

Pese a todo, de puertas para adentro, el alcohol nunca fue considerado la única y exclusiva causa de la muerte de Bon, aunque la banda mantendría cierto hermetismo al respecto a lo largo de los años. “Podría haber sucedido” le explicaba Jeffery al biógrafo Mick Wall cuando se sugiere que la heroína inhalada pudo haber tenido algo que ver en la muerte del vocalista. Incluso Malcolm Young se abrió, crípticamente, al periodista Phil Alexander cuando le dijo que “no estuvimos allí pero sabemos exactamente lo que pasó y no lo hemos explicado porque es algo muy personal de Bon”. “Bon estaba en un punto muy bajo y bebía mucho así que esa noche fue un poco más allá. Pero no se emborrachó hasta morir, eso está claro. Tenía mucho por lo que vivir”, concluyó el ahora fallecido guitarrista. Lo que está claro es que Kinnear desapareció de su piso en Overhill Road poco después y se mantuvo relativamente desaparecido durante los siguientes 25 años. En 1983 se mudó a la Costa del Sol española donde, al parecer, vivía en un barco pesquero. Murió en 2010 por causas misteriosas. Los misterios se sucedieron con el paso de los años, siendo el más WMKRM½GEXMZSIPHIPSWHSWXMTSWUYIWIKRPE6SPPMRK7XSRIEYWXVEPMERE aparecieron en el piso de Bon en Londres y lo dejaron todo patas EVVMFE PYIKS GSR½VQEHSW GSQS -ER .IJJIV] ] IP VSEHMI HI PE FERHE Jake). ¿El motivo? Limpiar cualquier evidencia que pudiese incriminar al vocalista, incluyendo drogas.Y también localizar las letras que pudiese haber estado creando para el próximo disco de la banda. Según explica Anna “Baba”, Jeffery le explicó que había guardado las libretas de Bon

Uno de los nombres que aparecían en la lista era el de un vocalista de Newcastle llamado Brian Johnson, cuyo único paso por la fama y la gloria del rock and roll fue la banda Geordie, en la que militó en los años ’70 sin demasiado éxito. Pero el aspecto destartalado de Johnson y su baja forma física (veníamos de un sex-symbol como Bon Scott) hicieron que la banda derivase su atención temporalmente hacia Gary Holton, de los Heavy Metal Kids. Aunque poseía el carisma y la soltura callejera de su predecesor y una voz rasgada pero con poco rango. Además, Holton era conocido por sus hábitos poco saludables. Moriría en 1985 por una sobredosis de heroína. La banda también consideró brevemente a Terry Slesser, vocalista del grupo post-Free de Paul Kossoff, Back Street Crawler. Una banda con la que AC/DC había girado en 1976 y cuyo vocalista tenían en el radar. “Hicimos ‘Rocky Mountain Way’ en la audición”, explicó Slesser en una entrevista de 2009. “Propuse una canción que no fuese de Bon para calentar. La banda se relajó gracias a eso. Me bebí un par de vasos de vino y luego probamos ‘Whole Lotta Rosie’, ‘Highway To Hell’ y ‘The Jack’”. Aunque el vocalista estaba en la lista de favoritos en un primer momento, la banda no terminó de sintonizar con él. Ya metidos en un túnel sin salida de audiciones, recomendaciones, valoraciones y consejos, la banda volvió a considerar al “tío de Geordie”, Brian Johnson. Ian Jeffery lo localizó y le ofreció ir a Londres a realizar una audición, a lo que Brian se negó porque estaba trabajando en la empresa de construcción de su hermano y no podía permitirse el coste de ir a Londres. Jeffery le convenció pagando el billete de avión y Johnson vio que aquello iba en serio. Tras una accidentada llegada a su audición con la banda, Johnson sugirió cantar “Nutbush City Limits” de Ike & Tina Turner para probar, una elección novedosa para el resto de músicos. En cuanto Johnson cogió el micro con una mano y comenzó a cantar, el resto de la banda se vino arriba. metal hammer | 19

En la segunda audición, unos días después, la banda le presentó a Brian una idea en la que había estado trabajando, un riff al que habían decidido titular ‘Back In Black’. Brian cogió el micro y cantó las palabras “back in black” y añadió un “I hit the sack” de cosecha propia porque fue lo primero que le vino a la cabeza. Los hermanos Young dejaron sus guitarras y se sentaron a hablar con Johnson. Le pidieron que cantase “Highway To Hell”, pero nunca había oído la canción. Angus tuvo que escribirle la letra en un papel. Tras la prueba, Brian volvió a casa en Newcastle y sonó su teléfono. Era Malcolm preguntándole si le interesaba grabar el próximo disco de AC/DC en las Bahamas. Tan HIWGSR½EHSIVE.SLRWSRXVEWWEPMVIWGEPHEHSXVEWWYTEWSTSV+ISVHMI que le dijo a Malcolm que le llamase de nuevo en diez minutos para GSR½VQEVUYIRSIVEYREFVSQEXIPIJzRMGE0ESJIVXEIVE½VQIWIMW meses de prueba con un salario de 170 libras por semana, además de todos los gastos pagados. )P  HI EFVMP HI %'(' S½GMEPM^EFER IP ½GLENI HI &VMER Johnson como vocalista, apenas cinco semanas después de la muerte de Bon Scott. Algo que hoy en día parecería impensable y que generaría un rechazo enorme por parte del público pero que, en aquel momento, fue el movimiento más ágil e inteligente de la historia del rock. Tras la entrada de Johnson, la banda se lanzó a ensayar durante dos semanas en Londres, con la visita ocasional de “Mutt” Lange al local para ver cómo iban las cosas. No solo acudía el productor: distintas personalidades del mundo del rock con un enorme respeto por Bon se acercaron a ver los progresos de la banda, como Ozzy Osbourne. Poco después un avión directo a las Bahamas llevó a la banda rumbo a la creación de un disco que cambiaría la historia del rock para siempre. UN PARAÍSO A MEDIAS La decisión de ir por primera vez a los Compass Point de Nassau, en las Bahamas, respondía al deseo de la banda de trabajar en un ambiente algo más agradable que el Reino Unido -y a la imponente tasa de impuestos que el gobierno británico aplicaba en aquel entonces-. Johnson, mientras tanto, temblaba pensando que no sería capaz de llevar a buen puerto la labor que se le había puesto por delante. Con un presupuesto de grabación que todavía era modesto -las condiciones contractuales de AC/DC en aquel entonces no

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eran exactamente óptimas -la banda se jugaba mucho en muy poco tiempo-. Los primeros conciertos de la nueva gira estaban previstos TEVE½REPIWHINYRMSHI Al llegar a Nassau, la banda se encontró con que el paradisíaco enclave estaba siendo asolado por las tormentas más viles.Además, los IRGEVKEHSWHIEHYEREWGSR½WGEVSRXSHSWWYWMRWXVYQIRXSWTIWIEWYW protestas explicando que habían venido a la isla a trabajar. “Hubo que hacer un pequeño soborno y mágicamente volvieron las guitarras”, declaró Brian Johnson años después. Al llegar a los estudios,AC/DC se encontraron con un lugar menos glamuroso de lo esperado, con habitaciones que parecían celdas y un ama de llaves que les explicó que se asegurasen de cerrar las puertas por las noches porque algunos delincuentes locales acudían a sitios como ese para robar a turistas ricos. En el estudio,Tony Platt busco el lugar adecuado para el sonido de la caja y construyó lo demás alrededor. Dos cabinas para las guitarras, otro espacio separado para el bajo y todo situado del mismo modo en que AC/DC suelen estar sobre el escenario. “Así es como iba a estar situado todo en la mezcla”, explicó Platt. “Queríamos que sonase lo más cerca posible a como la banda suena en directo”. Brian, por su parte, trabajó por separado con “Mutt” Lange, cantando guías vocales en la sala de control mientras la banda tocaba en el estudio principal. La banda comenzó trabajando en una idea parcialmente incompleta que se había titulado “You Shook Me All Night Long” y que Brian EWIKYVELEFIVGSQTYIWXSGSRHSFPIWWMKRM½GEHSWQSXMZEHSWTSVWY amor por los coches. Pero la experiencia en sí tuvo un componente más místico para el vocalista. En una historia que ha sido repetida hasta la saciedad, Johnson aseguró que al ponerse a trabajar en la letra de la canción “algo pasó en esa habitación”. “Algo pasó por allí y me sentí muy bien tras ello. No me importa si la gente me cree o no pero algo me sucedió y sentí como si dijese ‘está bien, todo estará bien’, lo que me dio una enorme calma. Quiero pensar que fue Bon pero no puedo porque soy muy cínico y no quiero que la gente crea cosas extrañas. Pero algo sucedió y tras eso compuse la letra de la canción”, declaró en una entrevista posterior el vocalista.

LA TEORÍA DE LA CONSPIRACIÓN Algo que ha sido refutado años después por el autor Jesse Fink, autor de los libros “The Youngs: The Brothers Who Built AC/DC” y “Bon: The Last Highway”. En ambos volúmenes, Fink plantea la teoría de que la banda habría estado aprovechando letras ya compuestas por Bon Scott y que constarían en las libretas que desaparecieron de su TMWSIRPSWHuEWTSWXIVMSVIWEWYQYIVXI%PKSUYIMRXIRXEGSR½VQEV con un análisis minucioso. “Ciertamente, las mejores frases de ‘Back In Black’ tienen el punch y los puntos destacados del trabajo de Scott y es muy tentador FEWEVWIRMGEQIRXIIRIWS²E½VQEIPEYXSV

“En primer lugar, Angus y Malcolm han confesado que antes de la muerte de Bon ya estaban trabajando en algunas ideas, ideas que eran algo más que títulos y que encontraron lugar en ‘Back In Black’ y en las que Scott había tocado como batería en los ensayos”, dice el autor en referencia a “Have A Drink On Me” y “Let Me Put My Love Into You”. “Por otra parte”, prosigue,“están los trozos de papel o libretas con ideas para canciones que presuntamente aparecen en ‘Back In Black’. (ITIRHMIRHS HI UYq ZIVWMzR TVI½IVEW GVIIVXI JYIVSR IRGSRXVEHEW en el piso de Scott por Ian Jeffery y el jefe de producción Jake Berry”. El autor asegura que le ha preguntado a Jeffery dónde están dichas libretas ahora. Jeffery asegura que “las debo tener por ahí guardadas”. En entrevistas con la revista Classic Rock referenciadas en el primer libro de Fink Malcolm admitió haber recibido de Jeffery una libreta

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con “algunos garabatos de Bon y un par de pequeñas letras pero nada que te diese una idea de nada”. Angus, en una subsiguiente entrevista explicó que “muchas de las ideas, estribillos, títulos y fragmentos de letras ya estaban hechos antes de la llegada de Brian”, contradiciendo a su propio hermano. Eso sí, aseguró que “no había nada de la libreta de Bon en el disco. Todo ese material fue directo a su madre y a su familia. Eran cosas personales -cartas y cosas. No habría estado bien quedárnoslo. No era nuestro”, aseguraba Angus. Según las teorías de Fink, la deriva alcohólica y el desencanto de Bon Scott con la vida en la carretera estaban condicionando la existencia del vocalista. Su mal estado de forma en la gira americana de 1979 y su ruptura con Silver Smith terminaron de hundirle. “Una lectura de las letras de ‘Back In Black’ no da a entender que se tratase de un homenaje a Bon sino un himno al dinero, un tema favorito de las letras de Scott e incluso hace referencias a un Cadillac. El coche americano está referenciado por primera vez en el tema ³6SGOIV´ HI³828´ TIVS QjW WMKRM½GEXMZEQIRXI IR³(S[R 4E]QIRX Blues’ de ‘Powerage’, una canción que trata sobre ser pobre. ‘Back In Black’ es la secuela lógica: una canción sobre ser rico, de fortunas que se dan la vuelta”. La madre de Scott, Isa, le explicó a Vince Lovegrove en el año 2006, según una entrevista referenciada por Fink en su libro, que “Scott siempre decía que sería un millonario. Ojalá hubiese seguido vivo para ZIVPS]HMWJVYXEVPS © 0EPXMQEZI^UYIZME&SRJYIIRPEWREZMHEHIW de 1979, dos meses antes de morir. Ron (su nombre real, Ronald) me dijo que estaba trabajando en el disco ‘Back in Black’ y que ese iba a WIVIPHMWGSHI½RMXMZSUYIMFEEWIVYRQMPPSREVMS=SPIHMNI³GPEVSUYI si, Ron”. Lo que está claro es que, en ‘Back In Black’ todos los créditos de las canciones pertenecen a “Young, Young y Johnson”. Sin embargo, un análisis detallado de “You Shook Me All Night Long” saca a relucir frases sobre “american thighs” (muslos americanos) por parte de un vocalista que jamás había estado en Estados Unidos. Johnson se defendió en una entrevista diciendo que “en las Bahamas vi a un par de chicas americanas y eran preciosas, así que la canción era sobre lo que habría hecho si hubiese podido. Pero Bon ya lo había hecho todo”. Posteriormente, en una entrevista para el “Ultimate Albums” de la cadena VH1, Johnson explicó la historia arriba mencionada sobre el espíritu que le poseyó antes de escribir esa canción a solas en los Compass Point Studios. Un biógrafo británico de la banda, el periodista Malcolm Dome, escribió en Classic Rock en el año 2005 que “personalmente puedo GSR½VQEV UYI &SR GSQTYWS EPKYREW PIXVEW TEVE IP HMWGS LEFMIRHS visto yo mismo algunas de estas hojas con letras. Esto sucedió un par de días antes de su muerte, en lugar llamado Music Machine en 'EQHIREPRSVXIHI0SRHVIW©]YREJVEWIUYIWMIQTVILIVIGSVHEHS es ‘she told me to come but I was already there’”. “Puedes jugarte la vida a que Bon Scott compuso la letra de ‘You Shook Me All Night Long’”, asegura Doug Thaler, uno de los agentes de contratación de la banda en la época. “Cuando llegas a ‘For Those About To Rock’ y en adelante, las letras ya no eran tan inteligentes. Bon tenía un estilo y Brian no podía imitarlo. Llegada la época de ‘The Razor’s Edge’ Brian ya no formaba parte del equipo de composición”, recuerda. Por último, un apunte hecho por Mark Gable, vocalista de la banda australiana Choirboys en una entrevista radiofónica: Scott compuso las letras de “todo el disco”. En declaraciones a Jesse Fink para su primer libro, el músico asegura que “es algo que me ha llegado desde dentro” y que “según sé por varias personas que trabajaban en Alberts en la época en que sucedió todo esto, la realidad es que aunque Brian recibe crédito por haber compuesto las letras, los herederos de Bon Scott reciben una tercera parte de los royalties editoriales del disco”. Según Tony Platt “todos los que estábamos en el estudio colaboramos” en las letras.“Brian trabajó en el núcleo de las letras pero siempre faltaba algo o una parte no encajaba con la rima o la métrica EWu UYI WI XYZS UYI LEGIV EPKR GEQFMS 6IGYIVHS IWTIGu½GEQIRXI como en “You Shook Me All Night Long” todo el mundo estaba añadiendo ideas. ‘Double time on the seduction line’, ese verso, fue cosa mía, siempre lo reclamaré’”. Sin embargo, Ian Jeffery asegura que muchas de las letras del disco fueron obra de “Mutt” Lange.Y que, sin asegurar que existiese ninguna libreta implicadas en el proceso, había algunos versos en las letras del disco. UN SALTO CUALITATIVO Más allá de la controversia sobre la implicación o no de Bon Scott en las letras del disco, lo cierto es que musicalmente ‘Back In Black’ fue

un salto cualitativo para la banda -algo que ya se vislumbró en ‘Highway To Hell’, que se aceleró con ‘Back In Black’ y que, lamentablemente, se echaría en falta en el subsiguiente ‘For Those About To Rock’. El inicio del disco con “Hell’s Bells” suponía un tributo para Bon con esos sombríos tañidos de campana ocupando todo el espacio sónico. Ante la odiosa idea de usar sonidos pregrabados, “Mutt” Lange envió a Tony Platt a buscar campanas de iglesia en Inglaterra. Eventualmente encontró una en Midlands y la grabó con visos a usar el sonido en la apertura del disco. Una respetuosa manera de empezar el trabajo que cambiaría para siempre la carrera de AC/DC. Tras la vuelta e la banda a Inglaterra, el grupo se puso a ensayar duramente durante un periodo de seis semanas en los EZ Hire de Londres. El mismo tiempo que habían tardado en grabar el disco, IWIRGMEPQIRXI0SWQEREKIVWGSR½VQEVSRUYIPEFERHETSHVuEIWXEV IRPEGEVVIXIVEE½REPIWHINYRMS7IKR.IJJIV]qPRSLEFuEIWGYGLEHS el disco todavía en ese momento. “No fue hasta que estábamos metiendo la campana en el primer concierto, literalmente, que Malcolm vino Angus y me dieron la cinta y me dijeron que lo escuchase”, le explicó al biógrafo Mick Wall años atrás. “Una vez habías escuchado el disco varias veces, tenías las canciones en la cabeza. Lo siguiente era que estabas cantándolas sin darte cuenta. Todo el mundo en la crew estaba tarareando esos riffs. Nos daban escalofríos y nos hacían mover los pies sin poder parar. Y cuando les escuchabas tocar esas canciones... ¡la hostia!”. Aunque a Atlantic Records no le gustaba demasiado el título por WIV©±HIQEWMEHSSWGYVS²PEFERHETYHSQERXIRIVWYTSWMGMzR½VQI y el sello tuvo que permitirlo. Finalmente, el 25 de julio de 1980, el disco salió a la venta y se convirtió en un éxito instantáneo, entrando en el número 1 en el Reino Unido, Austria, Canada y Francia. En Australia logró el número dos. Pero en América apenas entró en el RQIVS  PS UYI TVSZSGz XIRWMzR GSR PE HMWGSKVj½GE 4IVS XVEW girar inicialmente por Estados Unidos con Brian en arenas de tamaño mediano y teatros grandes, el disco fue cogiendo tracción. En febrero de 1981 el disco ya estaba en el puesto número 4 en Estados Unidos y se mantendría en el Top 10 durante medio año. Apenas tres meses tras el comienzo de la gira, Peter Mensch, el manager de la banda se sentó con Brian y le ofreció un buen contrato GSRPEFERHEUYIGIVXM½GEFEUYI]EIVEHIPEJEQMPMES½GMEPQIRXI4IVS no todo iba a ser tan simple para Brian. Tras el primer concierto en Namur, Bélgica, Malcolm le recordó a Brian quién mandaba en la banda. Era el primer concierto de la banda tras la muerte de Bon Scott y la presión era inmensa. Ian Jeffery le recomendó a Brian antes del concierto que hiciese lo que hiciese “no hablase mucho”, porque Bon tampoco hablaba demasiado entre tema y tema. Pero Johnson se emocionó al ser su primer concierto con la banda y comenzó a agradecerle absolutamente todo a todo el mundo. Pero Malcolm se acercó a él tras la segunda canción y le recomendó que cerrase la boca.Tras el concierto, la cosa fue a más:“Cuando salgas ahí fuera dices hola, dices buenas noches y te callas la boca. Nada más”, le espetó Malcolm a Brian.Y así quedaron las cosas. La banda giró por Bélgica y Holanda para dar a conocer a Johnson, saltando luego a Canadá y Estados Unidos y posteriormente al Reino Unido. Seguirían ya en 1981 dando el salto a Europa -recalando en España en enero de 1981- y tras algunos shows por Japón, la banda se marchó inmediatamente a Australia, donde estuvieron girando en febrero de 1981. Allí, en territorio Comanche para Brian, el vocalista TEWzPETVYIFEHIJYIKS7MFMIR%YWXVEPMEWILEFuEPPIREHSHIKVEJ½XMW pro-Bon Scott en los meses anteriores, la banda celebró un enorme concierto ante 30.000 personas en Sydney que supuso la vuelta a casa S½GMEPHIPEFERHEXVEWIPXVEYQEHIPSWHSGIQIWIWERXIVMSVIW La edición de ‘Back In Black’ supuso la vuelta a las listas de ventas de varios discos anteriores de AC/DC como ‘Highway To Hell’, ‘Let There Be Rock’ o ‘If You Want Blood You’ve Got It’. Tal fue la reacción del público que Atlantic Records, reticente a editar el disco ‘Dirty Deeds Done Dirt Cheap’ en Estados Unidos hasta aquel punto lo editó en mayo de 1981, vendiendo más de tres millones de copias -e incluso superando a ‘Back In Black’ en las listas alcanzando el número tres-. Con el paso de los años, ‘Back In Black’ se convertiría en el disco más vendido de la historia de la banda y posiblemente de la historia del rock duro. Con 22 millones de copias vendidas en Estados Unidos EPQIRSWGIVXM½GEHEWS½GMEPQIRXI]YRXSXEPHIQjWHIQMPPSRIW de copias vendidas en todo el mundo, AC/DC marcaron un antes y un después en la historia del género. Y lo hicieron todo en los cinco meses que separaron la muerte de Bon Scott y la edición de ‘Back In Black’. metal hammer | 23

PETER STEELE ' ˆ% o&$  p

TEXTO: marta ribate

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8<-?-0;UX01-.>58011?@1VTVT?1/A9<851>;:051F-¯;? de la muerte del que fue el líder de una de las bandas más 1D5@;?-? E ;>535:-81? 01 8;? -¯;? p]T  &E<1 ! 13-@5B1 Peter Steele, cantante y bajista, murió en una ambulancia de camino al hospital dejando huérfana a una banda que decidió no proseguir sin él. Type O Negative murió ese día, pero Peter T. Ratajczyk dejó historia en el metal. Fue el creador de uno de los sonidos musicales más únicos en los UYIFMIRWITIVGMFuERPEWMR¾YIRGMEWHIPEIWGIREHIPLEVHGSVIHI2YIZE =SVOQI^GPEHEWNYRXSEPVSGOKzXMGS]HSSQ)WEWMR¾YIRGMEWVIGSKMHEW y llevadas a su propio sonido más el añadido de una profunda voz, una feroz actitud tocando el bajo y unas letras humorísticas, irónicas y a la vez poéticas hicieron que con tan solo un segundo álbum de estudio, ‘Bloody Kisses’ (1993), la banda consiguiera su primer disco de platino a la vez también primer platino en Estados Unidos para su compañía HMWGSKVj½GE6SEHVYRRIV6IGSVHWUYIHIPEQERSHI8]TI3EQFSW se convirtieron en el epicentro del metal a mediados de los años ’90. LOS ORÍGENES Con 10 años, Peter T. Ratajczyk y Josh Silver (futuro teclista de Type O Negative) de la misma edad se conocieron en el barrio de Brooklyn, Nueva York, y con 13 años ya emprendieron su primer proyecto como banda, Northern Lights, que ya contaba con Peter al bajo, forzado a dejar la guitarra rítmica por falta de bajista en la banda, y con Josh a los teclados. Northern Lights pasó a llamarse Fallout puesto que la nueva temática de las canciones se movía entre la oscuridad y el Apocalipsis ]HI½RMXMZEQIRXIRIGIWMXEFERYRRYIZSRSQFVIEGSVHI )RWYW½PEWIWXEFER.SLR'EQTSWEPEKYMXEVVE4IXIVEPFENS.SWL a los teclados y Rizzo a la batería. Con la salida de este de último de la banda entró para tomar los mandos de la batería Louis Beato, quien en el futuro sería uno de los miembros fundadores de Carnivore junto con Peter.Fallout se convirtieron en leyendas locales del Heavy Metal, llegando incluso a abrir para los mismísimos Twisted Sister en &VSSOP]R 4IVS IR  HIFMHS E YR GSR¾MGXS HI HMVIGGMSRIW HI PE banda, esta se separa. CARNIVORE “If you can’t it eat it of fuck it...Then kill it!”. Tras la ruptura de Fallout, Peter y Louis que eran los que buscaban abrirse camino a una música más oscura comenzaron una nueva banda, Discipline. Empezaron a buscar un guitarrista y dejaron de lado los teclados. (MWGMTPMRIXIRuEUYIWIVYR±TS[IVXVMS²%P½REPIPGERHMHEXSELEGIVPE primera audición fue Stan Pillis que ya era un viejo conocido de Peter y Louis y un fan de Fallout. Pillis conectó a la primera y se convirtió en el guitarrista de Discipline. Por aquellos años, Peter sentía un terrible miedo escénico y se negaba a hacerse con los mandos del micrófono pero cuando sus búsquedas por hallar un cantante fracasaron, no le quedó otra que tener que ser el cantante de Discipline. En junio de 1982 la banda decidió tomarse un descanso para cambiar el nombre (había otra banda local llamada Discipline) y para decidir la imagen que tendría el nuevo grupo. El resultado fue Carnivore, guerreros caníbales viviendo en una civilización postETSGEPuTXMGEXVEWIP½REPHIYREKYIVVEXIVQSRYGPIEV

Sin embargo Pillis no llegó a hacer ni un concierto con Carnivore, ya que se vio sustituido por Keith Alexander Bonnano. En palabras de Louis Beato “Bonnano completó la banda”. En 1984, Carnivore con una cinta como primer paso de su discografía, empezaron a abrir conciertos para bandas como Raven, Anvil e incluso Slayer. Algo atrás en el tiempo, en 1980, nació Roadrunner Records KVEGMEW EP LSPERHqW 'IIW;IWWIPW UYI HI½RMXMZEQIRXI LM^S KVERHIW XEVIEW HI %6 ½GLERHS FERHEW TEVE WY TIUYIyS WIPPS GSQS (IEH Kennedys, Mercyful Fate o a los neoyorkinos Virgin Steele. En 1985 con el boom de bandas originarias de Nueva York como Anthrax u Overkill, Roadrunner puso el ojo en Carnivore. metal hammer | 25

)PPSWTYWMIVSRIRGMQEHIPEQIWEIPTVMQIVGSRXVEXSHMWGSKVj½GS que se le ofreció a Carnivore y este se cerró gracias al beneplácito de King Diamond, estrella en esos momento de Roadrunner, que VIGSQIRHzEPWIPPSHMWGSKVj½GSUYI½GLEWIEPEFERHE El álbum homónimo y de debut nació en 1985. Ocho canciones con una casi odiosa voz de Peter y con unas letras que a día de hoy pocas bandas se atreverían a poner en sus composiciones: “Woman will never know or understand. The power men feel to kill with their LERHW©1EPI7YTVIQEG]²±7TVIEH]SYVPIKW-´PPWIIH]SYVIKKWSL feel me deep - Carnivore”. No era un disco de thrash metal, no era un disco de hardcore, Carnivore era la descendencia de una guerra nuclear con hambre por la carne humana y una líbido intransigente. Con una serie de guiños a Black Sabbath, Venom y Manowar, ‘Carnivore’ acaparó la atención de medios pero la banda nunca llegó a hacer gira para promocionar el disco. En 1986 Carnivore tuvo la oportunidad de abrir para Venom y Overkill en el Manhattan’s Ritz, un chute de emoción para el trío TSV XSHS  PS UYI:IRSQ PIW LEFuE MR¾YIRGMEHS *YI XEQFMqR IR IWI año cuando Carnivore empezó a desarrollar un sonido mucho más cercano al de la escena del hardcore de Nueva York. Si en el ’86 Agnostic Front absorbieron el metal y utilizaron su sonido para mezclarlo con su hardcore, Carnivore hizo exactamente lo contrario. En ese año, ambas bandas unidas bajo un mismo manager, Connnie Barret, llegaron a colaborar juntas: Louis se incorporó a la batería y empezó a ensayar con ellos y Peter compuso letras para su siguiente álbum de estudio ‘Cause For Alarm’. Por supuesto el disco de Agnostic Front generó una gran controversia gracias a esas letras “made in” Peter T. Ratajczyk. Tras poner su sello a la escena del hardcore de Nueva York, Peter y Louis se pusieron manos a la obra para empezar su segundo álbum de estudio y para ello reclutaron a Marc Piovanetti para tomar las riendas de las guitarras. En el verano de 1986 se metieron a grabar en el estudio de ¡Josh Silver! Y ahí se cocinaron las demos de ‘Retaliation’. A oídos de Roadrunner, el disco era considerablemente diferente al debut de la banda pero aún tenía esa marca de Carnivore. Con una temática más militarista con canciones como “USA For USA” o “Race War” y con una orientación dispuesta a enfurecer a los religiosos con temas como “Angry Neurotic Catholic” o “Jesus Hitler”. ³6IXEPMEXMSR´TSV½RZMSPEPY^IR]XEP]GSQSFMIRQSWXVEVSR las demos, era un disco demoledor y asesino. De nuevo las letras volvieron a ser un foco de controversia y “Jesus Hitler” se llevó la palma. En palabras de Peter “trata de un hombre que nace con las almas de Cristo y Hitler. Está totalmente confundido porque no sabe si matar a los judíos o salvarlos”. Con “Sex And Violence” la banda sacó su famoso eslogan “Si no te lo puedes comer o follar, entonces ¡mátalo!”.Este tema desde luego fue uno de que más continuaban en la línea de su debut. En 1988, con giras rechazadas puesto que Peter y Louis tenían trabajos aparte de la banda, Carnivore poco a poco fue perdiendo la perspectiva de futuro. La gota que colmó el vaso fue cuando Marc decidió dejar la banda para irse con Crumbsuckers así que en la primavera de 1989 Carnivore se separa.

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TYPE O NEGATIVE Durante seis meses Peter estuvo sin banda hasta que apareció el batería Sal Abuscato. Mientras la vida personal de Peter se venía abajo debido a problemas con su pareja que acabaron en un intento de suicidio por parte del músico, Sal encontró luz para la nueva banda y presentó a Peter un nuevo guitarrista también de Brooklyn llamado Kenny Hickey. El trío Sal, Kenny y Peter empezaron a componer los temas que posteriormente se editarían en su debut ‘Slow, Deep And Hard’: ±9RWYGGIWWJYPP]'STMRK;MXL8LI2EXYVEP&IEYX]3J-R½HIPMX]²±
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tema nuevo como “Are You Afraid?”. La portada original era una fotografía en verde y negro del ano de Peter Steele que por supuesto a posteriori tuvo que ser sustituida. 4SV½RIRPPIKzIPS½GMEPWIKYRHSjPFYQHI8]TI32IKEXMZI ‘Bloody Kisses’ que se grabó en febrero y marzo de ese año. El nuevo álbum tenía un contenido mucho más gótico y cercano a bandas como The Sisters Of Mercy y a Roadrunner eso le encantó. Los singles elegidos sin duda alguna fueron “Christian Woman” y “Black No. 1” que se vieron acortados para la salida de ambos videoclips ya que eran eran temas demasiado largos. Esto fue algo que Peter siempre odió y que supo corregir de cara al siguiente disco haciendo temas de seis o cinco minutos. ‘Bloody Kisses’ lo logró, ambos singles se sintonizaron en todas las radios y los videoclips llegaron a las televisiones. Aunque ambos temas era la guinda del álbum y tenían tintes más góticos no hay que olvidar que el pasado de Peter con el hardcore y este se ZMSVI¾INEHSIRIPjPFYQIRXIQEWGSQS±/MPP%PP8LI;LMXI4ISTPI² o “We Hate Everyone” dedicada a todos aquellos acontecimientos ocurridos durante su primera gira europea con frases como: “Branded sexiest, labelled racist, want it clearer? Check the mirror. We don’t care what you think”.Otro de los grandes éxitos del álbum fue “Too Late: Frozen”. Dos temas unidos, “Too Late” mucho más rápido y al estilo de “We Have Everyone” con letras dedicada a alguna exnovia del compositor y, “Frozen”, un tema lento, mucho más doom. Después de la sustitución a la batería de Sal Abruscato por Johnny Kelly y giras promocionales del ‘Bloody Kisses’ abriendo para Nine Inch Nails, Mötley Crüe y Danzig en el ’94 no fue hasta 1995 cuando Peter Steele pasó de ser el enemigo número 1 a un dios del rock. ‘Bloody Kisses’ alcanzó el medio millón de copias vendidas en Estados Unidos obteniendo así el disco de oro y el número de fans y visitantes a la casa de la madre de Peter (Peter siempre vivió en casa de su madre) no paraba de crecer día a día.Anécdotas como chicas desnudas llamando al timbre de la casa y llamadas de teléfono de fans diarias se sucedían constantemente. Incluso Phil Anselmo confesó llamar una vez a la casa de Peter antes de conocerle en persona “Cuando ‘Retaliation’ salió a la venta, me explotó la cabeza. ‘Retaliation’ era lo más bestia ]QSRYQIRXEPUYINEQjWLEFuEIWGYGLEHS*YIYREKVERMR¾YIRGMEIR la escena de Nueva Orleans. Pete incorporaba el hardcore a Black Sabbath mucho antes de que la gente pensara que era guay hacer eso”. Phil Anselmo jugó un rol importante para Type O Negative, conoció a Peter a principios de los años 90 cuando la banda realizó su primer concierto en Nueva Orleans. Entonces Phil dijo a Peter “quiero que giréis con nosotros”. Peter nunca se lo tomó en serio, pero Phil cumplió su palabra y a principios del ’95 Type O Negative fueron los teloneros de la gira americana de Pantera. Ambas bandas se convirtieron en amigos inseparables y sin duda alguna la gira de 4ERXIVEJYIYRTYRXSMR¾I\MzRIRPEGEVVIVEHI8]TI32IKEXMZI Fue también en 1995 cuando Peter empezó a acudir a programas de televisión como el de Jerry Springer Show y en agosto de ese año protagonizó la portada de la revista Playgirl posando totalmente desnudo.Posteriormente se dio cuenta de que solo un 23% de mujeres consumían Playgirl. “No estaba al tanto de que Playgirl fuese una publicación gay. No fue más que un truco publicitario. Fue eso. Me arrepiento porque fue como si me explotara, pero luego el manager te dice que lo hagas y la banda te dice que lo hagas y el sello te dice que lo hagas, y te ofrecen una página, luego tres y luego la portada. Venderás muchos álbumes si lo haces y entonces dije, joder pues lo haré. Parece que fui la primera persona en tener un pene erecto en una sesión de fotos”. La hibridación del rock en 1996 supuso el clima perfecto para una FERHEGSQS8]TI32IKEXMZIUYIHI½RMXMZEQIRXIRSLEFuEJSVQEHI asociarla a un género musical concreto. En ese año ‘October Rust’ empezó a gestarse y cuando Roadrunner pidió las demos para saber en qué andaba la banda la respuesta de la misma fue: “que os jodan. 7EFIQSWPSUYIIWXEQSWLEGMIRHS²'YERHSTSV½RIPWIPPSSFXYZSPEW demos su preocupación fue inmediata, no veían hits. Type O Negative dio a luz a ‘October Rust’ el 20 de agosto de 1996. El primer single elegido fue “My Girlfriend’s Girlfriend” pero RS JYRGMSRz ] IP UYI EP ½REP KERz QjW TSTYPEVMHEH JYI IP WIKYRHS “Love You To Death”. Aún así ninguno consiguió sonar en radios. ‘October Rust’ era un disco lento, melancólico con muchos pasajes atmosféricos y embrujados que bien se percibían en temas como “Wolf Moon” o “Haunted”. Las letras ya no se agarraban a la crítica social o a las ex de Peter, ahora el músico exponía mucho más sus sentimientos y dedicaba canciones a la muerte de su padre o su pareja del momento, Liz.Las capas de sonido del disco eran majestuosas y /IRR] ,MGOI] HI½RMXMZEQIRXI GSRWSPMHz WY IWXMPS GSQS KYMXEVVMWXE con unas distorsiones preciosistas. Roadrunner no tuvo sus hits de radio pero el disco de oro llegó mucho antes para ‘October Rust’.

Con un Peter Steele abrumado por toda la fama y las consecuencias de la misma, este empezó a salirse de zona de confort en relación con la drogas y en 1997 la cocaína empezó a ser un compañero regular en las giras. Años atrás Peter había dejado claro en entrevistas que no se drogada e incluso en los inicios de Carnivore, Peter acusaba a su novia del momento de incluso fumar. Pero ahora Peter consumía una botella de vino mientras actuaba y otra después de cada actuación. La cocaína ocurría a puerta cerrada. % ½REPIW HI PSW ´ IP TVSGIWS HI GSQTSWMGMzR TEVE IP RYIZS álbum de Type O Negative se había vuelto tortuoso. Exhausto por las intensas giras que hicieron con ‘October Rust’, los problemas con WY RSZME 0M^ TSV PE HSFPI ZMHE HI 4IXIV PPIRE HI MR½HIPMHEHIW  ] PE constante depresión del músico hicieron que Peter no encontrase la inspiración. Al ser un apasionado de Islandia, Roadrunner le mandó al TEuWHIPLMIPSTEVEUYIXSHSZSPZMIWIE¾YMV*MREPQIRXI³;SVPH'SQMRK Down’ vio la luz en 1999 y fue el álbum más dolorosamente honesto, más serio y oscuro que Peter Steele jamás compuso. La muerte era una gran presente en el álbum con temas como “Everything Dies” o “Everyone I love Is Dead”. De nuevo no hubo hits de radio y el único tema que se sacó como single fue la ya mencionada “Everything Dies” de la que también se hizo videoclip, una dedicatoria a los familiares fallecidos de Peter.Aunque ‘Word Coming Down’ fue una procesión funeraria en toda regla, también contó con algún tema que arrojaba luz como “Pyretta Blaze”, un tema más al estilo de “My Girlfriend’s Girlfriend” que empezaba con un riff muy similar al tema de Black Sabbath “Into The Void”. Finalmente la banda cerró el álbum con dos versiones de los Beatles “Day Tripper” y “I Want You (She’s So Heavy)” que le costó a la banda una buena reducción de royalties por una demanda impuesta por la empresa que tenía los derechos de esas canciones. A principios de los 2000 el alcohol y la cocaína dejaron de ser simples compañeros de gira y se instauraron en la vida diaria de Peter, con la consecuencia de que semanas antes de la grabación del nuevo álbum se vio obligado a ingresar en un centro de desintoxicación. En el centro permitieron a Peter tener un teclado con el que compuso nueva música. Aunque no consiguió desengancharse y quedar completamente “limpio”, sí fue un paso para recuperar el control y admitir que tenía un problema. El 17 de junio de 2003 se puso a la venta ‘Life Is Killing Me’ bajo el mismo ritual de grabación de siempre: demos en el estudio de Josh, Mike Marciano como ingeniero y Josh y Peter productores del disco. El álbum debutó en las listas Billboard en el puesto 39 y vendió 27.000 discos durante la primera semana de venta, aún así vendió menos copias que incluso ‘Slow, Deep And Hard’ y los ánimos de Roadrunner con la banda vivieron sus momentos más bajos. Solo “I Don’t Wanna Be Me” pudo considerarse el single del disco. Aún así ‘Life Is Killing Me’ recupera el hardcore olvidado desde ‘October Rust’ en temas como “I Like Goils” o “Angry Inch” (versión de la banda sonora de la película musical ‘Hedwig and the Angry Inch’) y prosigue con la melancólica dinámica que se inició con ‘World Coming Down’ con temas como “Anesthesia”,“Life Is Killing Me” o “Nettie”, tema dedicado a su madre. Aun así ‘Life Is Killing Me’ es un disco bastante menos oscuro que sus dos predecesores y los temas se pueden llegar a considerar hasta más poperos. Es con este álbum con el que Peter más rinde tributo EPEMR¾YIRGMEUYI8LI&IEXPIWXYZMIVSRIRqPGSRIPXIQE±;I;IVI Electrocute”. Kenny Hickey vuelve a lucirse a todos los niveles con la guitarra y recupera sus toques del ‘October Rust’ en los solos. ‘Life Is Killing Me’ fue la muestra de que Type O Negative no había decaído, de que el humor y las letras irónicas seguían patentes. Habían creado de nuevo un álbum épico algo que muchos grupos coetáneos de los ’90 no supieron crear en los 2000. Inmediatamente después del lanzamiento la banda salió de gira por Estados Unidos junto con los italianos Lacuna Coil como teloneros. Parte de esta gira se grabó para el posterior DVD de la banda “Symphony for the Devil” de 2006. Cristina Scabbia, cantante de Lacuna Coil, cuenta sobre esos días: “cuando nos preguntaron si queríamos girar con Type O Negative en Norte América en 2003, estábamos en absoluta incredulidad . Era nuestra oportunidad de GSRSGIV E YRE FERHE UYI RSW LE MR¾YMHS QYGLuWMQS IR RYIWXVE carrera y de conocer a los miembros en persona. Me acuerdo que estaba super nerviosa, nunca sabes si tus ídolos van a ser tan guays como crees... El primer día de la gira, mientras estábamos en nuestro camerino, Peter Steele vino a vernos y nos quedamos congelados, fue un momento surrealista y Peter al principio tenía una presencia impresionante e intimidatoria...Él dijo “hola, quiero agradeceros el que estéis aquí con nosotros de gira”.¡Desde ese momento supe que estaba en lo correcto amándole tanto a él y a Type O Negative! Me acuerdo lo genuino que era, divertido, carismático y adorable. metal hammer | 29

Mi mente está llena de increíbles recuerdos de él y su música. Peter incluso nos invitó una tarde a un restaurante italiano en Nueva York ‘para que nos sintiéramos como en casa’.Nunca olvidaré esos días, nunca le olvidaré a él. ¡Se le echa mucho de menos!”. Una vez acabada la campaña de ‘Life Is Killing Me’ en 2004, Peter se vio de nuevo en casa con un montón de tiempo entre manos. Sus hermanas siguieron insistiendo en la rehabilitación del músico, pero sus intentos fueron en vano. Después del descubrimiento de que el corazón estaba en mal estado, Peter tuvo que ser sometido EYRESTIVEGMzR]TEWEVHMI^IRYRLSWTMXEP'YERHSTSV½RWEPMzWI encontró a una amiga de su prometida Liz, la cual le devolvió el anillo de compromiso que le había dado a Liz años atrás. Además, alguien le había estado quitando dinero de una de sus tarjetas y asumió que había sido Liz. Nadando entre los celos y la confusión, se dirigió a casa de esta e irrumpió en la misma tirando la puerta atrás y concluyendo con una paliza al que ya era marido de Liz. Posteriormente la policía se lo llevaría a prisión y una vez realizado el juicio, Peter estuvo en libertad condicional la cual se saltó durante seis meses debido a su adicción de alcohol y cocaína lo que se tradujo en pasar un mes en la cárcel.En una entrevista al medio MK Magazine, Peter llegó a confesar que durante dos años se llegaba a meter 10 gramos de cocaína al día. 2005 fue un año duro para Peter Steel: su estancia en la cárcel, la muerte de su madre y el adiós de su contrato con Roadrunner. La banda confesó que la oferta que el sello les había hecho era irrisoria así UYI½VQEVSRGSRXVEXSGSR74:)RPSWJVYXSWHIIWXERYIZEYRMzR se hicieron realidad con el estreno del DVD ‘Symphony For The Devil’, un directo de Type O Negative de 1999 en el Bizarre Festival con un montón de fragmentos de la banda en distintas giras.A principios de este año la banda también empezó el proceso de composición del nuevo álbum el cual terminarían a principios de 2007. El 13 de marzo de 2007 SPV sacaría el sexto y último álbum de la banda ‘Dead Again’. ‘Dead Again’ recuperó el hardcore de ‘Slow, Deep And Hard’ y las letras agresivas en temas como “Tripping A Blind Man” la cual iba dirigida indirectamente a aquella gente que le rodeaba que le forzaban EPEHIWMRXS\MGEGMzR±8LI4VS½X3J(SSQ²IWYRXIQEQEVGEHIPE casa, de sonido pesado y ralentizado que trata sobre el Armagedón, especialmente entre el Islam y los judeocristianos. La portada era una fotografía de Rasputín que para Peter era un héroe.El humor que había vuelto con ‘Life Is Killing Me’ desapareció con este álbum; ‘Dead Again’ fue construido sobre la verdadera muerte. El álbum fue uno de los más vendedores de ese año para SPV y la banda volvió a girar durante 2007 y 2008 tocando en los festivales europeos más relevantes como Wacken o Hellfest. En 2009, con la

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bancarrota de SPV, a Type O Negative no le quedó más remedio UYIFYWGEVSXVSWIPPSHMWGSKVj½GS)PIPIKMHSJYI2ETEPQ6IGSVHW] a principios de 2010 Peter ya empezó a trabajar en la composición del que sería el nuevo álbum de estudio de la banda al cual ya había titulado como ‘Double Crossed’. )R4IXIV7XIIPITSV½RIWXEFEPMQTMS]HMWTYIWXSEIQTI^EV una vida nueva en otra zona de Nueva York, Staten Island. Sin mujer e hijos, su familia eran sus cinco gatos. Ellos le daban todo el amor que necesitaba pero a su ojito derecho, Tito, le habían diagnosticado cáncer de vejiga. El 12 de abril de 2010, Peter llamó a su hermana Pamela Ann puesto que creía tener una intoxicación por algo que había comido y además Tito estaba muy mal, el gato no paraba de llorar y gemir. Su hermana fue a visitarlo y le indicó que tenía que ir al médico pero la única preocupación de Peter era Tito, así que se negó a hacerle una visita al doctor. El 14 de abril, Peter volvió a llamar a Pamela por la mañana diciéndole que Tito estaba muy mal y había que dormirle. Cuando Pamela fue a la vivienda para llevar al gato al veterinario este murió en sus brazos. Con un Peter destrozado, su hermana se quedó con él ese mediodía e insistió en que tenía que ir al médico para revisar lo de la intoxicación, pero este se volvió a negar y la pidió que fuese a la farmacia puesto que creía estar deshidratado. Cuando Pamela volvió de la farmacia Peter estaba de color gris. Su hermana llamó a la ambulancia pero, aunque esta llegó rápido, Peter Steele de 48 años, murió de camino al hospital alrededor de las seis de la tarde del 14 de abril de 2010.Aunque la primera causa de muerte que se le dio a la familia fue de aneurisma de aorta meses, después se desveló la causa real: complicaciones en el divertículo de Merkel agravado por hipovolemia, algo que se podría haber sido tratado si se hubiese detectado a tiempo. 0EQYIVXIHI4IXIV7XIIPIWYTYWSIP½REPTEVEHSWFERHEWMGzRMGEW UYILEFuERMR¾YIRGMEHSEYRWMRJuRHIQWMGSW+VYTSWGSQS4ERXIVE Lacuna Coil, Paradise Lost o Alcest siempre han reconocido su fanatismo por la música de Peter. Sin duda alguna, Type O Negative dejó marca y su legión de fans sigue siendo una de las más leales de IWXIQYRHS]EUYIXVEWEySWHIWYHIWETEVMGMzRWYTIV½PHI7TSXMJ] sigue acumulando medio millón de oyentes mensuales y desde 2018 Roadrunner se ha visto reeditando de nuevo todos los discos que sacó la banda con ellos en vinilo. Él hizo historia, creó sonidos únicos e irrepetibles y supo evolucionar con cada disco: no hubo ninguno igual, no hubo ninguno malo todos fueron obra de una mente excepcional y a la vez atormentada. Peter T. Ratajczyk, no te hemos olvidado y no tenemos intención de hacerlo.

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TEXTO: MIKEL YARZA

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FOTOs: MIKE DUNN y josé antonio fernández

: 8;? -8.;>1? 018 91@-8/;>1  &>5B5A9 05; A: 3;8<1 ?;.>1 8- 91?- /;: o?/1:0-:/Ep E acaparó las portadas de los grandes medios metálicos. Pero esa llama fue apagándose y, desde entonces, el cuarteto estadounidense ha trazado su escalada a fuego lento. Con nueve discos a sus espaldas y una personalidad más depurada, presentan ‘What The Dead Men Say’. Música, artes marciales y gastronomía se funden en esta charla con el 8«01>018-2;>9-/5±: -@@1-2E Aseguráis sentiros más libres que nunca como artistas en este nuevo álbum. ¿Cómo habéis llegado a este escenario? Hay ciertos discos del pasado en los que tratamos de limitar Trivium, esos son ‘The Crusade’, ‘Vengeance Falls’ y ‘Silence In The Snow’. En estos trabajos optamos por no desviarnos de ciertas rutas, establecimos normas y fronteras. ‘The Crusade’ fue un disco en el UYIRSWMQTYWMQSWGMIVXSWPuQMXIWTEVEGSRXVEVVIWXEVPSUYIWMKRM½Gz ‘Ascendancy’, mientras que en ‘Vengeance’ y ‘Silence’ permitimos que un productor pilotara la nave y nos dijera qué es lo que debíamos hacer. En los otros seis discos hemos realizado exactamente las canciones que queríamos escuchar y tocar como fans de la música. Nunca pensamos sí al público le gustaría o no. Los últimos dos discos suenan como un resumen de toda nuestra trayectoria y darle esa forma ha sido algo natural. ¿Hasta qué punto ha sido determinante la inclusión de Alex Bent en la banda? Finalmente, tenemos una formación que es capaz de sacar cualquier cosa adelante y la libertad creativa que hemos alcanzado está directamente relacionada con ello. Con Alex en la banda y los cuatro integrantes en el mismo método de cara a practicar nuestros instrumentos, sentimos que no existen los límites, es como si no hubiera nada que se nos resista y eso sienta muy bien. No quiero decir que los bateristas que hemos tenido en el pasado no fueran capaces de llegar a donde está Alex, pero seamos honestos, algunos de ellos eran increíbles en técnica y velocidad, mientras que no brillaban en la simpleza. También tuvimos aquellos que eran realmente buenos en lo simple, pero no podían llegar a ciertos extremos. Alex es capaz de transitar ambos mundos y eso es exactamente lo que Trivium necesita. Pasamos de una canción que es minimalista, lenta y melódica, a otra que es progresiva, rápida y técnica. Somos capaces de adaptarnos a esos cambios y, en estos momentos, los cuatro sentimos esa libertad en el espacio que compartimos. ¿Seguirá Bent en la banda a largo plazo? Espero que así sea, que nunca sea infeliz con nosotros ni quiera abandonarnos por la heladería o algo parecido. Le amamos y es increíble, es el tipo que hemos estado buscando durante toda nuestra trayectoria. Sinceramente, es el mejor baterista con el que he tocado nunca y uno de los mejores que he visto en directo. Espero que se mantenga a mi lado hasta el día en el que no pueda tocar más música. El trabajo colaborativo a las guitarras entre Corey Beaulieu y tú es otro de los aspectos fundamentales de la banda. ¿Cómo se ha transformado con el paso del tiempo? Realmente no ha habido un cambio tremendo en lo que respecta a fuentes de inspiración o los objetivos a alcanzar. Simplemente, hemos seguido tocando la guitarra, actuando en directo y hemos mejorado paso a paso. Hemos progresado de forma lenta pero consistente en todo lo que hacemos. Personalmente, creo que soy mejor cantante y guitarrista, y siento lo mismo hacia el resto de la banda. Todos estamos evolucionando de forma constante, pero el modo en el que abordamos el proceso creativo es el mismo de WMIQTVI -RXIRXEQSW RS JSV^EV PEW GSWEW ] UYI PE MRWTMVEGMzR ¾Y]E con naturalidad. Algo que aprendimos muy pronto en nuestras carreras es que no JYRGMSREQSWFMIRWM½NEQSWYRQSQIRXSHIXIVQMREHSTEVEIWGVMFMV riffs o discos, somos mejores sin esas limitaciones. Por ejemplo, hoy mismo (entrevista realizada el 18 de mayo) estaba haciendo un directo en Twitch, tocando canciones de Trivium, y de golpe me ha salido algo que sin duda se convertirá en una nueva canción de la banda. He guardado el vídeo en Youtube y he borrado los playbacks para que nadie lo pueda ver, ya que es una de las mejores cosas que he escrito nunca, quizás incluso la mejor. Para mí ese es el modo adecuado de escribir.

Con el paso del tiempo, habéis experimentado una evolución estilística sustancial. ¿Existe algún aspecto en el que hayáis incidido a la hora de crear los últimos dos discos? Sorprendentemente, no. Sé que parece extraño, pero no hemos planeado nada, simplemente escribimos, sin establecer límites. La única regla que pensamos para el nuevo disco fue la de hacer nueve canciones. En cuanto al funcionamiento del proceso creativo, normalmente Paolo, Corey o yo mismo creamos un riff, una colección de riffs o incluso una canción entera. Hacemos una demo por nuestra cuenta, la mandamos al resto de compañeros para que la puedan escuchar durante un tiempo y, una vez en el local, la convertimos en una canción de Trivium. Por tanto, puede cambiar del 1 al 99%. Cuando sentimos que la base ya es sólida presentamos las canciones a nuestro productor, Josh Wilbur, y volvemos a pasar por el mismo proceso, del 1 al 99%. Puede parecer una respuesta decepcionante, pero creo que de ese modo tiene un valor aún mayor. Conozco a bandas que establecen reglas y parámetros a la hora de componer, deben hacerlo para que JYRGMSRI TSVUYI RS WI GSRSGIR PS WY½GMIRXI GSQS EVXMWXEW 4IVS en nuestro caso, Paolo, Corey y yo llevamos tanto tiempo juntos que realmente no necesitamos palabras para expresar por dónde queremos ir. Eso es también una parte fundamental de nuestro sonido, el hecho de dejar el escenario abierto para cualquier suceso musical. Por eso existen canciones como “What The Dead Men Say”, con una melodía de Europa del Este que se funde con el black metal a mitad de la canción. Las partes más sencillas del inicio se transforman de forma seguida en algo con más técnica y thrash. También incluye un estribillo grande y abierto, melodías barrocas... tiene todo lo que nos gusta. Hablemos sobre el apartado vocal, ¿cómo ha cambiado tu disciplina a la hora de practicar? Cuando me quedé sin voz en 2014 y tuvimos que cancelar giras, pensé que cantar había terminado para mí. Pero empecé a practicar con mi profesor de canto, Ron Anderson, y tuve que hacer borrón y cuenta nueva. Había cantado y gritado de forma equivocada durante toda mi carrera y tuve que reaprenderlo todo. Al mismo tiempo comencé con el jiu-jitsu brasileño, arte marcial UYI QI IRWIyz PS UYI WMKRM½GE ZSPZIV E GSRWXVYMV EPKS HIWHI PE base. Y también empecé los directos en la plataforma de streaming 8[MXGL)WXSPXMQSWIGSRZMVXMzIWTIGMEPQIRXIFIRI½GMSWSTEVEQM voz, ya que cuando estoy en directo suelo pasar la mayor parte del tiempo interpretando canciones de Trivium por petición de nuestros seguidores. Mantener esas tres cosas durante los últimos tres años ha sido bastante intenso. Retransmito cinco días a la semana y dos veces cada día, lo cual equivale a entre una y seis horas diarias de canto melódico y gutural fuera de las giras. Afronto las voces y la guitarra más como atleta que como músico, para mí ya no hay días libres. Quiero estar siempre en forma, de modo que pueda hacer un disco o ir de gira en cualquier instante. En el caso de ‘What The Dead Men Say’, practicamos de modo intensivo individualmente, y después como banda en el local, antes de pisar el estudio. Debido a ello, la grabación solo nos llevó 16 días, cuando la mayoría de bandas suelen necesitar entre uno y tres meses. ¿Hasta qué punto te ha servido el jiu-jitsu como ejercicio de introspección? Ha tenido un valor enorme, aprendes mucho sobre ti mismo y creo que los egos, las reacciones negativas y la actitud de estrella del rock de muchas bandas serían corregidas de forma muy rápida si tuvieran que afrontar el jiu-jitsu. No importa lo fuerte o increíble que te creas, cuando empiezas en esto no eres tan bueno como el resto de personas en la sala y caerás, una y otra vez. metal hammer | 33

Siempre habrá alguien que le dedique más tiempo que tú y ser consciente de ello es algo muy importante. No empecé con el jiujitsu porque sentía la necesidad de ser disciplinado, mi padre trabaja en la Marina y mi madre es japonesa, por lo que siempre he sentido que provengo de un entorno de mucha disciplina. Pero el jiu-jitsu me ha mostrado otras cosas, me ha enseñado a ser siempre humilde. Recuerdo el día que luché con alguien por primera vez, después HI½REPM^EVQMETVIRHM^ENIFjWMGS1IIRJVIRXEFEEYRGLMGSHI años y la mitad de mi tamaño, y pensé que le ganaría sin problemas, pero el chico me dejó fuera de combate en 30 segundos. Aquel momento me enseñó que el jiu-jitsu es algo que nos convierte en iguales. He aplicado esa disciplina a todo lo que importa IRPEZMHEPEKYMXEVVEPEZS^MRGPYWSPSWZMHISNYIKSWQILI½NEHSIR los malos hábitos que debo mejorar. 6IGMIRXIQIRXI 8[MXGL WI LE GSRZIVXMHS IR SXVE parte importante de tu vida. ¿Ha sido aún más útil en los tiempos del Covid-19? Creo que ha sido de gran ayuda para nuestros fans, lo cual es realmente importante para mí. Cuando hace tres años comencé en Twitch lo hice enseñando canciones de Trivium a nuestros seguidores por lo que el público principal proviene de la banda, no de la propia plataforma. Siempre he querido dar todo lo posible a nuestros fans, ya que ellos son los responsables de que podamos ganarlos la vida de este modo. Ahora todos estamos en casa, algunos no tienen empleo, otros deben cuidar de sus hijos y trabajar al mismo tiempo... quise que mi canal fuera un lugar de alivio, un espacio positivo que permita conectar con la gente y evadirnos de lo que está sucediendo. El acceso es libre y todos son bienvenidos. Construir algo así es mi responsabilidad. ¿Sientes que toda una comunidad se ha gestado a partir de tu canal? La verdad que sí, he podido conocer a los fans de Trivium mejor y también han podido conocerse entre ellos. Algunos moderadores de mi canal han viajado de Europa a Estados Unidos para pasar unas semanas juntos o incluso asistir a bodas. Me alegro mucho de que el canal haya servido para crear estas grandes amistades. Trivium siempre ha sido sobre eso, sobre cuidar a la gente que nos cuida. 0EGSQMHEIWSXVEHIXYWE½GMSRIW]LEGIEPKYRSWEySW pusiste en marcha un blog temático. ¿Se ha reavivado XYTEWMzRTSVPEGSGMREHYVERXIIPGSR½REQMIRXS# Desde que empecé con el jiu-jitsu y los directos de Twitch, la cocina ha pasado a un segundo plano. Cuando estamos de gira siempre tratamos de encontrar la mejor comida local, sigue siendo una parte muy importante en mi vida, aunque la acción de cocinar ahora no es tan predominante. En casa mi mujer cocina la mayoría de veces y yo me encargo de la limpieza, tratamos de mantener el equilibrio de ese modo. ¿Hay algún plato hacia el que últimamente sientes especial devoción? Desafortunadamente, no he hecho muchos descubrimientos desde casa. Hecho de menos los platos de todo el mundo, en estos momentos debíamos estar en Asia. Singapur, Tailandia, Indonesia, Japón... debíamos estar allí, disfrutando de la gran comida de esos países. En España también he probado algunas de mis cosas favoritas. Mi restaurante preferido está en Barcelona, se llama Quimet y Quimet, un pequeño establecimiento centenario que sirve tapas. Volviendo al nuevo disco y en relación al apartado lírico, ¿ha tomado la canción “The Ones We Leave &ILMRH²YRRYIZSWMKRM½GEHSHIFMHSEPETERHIQME# Lo que me encanta de este álbum es que no hay respuesta correcta o incorrecta, se trata sobre lo que cada oyente sienta. )WXS] ZMIRHS UYI PE KIRXI WI WMIRXI MHIRXM½GEHE GSR GEHE YRE HI las canciones, podría ser “Sickness Unto You”, “What The Dead Men Say”, “Catastrophist”, “Scattering The Ashes” o “The Ones We Leave Behind”. Una canción será atemporal si la gente de diferentes rincones del planeta puede aplicarla a cualquier evento o recuerdo. El título y la primera canción del nuevo álbum hacen referencia a la novela corta de mismo nombre de Philip K. Dick. ¿Cómo la habéis adaptado? 34 | metal hammer

Paolo fue quien leyó la novela, nos contó que le resultó muy inspiradora y quiso hacer un tema con el mismo título. Detalló que la canción no es un simple recuento del relato, sino su propia interpretación. Durante nuestra carrera, hemos solido hacer esto en muchas ocasiones. “Into The Mouth Of Hell We March” fue inspirada por la película bélica ‘300’, “The Calamity” y “Strife” son títulos que cogí del videojuego Final Fantasy 7, “Tread The Floods” hace referencia al videojuego Doom y “Becoming The Dragon” es el título de un capítulo de ‘Geek Love’, un libro escrito por la novelista estadounidense Katherine Dunn. ¿Qué artistas te han inspirado en los últimos años, más allá de la música? Las artes visuales siempre me han fascinado, sean pintores o cineastas. En la época de ‘In Waves’ comencé a indagar en este mundo y descubrí algunos de los directores de cine que más me han marcado: Lars von Trier, David Lynch y Nicholas Winding Refn. Sus TIPuGYPEWXYZMIVSRYREKVERMR¾YIRGMEIRQu )RPSUYIWIVI½IVIEPRYIZSjPFYQPEMRWTMVEGMzRTSHVuEIWXEV en cualquier sitio. Cuando viajamos por el mundo nos gusta visitar museos, pero no solo de arte clásico, también moderno. Estar rodeado por las artes visuales potencia mi imaginación y después trato de trasladar eso al arte auditivo. Hablemos sobre Mrityu, el proyecto en el que trabajas desde hace tiempo junto a Ihsahn y parece estar más cerca que nunca de ver la luz. ¿Cómo describirías lo que estáis preparando? No querría hablar sobre géneros, sonidos o comparaciones E SXVEW FERHEW 4VI½IVS UYI PE KIRXI PS IWGYGLI WMR RSGMSRIW preconcebidas. Es cierto que la idea original fue basada en el black metal, mi intención era hacer este tipo de banda en la que no desvelaría mi identidad y tocaría black metal que va directo a las raíces. Me hice amigo de Ihsahn por correo electrónico, le enseñé el material y le gustó. Por aquel entonces acababa de publicar ‘Eremita’, su cuarto disco en solitario, lo escuché e hizo replantearme toda mi visión hacia el black metal. En su día, el género se fundó como una rebelión hacia la norma, hacia todos aquellos que hacían exactamente lo mismo, pero con el tiempo se ha pegado mucho a la tradición. Cuando sucede algo así, creo que acabas convirtiéndote en eso mismo que inicialmente pretendías combatir. Ihsahn siempre ha tratado de ir más allá, revolviendo las convenciones del black metal y eso es lo que he querido hacer con Mrityu. Ha acabado siendo algo muy diferente a lo que imaginé inicialmente y creo que el público se va a llevar una gran sorpresa cuando escuche el álbum. ¿Cómo habéis funcionado en este proceso de colaboración? Hemos trabajado en este disco durante diez años, por lo que ha sido un proceso muy gradual. Ihsahn era uno de mis héroes, PYIKSWIGSRZMVXMzIRYRQIRXSV]½REPQIRXIIRYREQMKS,EWMHS un proceso increíble y no puedo esperar a publicarlo, ya que he pasado diez años hablando sobre ello y verdaderamente creo que las canciones suenan como algo inaudito. No se parecen a nada que haya escuchado antes. ¿Ha provocado Ihsahn algún cambio en tu enfoque como compositor? Él es el productor y también ha coescrito algunas canciones, pero principalmente se trata de la banda y yo. Creo que Ihsahn QI LE MR¾YMHS QjW E XVEZqW HI WY QWMGE XEQFMqR QI LE TEWEHS literatura y discos, trabajos que ayudaran a potenciar mi creatividad, lo cual ha sido fantástico. Si echaras la vista atrás y pudieras hablar con el 1EXX,IEJ]UYITYFPMGz³%WGIRHERG]´]XSGzWYTVMQIV KVERWLS[IR(S[RPSEHLEGIEySW¡5YqPIHMVuEW# No le daría ninguna recomendación. Cada uno de los aciertos y errores tendrían que suceder para llevarlo hasta el punto en el que me encuentro a día de hoy. Simplemente, lo observaría desde lejos, sin interactuar.

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Los suizos Triptykon publican en estos días vía Century Media probablemente su proyecto más -9.5/5;?; 4-?@- 8- 21/4-  o$1=A519 I5B1 @ $;-0.A>: VTU]Jp  @>-.-6; =A1  /;9; ?A :;9.>1 .51: indica, fue perpetrado en el prestigioso festival holandés el año pasado. Lejos de ser un disco en directo convencional al uso, Tom G. Warrior cierra con este lanzamiento un capítulo que se inició 1:U]\Z1:8;?B516;?0«-?0118@5/>;?@E=A1814-881B-0;8-2>5;81>-01W0§/-0-?/;:/8A5>01/->-- <;01><-?-><Ÿ35:-ŋ:/-0;1:?A/-?-01,·>5/4E@>-?@1:1>=A1016->?A-.-6;/;9; 05>1/@;>0189A?1;0105/-0;-$531>01.50;-8/;:ŋ:-951:@;<;>8-<>1?1:@1<-:0195- &;9 nos atiende telefónicamente para desvelar todos los entresijos de su nuevo trabajo. Thomas Gabriel Fischer, más conocido como Tom G. Warrior, es YREHIPEW½KYVEWQjWVIPIZERXIWIMR¾Y]IRXIWHIPTERSVEQEQIXjPMGS de las últimas 4 décadas. Forjó su leyenda en los años ’80 de la mano de sus 2 primeros grupos, Hellhammer y Celtic Frost, alfa y omega de todos los sonidos extremos que surgirían a la postre (con el permiso de Venom y Bathory). Denostado y ridiculizado en su día (sobre todo con Hellhammer, banda que en su momento nadie tomó muy en serio), Tom tenía una visión muy clara sobre qué quería hacer, a qué debía sonar y cómo quería llevarlo a cabo. De esas inquietudes y ansias por explorar territorios musicales desconocidos, surge Celtic Frost en 1984, la banda que moldearía géneros futuros como el black, death, doom, gothic o avantgarde.Y todo ello en apenas 3 años de vida (19841987) y sin despeinarse. Tachados de enfermizamente ambiciosos e incluso pedantes (por la prensa más convencional), prepotentes (su WIPPS HMWGSKVj½GS  ] ZMWMSREVMSW WYW WIKYMHSVIW MRGSRHMGMSREPIW  PE travesía de Tom y Celtic Frost por la década de los ’80 no fue un camino de rosas precisamente y no pasaría mucho tiempo hasta que 52 | metal hammer

la formación implosionase en mil pedazos y desapareciese con el albor de los ’90 engullida por una serie de nuevas tendencias tanto extremas como comerciales y alternativas. Ironías de la vida, tanto la escena black/death del norte de Europa como el buque insignia del movimiento grunge (Nirvana), citarían a los suizos como una de sus MR¾YIRGMEW TVMRGMTEPIW ] HIGMWMZEW PS UYI HIRSXE IP EQTPMS IWTIGXVS musical que abarcaba su legado. Celtic Frost, en su búsqueda de arreglos musicales diferentes e innovadores, introdujo en su proto-thrash una serie de elementos sonoros hasta la fecha profanos en la música metálica como arreglos orquestados, cuartetos de cuerda, percusión clásica y voces femeninas. Deep Purple, Rainbow o Yngwie Malmsteen habían coqueteado con la música clásica no tanto como un arreglo a sus piezas rockeras sino aplicando esa teoría musical a sus propias composiciones. Celtic Frost sin embargo tocaban thrash, no hard rock de corte neoclásico, pero embadurnaban sus temas con una serie de elementos bizarros de

TRIPTYKON $ !' % ’  TEXTO: JAVI FÉLEZ

FOTOS: ESTER SEGARRA Y HENRYK MICHALUK

corte sinfónico que daban a muchas de sus piezas un aire apocalíptico espeluznante. De esa búsqueda incesante por elevar su música a nuevas cotas de dramatismo surge “Rex Irae (Requiem)”, el tema que cerraba ‘Into The Pandemonium’ de 1987, su trabajo más ambicioso y rompedor hasta la fecha y embrión de lo que 3 décadas después acabaría siendo este nuevo lanzamiento de Triptykon, ‘Requiem (Live At Roadburn 2019)’. “Teníamos el concepto muy claro en 1987 cuando compusimos ‘Rex Irae (Requiem)’ y sabíamos perfectamente que iba a ser un proyecto muy ambicioso”, declara Tom cuando echa la vista atrás. “Piensa que en aquellos días nadie había hecho algo así. Recuerdo que los músicos de orquesta que contratamos eran muy conservadores y no entendían lo que queríamos hacer, era bastante frustrante tenerles que explicar las cosas una y mil veces para sacarlos de su mentalidad de músico de conservatorio. Hoy sin embargo es fácil dar con orquestas en Europa acostumbradas a tocar y grabar con bandas de Metal, pero no en 1987”. REQUIEM POR LOS MUERTOS Como todo el mundo sabe -o debería saber- un Requiem es una pieza musical en forma de misa para honrar la memoria de los seres difuntos y fue bastante popular en los días de apogeo de la música clásica de la mano de grandes compositores a quienes se les encargó hacer uno como en el caso de Haydn, Dvorak, Brahms o el que creó quizá el más famoso y emblemático de todos ellos, Wolfgang Amadeus Mozart. “Siempre he sentido pasión por la música clásica; los sentimientos que transmite no son tan diferentes de los de la

música rock o metal en tanto que posee amplias dinámicas, contrastes, XIRWMzRHVEQEXMWQSGPuQE\©8SHSWIWXSWEXVMFYXSWWSRETPMGEFPIWEPE QWMGEQIXjPMGERSESXVSWKqRIVSWGSQSIPVETGSYRXV]TST©1MW Requiems favoritos son los de Johann Adolph Hasse, Sibelius, Strauss, Johan Sebastian Bach y, por supuesto, el de Mozart que es una de las piezas más intensas jamás compuestas”. Dos piezas clave del círculo íntimo de Tom G. Warrior fallecieron recientemente, Martin E. Ain (bajista de Hellhammer y Celtic Frost en diferentes épocas) y H.R. Giger, el artista que dio vida al universo Alien y que entabló una muy profunda amistad y respeto por Tom, sus bandas y su visión musical. Ambos fallecieron en 2017 y 2014 respectivamente dejando una profunda huella en nuestro interlocutor y condicionando ½REPQIRXI PE ETEVMGMzR HI IWXI EQFMGMSWS TVS]IGXS ±1EVXMR ] ]S compusimos la primera parte del Requiem en 1986, el tema que salió en ‘Into The Pandemonium’. Nuestra idea era acabar y grabar las otras partes del Requiem durante los próximos 2 o 3 años, cosa que nunca sucedió por diferentes motivos como la marcha de Martin del grupo, el cambio de rumbo con ‘Cold Lake’, la separación de Celtic Frost TSWXIVMSV©'YERHS1EVXMR]]SVIJSVQEQSWIPKVYTSETVMRGMTMSWHI los 2000, lo primero que nos vino a la mente fue hacer otro capítulo del Requiem que es ‘Winter’, el tema que cierra ‘Monotheist’ del 2006. %PTSGSXMIQTSPEFERHEWIZSPZMzEWITEVEV]½REPQIRXI1EVXMRQYVMz así que efectivamente, acabar este Requiem debía ser mi memorial hacia él, su obra y nuestra amistad de tantas décadas. Fue muy emotivo tocar toda la pieza íntegra en Roadburn, puedo garantizarte que tuve a Martin presente en mi cabeza durante todo el concierto”. metal hammer | 53

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Requiem (Live At Roadburn 2019)’ de Triptykon contiene interpretaciones en directo de sendas canciones,“Rex Irae (Requiem)” y “Winter (Requiem, Chapter III: Finale)” junto a un tema nuevo compuesto para la ocasión, “Grave Ritual”, que vendría a ser la parte intermedia de toda la pieza en lo estrictamente cronológico. “Como ya te dije, la idea de dividir el Requiem en 3 partes ya procedía de 1986, nuestro plan era editar de una forma u otra las dos siguientes partes, tocarlo todo en directo y sacarlo como un EP de Celtic Frost o algo parecido”, relata Tom. “Entiendo que es un poco confuso que saliese primero la parte tercera del Requiem (En ‘Monotheist’ del 2006) y en 2019 presentáramos en directo por primera vez la segunda parte, ‘Grave Ritual’, compuesta entorno a 2017. Realmente no lo es tanto. Son temas que tienen coherencia y solvencia de forma individual, no requieren de ser escuchadas una tras otra en orden TEVE XIRIV WIRXMHS WM IRXMIRHIW E PS UYI QI VI½IVS 6IGYIVHS UYI cuando estaba haciendo las demos para ‘Monotheist’ Martin escuchó ‘Winter’ y me convenció no solo de que ese tema debía cerrar el HMWGSWMRSUYIHIFuEWIVPETEVXI½REPHIRYIWXVS6IUYMIQMRGSRGPYWS (aunque todavía no hubiéramos compuesto ni ideado la segunda parte siquiera). Tanto yo como Martin siempre estuvimos obsesionados con los trípticos, la subdivisión en 3, las 3 partes de todo. Era obvio que nuestro Requiem debía dividirse en 3 partes también, ya veríamos cómo y cuándo haríamos la segunda, algo que obviamente no pudo suceder con él en vida”. Compuestas las 3 piezas a lo largo de toda su carrera, es fácil intuir cuán de arduo podría suponer ensamblarlas juntas y cohesionarlas de cara a presentarlas en directo tocadas una tras otra y que suenen GSQS YRE YRMHEH EPKS E PS UYI8SQ VIWXE QqVMXSW ] HM½GYPXEH±)R el fondo sigo siendo yo, la misma persona, en 1986, 2006 o 2016. He ganado en experiencia, madurez y soy más viejo, pero mi mente anárquica sigue intacta, sigo viviendo mi vida fuera de lo convencional como hacía de joven. Mi enfoque hacia la música conserva el mismo fanatismo y dedicación que hace 40 años cuando empecé a tocar así que creo que ahí se da la conexión entre las diferentes versiones en el tiempo de mi persona. Yo veo las 3 piezas como 3 cápsulas del tiempo cada una de las cuales proyecta mi modo de ver Celtic Frost y Triptykon a lo largo de los años. Suenan coherentes y correlativas, QIZISMHIRXM½GEHSQYWMGEPQIRXIIRXSHEWIPPEWTIVSEPEZI^WIZIV porqué cada una de ellas suena de esa forma determinada teniendo en mente en qué período de mi vida las compuse”. TRIPTYKON SE VISTEN DE LARGO Una cosa es añadir arreglos clásicos a tu música y otra bien distinta componer una pieza clásica íntegra como “Grave Ritual” -para lo cual se requieren de una serie de conocimientos teóricos que, salvo músicos de conservatorio, escasos músicos de la escena metálica poseen-. Tom G. Warrior, un tipo honesto y sincero como pocos, no tiene reparos en admitir sus limitaciones como músico a la hora de orquestar “Grave Ritual”. “Efectivamente, mis conocimientos de teoría musical son escasos si no nulos. Compuse la pieza con mi guitarra, un teclado y con programación midi y contraté a un arreglista de música clásica para que lo transcribiera todo a la partitura dado que yo soy incapaz de hacer algo así. Era necesario tenerlo todo en papel pues como bien sabes una orquesta solo funciona leyendo partituras, no interpreta de memoria como hacemos nosotros los músicos de rock. De este modo, hice la demo del tema y con el arreglista hicimos una a una las partituras para cada uno de los instrumentos. De hecho optamos por hacerlo así pues en los ’80 cuando hicimos “Rex Irae” utilizamos el mismo método y funcionó perfectamente. En esta ocasión utilizamos a Florian, vocalista de Dark Fortress, quién siempre ha estado ligado a Triptykon de un modo u otro ayudándonos con los arreglos de nuestra música, él tiene formación clásica y por supuesto bagaje metálico así que era la persona idónea para llevar a cabo este proyecto conmigo. De hecho, fue tal su grado de involucración aportando ideas propias que acabé por concederle créditos como cocompositor de “Grave Ritual”. ‘Requiem (Live At Roadburn 2019)’ va a editarse tanto como disco en directo (CD y vinilo) como DVD con la actuación grabada en video de tan magno evento. Al ver la interpretación que llevan a cabo Triptykon de las tres partes del Requiem, resulta evidente el grado de concentración y preparación que algo así requiere.“No te lo puedes ni imaginar. Somos músicos de rock, no estamos acostumbrados a tocar con 20 personas más en el escenario, todos ellos con partituras y un director de orquesta guiándoles. La presión era enorme, sobre todo para mí pues era el compositor de la pieza, a donde se dirigían todas las miradas y a quién acudía todo el mundo en busca de respuestas los días y momentos previos a la actuación, demasiada responsabilidad sobre mis espaldas, más aún teniendo en cuenta que también debía subirme al escenario a tocar y cantar con ellos. La forma en la que una orquesta se comunica es muy diferente a cómo lo hacemos los músicos de rock. Tuvimos que encontrar un puente de unión entre ambos bandos para lograr el entendimiento exacto y lo más perfecto

posible. Llevo 35 años trabajando con músicos clásicos en estudio, pero en directo es otro rollo completamente diferente, una nueva dimensión”. A todo ello hay que sumarle un factor vital y es que en el mundo de la música contemporánea y moderna el error está permitido en directo. Nadie devuelve su entrada o abandona la sala porque tal o cual músico estiró demasiado una cuerda yéndose de nota o se fue una micra de tempo. Es lógico pensar que la audiencia del Roadburn, por muy sibarita que a priori pudiese llegar a ser, no dejaba de ser un público metalero acostumbrado a los “desajustes” propios del directo. Sin embargo los músicos, coristas y director de orquesta que rodeaban a Triptykon en esta ocasión proceden de un mundo donde la interpretación ha de ser 100% exacta y perfecta sin margen alguno de error, algo que de bien seguro añade un grado de presión extra sobre la banda en el escenario con lo que Tom está de acuerdo. “Por supuesto. No diría que estaba nervioso pues no tiene sentido seguirlo estando tras casi 40 años subido en los escenarios, sé cómo lidiar con ello. Más que nervios era presión y concentración para que todo saliese perfecto pues yo era el protagonista del evento. No solo yo; todos los participantes coincidimos en que el grado de preparación previa y concentración sobre el escenario fue inmenso y eso permitió que el evento saliese tal como estaba previsto. Has de pensar que si una banda de metal comete un error, puede parar el tema y volver a IQTI^EVSMRGPYWSGEQY¾EVPSHIGMIVXSQSHS]WIKYMVGSRPEGERGMzR sin que se note mucho. Pero eso con una orquesta de tantos músicos no es una opción, no se puede parar, de ninguna de las maneras. Ellos no iban a fallar pues están acostumbrados a tener esa presión y estar condicionados por el hecho de que hay que tocar la pieza del tirón, pero nosotros no. Asimilar ese factor clave y procesarlo correctamente fue fundamental para sacar este directo adelante”. 0E SQRMTVIWIRXI ½KYVE HI 1EVXMR ) %MR IWXj MRXVuRWIGEQIRXI asociada ya no solo al pasado musical de Tom con Celtic Frost y Hellhammer sino al presente de Triptykon -pese a que nunca llegase a formar parte de la banda-. “Martin rara vez participó en el proceso de creatividad musical de Celtic Frost. Su papel era más de asegurarse que conceptualmente hablando, mis composiciones casaban a la perfección con la visión total que él tenía de lo que debía ser un lanzamiento del grupo. En lo referente al Requiem, él no colaboró en lo musical que fue parte mía pero sí me daba su opinión de todo, algo que yo valoraba por encima de todas las cosas. Mi idea cuando empecé a visualizar la realización de este proyecto era invitarle a que subiese al escenario con nosotros a tocar o recitar algo o lo que fuese, es decir, hacerle partícipe de todo esto aún no siendo él miembro de Triptykon. No formaba parte de la banda pero la idea del Requiem era tanto suya como mía. Lógicamente, este disco es un merecido tributo a su persona y legado”. ACTIVO EN DIVERSOS FRENTES ‘Melana Chasmata’, el último trabajo de estudio de Triptykon, data ya del 2014, lo que nos lleva a preguntarle a Tom qué planes tiene de cara a su esperado sucesor. “El nuevo disco está bastante avanzado, soy consciente de que han pasado muchos años desde nuestro anterior trabajo. Obviamente tuvimos que dejarlo en stand by por un par de años para centrarnos en Requiem, pero a partir de ya mismo lo retomamos y mi idea es acabarlo de grabar a lo largo de este 2020 TEVEIHMXEVPSIPEySUYIZMIRI(I½RMXMZEQIRXILEFVjXIVGIVjPFYQHI estudio de Triptykon”. Paralelamente en el tiempo a la muerte de Martin E. Ain y el inicio de creación del Requiem, Tom G. Warrior sorprendió a propios y extraños con la puesta en marcha de Triumph Of Death el pasado 2018, una nueva banda con la que interpretar el viejo catálogo de Hellhammer aunque con un enfoque musical un tanto diferente, algo impensable tiempo atrás debido a los malos recuerdos que latían en lo más hondo del corazón de Tom y Martin asociados a aquellos primeros años ’80 cuando Hellhammer fue concebido. “Me ha llevado décadas encontrar paz en aquellos viejos días de adolescencia que fueron muy duros para Martin y para mí. Hellhammer en su época fue una banda adelantada a su tiempo y solo nos llovieron críticas y palos. Sin embargo, a día de hoy, yo y la escena en general vemos las cosas de SXVEJSVQE8EQFMqRLIHIHIGMVUYIRSQIWMIRXSEP MHIRXM½GEHS con muchas de esas letras y por eso durante años rechacé todo lo que tuviese que ver con Hellhammer. Tocar esos viejos temas me ha servido como catalizador para hacer borrón y cuenta nueva con esa época de mi vida. Digamos que he logrado obtener la perspectiva WY½GMIRXITEVEHIWQEVGEVQIIQSGMSREPQIRXIHI,IPPLEQQIV]ZIV esos temas más como si fuera un fan que como el creador de los mismos. Además, por qué no decirlo, poder tocar ese material más EKVIWMZSHMVIGXS]TYROWMRIPKVEHSHIWS½WXMGEGMzRHI'IPXMG*VSWXS Triptykon, sin la presión de tener que presentar temas nuevos ni tener UYIPMHMEVGSRKIRXIHIWIPPSW]PEMRHYWXVMEIRKIRIVEP©)WYREPMZMS y me permite disfrutarlo muchísimo más. Grabamos varios shows de metal hammer | 55

Triumph Of Death el año pasado y la idea es mezclarlos, pulirlos y IHMXEVPSWIRYRSSHSW)4WHIGEVEE½REPIWHIEyS-RGPYWSLIQSW llegado a hablar de la posibilidad de hacer material nuevo con ese viejo enfoque de Hellhammer y probar a grabarlo y ver qué sale. Soy muy crítico con mis lanzamientos y no permitiría darle continuidad a ello salvo que vea que el material realmente tiene consistencia y puede GSQTIXMVGSRIPZMINSPIKEHSHIPKVYTS7M½REPQIRXIRSWEPIREHEHI todo ello, no lo veré como una derrota, pues mis expectativas iniciales ya eran mucho menores de lo que estas presentaciones en directo de Triumph Of Death han acabado siendo”. ‘Requiem (Live At Roadburn 2019)’ sale a la luz el 15 de mayo en varios formatos (CD/vinilo/DVD conformando 5 ediciones diferentes) a través de su propio sello Prowling Death Records distribuido por y licenciado a Century Media. No deja de ser sintomático que el período más fructífero de Tom como músico en estos casi 40 años de carrera parte del momento en el que decide crear su propio sello (2006), tomar él las decisiones artísticas y luego presentarle el proyecto a otra HMWGSKVj½GEHIQE]SVIRZIVKEHYVETEVEUYIPSTSRKERIRGMVGYPEGMzR una vez éste está ya totalmente cerrado, grabado y empaquetado a nivel visual, conceptual y sonoro. Hace cosa de 2 años y medio salió al mercado ‘Damn The Machine’, un libro escrito por Karl U.Walterbach, antiguo propietario de Noise Records, quien editó todo el material de 56 | metal hammer

Hellhammer/Celtic Frost durante la década de los ’80 y con quien la banda acabó en términos nada amistosos precipitando la disolución del grupo a principios de los ’90 y el hastío de Tom con respecto a la industria musical que le llevaría una década asimilar, tragar y digerir. “He leído el libro, puedo decirte que en lo relativo al capítulo que nos dedica a nosotros es todo una gran sarta de mierda y mentiras. Para QuIWYRPMFVSHIGMIRGME½GGMzR1EVXMR]]SGVIEQSW4VS[PMRK(IEXL 6IGSVHWTEVERSXIRIVUYIPMHMEVRYRGEQjWGSRWIPPSWHMWGSKVj½GSW tan descaradamente poco profesionales y cortos de miras como Noise Records. Ese libro es una novela de fantasía, dice muchísimas cosas que no son ciertas, que son mentira, básicamente. Pero no lo digo yo, habla con cualquier grupo que estuviera en ese sello en aquella época y te dirán lo mismo. Karl ha escrito el libro para quedar él como el bueno de la película, desconozco si con miras de limpiar su conciencia o auto engañarse. Karl nunca miró por la música ni por el lado personal de las bandas, solo veía dinero rápido que debía obtenerse antes de que el género entrara en declive y eso es lo que hizo: exprimir durante una década a todas sus bandas para él llevar un tren de vida a todo lujo sin tener en cuenta ninguna de nuestras consideraciones artísticas relativas a la música, las portadas, las fotos, PSWIWXYHMSWPETVSQSGMzRPEWKMVEW©7MUYMIVIWPIIVYREFYIRERSZIPE de fantasía, cómprate antes ‘Conan’ que ‘Damn The Machine’”.

PRIMAL FEAR '$ %"!)$& TEXTO: MARC FERNÁNDEZ FOTOS: HEILEMANIA Y HEIKO ROITH

En estos convulsos tiempos de pandemia, hablar con alguien como Ralf Scheepers se agradece más que nunca. Es uno de esos frontman capaces de trasladar la poderosa alegría que transmite sobre el escenario a la conversación más anodina. Con su legendaria simpatía, un humor que no se oscurece a pesar del mal momento que está atravesando la 5:0A?@>5-E/;:A:->1?;8A/5±:ŋ>9115:=A1.>-:@-.81 19<1F-9;?4-.8-:0;01">59-8 Fear solo para divagar sobre la música en general y de España en particular. METAL EN TIEMPOS DE PANDEMIA “He tenido suerte con esta crisis, porqué a diferencia de otra mucha gente, no he perdido a ningún familiar o amigo”, comenta sobre la pandemia que ha asolado el planeta y que se cuela insidiosamente en cuanto le preguntas a cualquiera cómo está: 58 | metal hammer

“Aquí en Alemania ha estado todo bastante más tranquilo y los políticos y expertos parecen tenerlo todo bajo control. Personalmente estoy molesto porque ahora estaría en Estados Unidos de gira, pero me siento afortunado. Muchos compañeros estaban en la carretera y han tenido problemas para regresar a casa”.

El buen ánimo y el optimismo de Ralf es contagioso y habla de cómo ha vivido esta crisis siempre con un tono alegre y despreocupado. “Creo que en toda mi carrera jamás he estado tan pendiente del lanzamiento de un nuevo trabajo como lo he estado con ‘Metal Commando’, así que al menos he podido reorientar mi profesión. También he seguido dando clases de canto, aunque a distancia, por supuesto”, señala con un entusiasmo tangible. “Lo peor es que todo nuestro calendario se ha ido al garete -incluidas unas fechas en España con las que estábamos muy ilusionados-. Hoy por hoy todo está en el aire”, lamenta en el único momento en que su determinación parece torcerse un ápice. “El heavy metal es un estilo de directos, se vive de verdad en un concierto, y hoy por hoy muchos músicos dependen de los ingresos de conciertos para seguir adelante. Es inconcebible imaginarse al género como música de discoteca o algo por el estilo. Un año sin conciertos

tiene un impacto que va mucho más allá del impacto económico, y es que le estás arrebatando a esta música su seña de identidad. Siempre que componemos lo hacemos pensando en cómo funcionará esta canción cuándo la toquemos en vivo, y jamás grabamos algo que no podamos reproducir igual o mejor en vivo. Cualquier otra cosa sería engañarnos a nosotros mismos y a los fans”. SONIDO CLÁSICO EN 2020 Dejando de lado la apremiante gravedad de estos tiempos, Scheepers comenta un poco ‘Metal Commando’, el lanzamiento más reciente de Primal Fear. “Creo que no va a decepcionar a nadie”, E½VQEGSRGSR½ER^E±IWYRXVEFENSUYIWILELIGLSTVjGXMGEQIRXI solo fruto del entusiasmo y la pasión más puras que caracterizan al heavy metal. Por supuesto, es un disco pensado para el directo, como el género en sí mismo, con muchos riffs con un groove inmenso y unos metal hammer | 59

coros hechos para cantarse. La verdad, me muero de ganas de poder tocar algunos de estos temas en directo”. Cuando señalamos su envidiable estado vocal, Ralf se deshace en agradecimientos y en modestia, aunque destaca que muchas veces el estilo de vida de un músico no es muy distinto al de un atleta. “Has de ir con cuidado con lo que comes, con lo que bebes y con lo que descansas. A diferencia de otros instrumentos, la voz es una parte de tu cuerpo, y si no te cuidas tú, ese instrumento no sonará bien”. 0ITIHMQSWXVEWWYWTEPEFVEWUYIGSR½IWIEPKYRSHIWYWWIGVIXSW] sus consejos son simples: “yo inhalo muchos vapores, trato de hacer INIVGMGMS]TSVWYTYIWXSTVEGXMGSWMIQTVIUYITYIHS%P½REPHIPHuE es más una cuestión de disciplina que de talento”. No se podía evitar charlar de que bandas como Primal Fear junto a otros titanes del género como Judas Priest o Accept son los grandes guardianes del heavy metal más puro y sin adulterar. El grupo de Scheepers es un referente del power metal, y era interesante conocer si dicho estilo puede haber perdido cierto atractivo para oyentes más jóvenes. “Todo el mundo tiene gustos diferentes. Si hablamos de generaciones, está claro que según cuándo hayas nacido tendrás unas inquietudes u otras. Lo que está claro es que no voy a parar a ningún chaval por la calle para decirle que escuche Primal Fear. No, lo que le guste a cada uno es totalmente respetable. Puede que lo que hacemos IWXqTEWEHSHIQSHEEP½R]EPGEFSRSSPZMHIQSWUYIYRS]EXMIRI una edad”, añade jocosamente. ±%P½REPHIPHuEWMRIQFEVKSGSQSEVXMWXERSLEGIWIWXSTSVREHMI salvo por ti mismo, y cuándo gente alrededor del mundo siente las mismas emociones que tú atravesando el viaje que ofrece tu música es algo maravilloso. Pienso que sentarnos un día y decir: ‘deberíamos componer esto o aquello para llegar a un público más amplio y joven’ es algo totalmente contrario al espíritu de Primal Fear, y de momento no nos ha ido mal. Como ya he dicho, quizás es porqué somos viejos, quizás solo somos tozudos, o probablemente seamos unos viejos tozudos, pero eh, somos felices y de paso compartimos esta felicidad con muchos otros. La mejor forma de ganar nuevos fans consiste en hacer buenos conciertos. Eso es tan cierto cuándo tocas en bares para cuatro personas como cuando llevas más de treinta años en esto”, prosigue. “Quizás un chico va a un festival a ver a Disturbed, que, por cierto, es una gran banda, y por casualidad pasa por delante del escenario en el que está actuando Primal Fear. Si decide pasar de largo, quiero que sea porque realmente no le trasmitimos nada, no porque no lo estamos dando todo sobre el escenario. En los conciertos de sala es distinto porque ya tienes al público en el bolsillo y lo único que has de hacer es no decepcionar. Por cosas así íbamos a girar con Freedom Call. Como nosotros, parecen empeñados en hacer heavy metal puro y directo, y para quien no les haya visto en vivo, no sabe lo que se pierde. Será una gira fantástica, una increíble noche de heavy metal”. PRIMAL FEAR EN ESPAÑA Al recordar que la última vez que estuvo en España fue en el Rock Fest Barcelona, en el que hicieron un gran concierto, agradeció de nuevo las palabras recibidas. “El público español es casi tan cálido como vuestro sol”, señala entre risas. “Para mí es complicado porque me tengo de hidratar constantemente, pero mis compañeros lo pasan peor que han de lidiar con dedos mojados. El del Rock Fest fue un concierto muy especial porque fue el primero con el nuevo batería, y no te voy a mentir, las sensaciones al bajar del escenario fueron buenas. Me alegro de que gustara. La verdad es que el público español, y el latino por lo general, es una maravilla”, prosigue, “tienen una especie de pasión positiva que te inunda y te hace tocar con muchas más ganas. Como alguien que ha actuado frente a audiencias de todo el mundo, puedo decir que cada público es distinto y que cuando estás en un escenario español lo agradeces. Al actuar en la zona escandinava o en la propia Alemania, muchas veces sientes que estás dando un gran concierto pero que la audiencia no está respondiendo, lo que puede hacerte pensar que quizás algo no está saliendo tan bien como pensabas. Después, al bajar del escenario, viene esa misma persona que parecía aburrida o poco entusiasmada a te dice que ha sido el mejor concierto de su vida... cuestiones de cultura”. Había esperanza en algunos de los fans que deseaban que en ese mismo Rock Fest se subiera al escenario con Gamma Ray (que tocaron poco después en el mismo festival) para cantar algunas canciones de su época. “Sin duda habría sido divertido, pero creo que habría sido una falta de respeto para Frank, que está haciendo un gran trabajo”, responde con cautela. “Me llevo genial con Kai, es una 60 | metal hammer

persona encantadora, y si no hemos vuelto a hacer algo juntos ha sido TSVGSR¾MGXSWHIEKIRHERSTSVRMRKYREVIRGMPPETIVWSREP%HIQjWqP ahora está muy ocupado con la reunión de Helloween y Gamma Ray al mismo tiempo, por lo que parece que estamos condenados a no coincidir jamás”. La pregunta ahí se torna a si haría una gira especial con Gamma Ray para celebrar el legado de la banda y su aportación al mismo. Se limitó a reír y a añadir un misterioso: “no hay nada hablado, pero nunca digas nunca”. Volviendo a ‘Metal Commando’, hablamos de si sus trabajos como solista le sirven para hacer composiciones que no encajarían en el formato de Primal Fear, que nunca ha tomado demasiados riesgos con su sonido, a lo que responde con una franqueza increíble: “Al principio es posible que lo viera así, pero lo cierto es que, ya fuera porqué los muchachos de la banda estaban ahí para colaborar conmigo o porque realmente nunca he dejado de hacer lo que me gusta, hay muchas similitudes entre los dos sonidos y por eso creo que mis trabajos han sido tan bien recibidos entre los fans de siempre”. Después comentamos si pondría canciones como “Pain Of The Accused” o “Doomsday” en un álbum de Primal Fear. Volvió a reír como si hubiera dado en el clavo. “Evidentemente, esos son dos temas que no encajarían con lo que solemos hacer en Primal Fear y en su día JYIYRKVERTEWSTEVEQuIWGVMFMVPEW4IWIEXSHSIWSRSWMKRM½GEUYI no queramos hacer algo inesperado de vez en cuando. “Born With A Broken Heart” en su día fue todo un soplo de aire fresco, e incluso “Tears Of Rage” se sale bastante de los esquemas. No creo que sean las baladas dulces que le querrías poner a la chica que te gusta, pero sin duda conservan el poder de Primal Fear en un formato diferente”. EL POWER METAL Y LAS NUEVAS GENERACIONES Hoy en día el power metal está viviendo una suerte de resurrección que se construye a partir de los cimientos que grupos como Primal Fear crearan en su día. Al preguntarle si escucha a alguna de estas nuevas bandas que beben de su legado, Ralf es tan honesto como caótico: “Estoy constantemente escuchando a un montón de bandas nuevas que hacen cosas geniales y dándole una vuelta de tuerca a una fórmula que casi parecía agotada. He de confesar que muchas veces olvido de cómo se llaman, y es una lástima. ¡No es nada personal! ¿Sabes qué pasa? Uno está todo el día escuchando su propia música y se mete en una suerte de burbuja, por lo que, al recibir material de otros grupos, algo tan importante como su nombre o su contacto se pierde en un mar de información. Realmente nunca había pensado que el power metal está viviendo una resurrección porqué claro, para mí siempre ha estado ahí”, añade entre risas. “Lo que sí es innegable es que lo que han conseguido bandas como Sabaton o la propia reunión de Helloween es algo increíble. Es genial, y toda una nueva generación de chavales pueden acceder a unas producciones y a unos espectáculos que jamás olvidarán”. Con la gorra de historiador y después de indagar en lo que fue la escena de metal alemana, que en los ochenta tardíos dio a luz a un estilo que revolucionó no solo a la escena europea, sino al heavy metal, conversamos acerca de ello. “Si te soy sincero, en ningún momento quisimos ni pensábamos que pudiéramos estar haciendo EPKSHMJIVIRXI²I\TPMGE±0E½PSWSJuEUYIXIRuETSVEUYIPIRXSRGIWIW la misma que sigo teniendo ahora, y consiste en hacer lo que quieres hacer de corazón y sin pensar en los demás. Cuando fuerzas algo tu arte se resiente, y en aquel momento solo queríamos ser lo que tocaban más rápido y de forma más hermosa. ¿Lo conseguimos? Bueno, mucha gente te dirá que no”, concluye una vez más entre risas. Al preguntarle qué le gustaría decirles a sus fans españoles antes de terminar, su respuesta es tan sencilla y honesta como lo ha sido a lo largo de toda la entrevista: “Espero que hayáis conservado energías esta cuarentena porque cuándo vayamos a tocar vamos a exigiros hasta la última gota. No puedo esperar para visitaros y embriagarme con vuestra loca e imparable pasión positiva”.

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FOTOS: lolo Después de un período de cambio de baterías, Pitchu Ferraz tomó las baquetas y la banda inició 2013 renovada con nuevas ideas para conquistar el mundo -esta vez, con conciertos junto a Destruction, Ratos de Porão, Exciter y Kreator-. El primer LP llegó en 2014; ‘Victim Of Yourself’ fue lanzado por Napalm Records en Europa y Norteamérica y por otros sellos y distribuidores en Sudamérica, Japón y Rusia. 7MKYMIVSR IP GVSRSKVEQE HI PEW GSQTEyuEW HMWGSKVj½GEW ] HI ese modo Nervosa lanzó tres videos musicales. Uno de ellos, “Into Moshpit”, como una compilación de videos en vivo que demuestra toda la energía de las chicas en un show en vivo. Este álbum produjo un año de grandes actuaciones con espectáculos en 17 estados brasileños, 7 países de América Latina y 51 conciertos en Europa -incluidas actuaciones en algunos de los festivales de verano más grandes como Summer Breeze, Brutal Assault y MetalDays- y llevó a Nervosa a América Central y Norteamérica por primera vez. A medida que pasaron los años, Nervosa creció y exploró cada país y llevó su thrash metal brasileño a la mayor cantidad de salas posible. En 2016, la banda realizó 160 shows para promocionar su segundo álbum: ‘Agony’. En 2017, el trío de thrash incluyó a Luana Dametto (batería) y esta formación consolidó a Nervosa como uno de los grandes nombres del mundo y trajo su tercer álbum ‘Downfall Of Mankind’ y muchos más conciertos (incluido el logro de tocar en Rock In Rio Brasil frente a 70.000 personas y formar parte del Wacken Open Air 2020 -que se ha tenido que trasladar a 2021 por la crisis del Covid-19-). Más que rostros hermosos y talento musical, la banda tenía mucha actitud y expresó eso en sus letras. El disco ‘Downfall Of Mankind’ cuenta con fuertes temas sobre política, crisis sociales y empoderamiento. Tal actitud hizo que la banda ganara una legión de admiradores y algunos haters -que defendían que no había que politizar el metal-. En medio de comentarios como los de estos detractores, Fernanda Lira citó en una entrevista que pude hacerle previamente que “nuestra música es nuestra mayor herramienta de expresión, es la herramienta que tenemos para expresarnos, el arte es una forma de expresión. Siempre he sido una gran fan de una línea de Nina Simone, quien es una de mis divas. Hay una idea en su documental: ‘creo que IWSFPMKEGMzRHIPEVXMWXEVI¾I\MSREVWSFVIPSWXMIQTSWIRUYIZMZMQSW´ y es parte de nuestro arte expresar todo lo que estamos viviendo, por lo que siempre he sido fanática de ese concepto”. A medida que el escenario político brasileño empeoró, la fuerza de las letras de Nervosa se hizo más fuerte, lo que hizo que tocasen en muchos festivales de protesta.

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NERVOSA SE RENUEVA Y NACE CRYPTA Todo iba bien -o así lo parecía-. Nervosa continuó actuando en Brasil, hacía entrevistas para los principales medios y se preparaba para el gran día en Wacken (su mayor sueño). Sin embargo, la crisis global por el coronavirus ha truncado eso -en 2020-. Con la pandemia llegaron las noticias que sacudieron al mundo del metal y especialmente a los fanáticos brasileños: Fernanda y Luana anunciaron que dejarían la formación y, en consecuencia, mucha gente creyeron UYIIWXSWMKRM½GEVuEIP½RHI2IVZSWE9RERSXMGMEUYIVIGEPzIRXSHS el planeta y dejó a todo el mundo atónito sin saber qué pasó y cuál sería el futuro de la banda actual que llevó el nombre de Brasil al mundo después de colosos como Sepultura o Angra. Mucha gente comparó a Nervosa incluso con los mencionados Sepultura, que también anunciaron la partida de su cantante mientras en pleno apogeo de la banda, lo que conmovió a muchos fanáticos. A diferencia de Sepultura, las integrantes de lo que ahora son las antiguas Nervosa garantizan que la separación no fue el resultado de peleas, sino de desgaste. “Pasamos por muchas cosas, de buenas a malas. La diferencia de opinión, no política, porque en esta parte estamos de acuerdo al 100%, y los gustos siempre han sido muy diferentes, pero siempre llegábamos a un consenso o una de las partes cedía. Además del grupo, también había problemas personales y llega un momento en que todo se mezcla y acumula, lo cual es normal y siempre sucede”, declaró Prika en una entrevista. Una banda es una familia, y es normal tener desacuerdos o que llegue un momento en que las ideas no coinciden y es necesario crear otros proyectos. El deseo era crear una nueva formación y pasear por otros estilos musicales. Días después del anuncio de su partida, Fernanda Lira y Luana Dametto anunciaron la nueva banda: Crypta. Un grupo de old school death metal que se construyó hace unos meses de manera paralela a Nervosa. Dejaron muy claro, una vez más, que la separación no fue motivada por peleas, sino por la búsqueda del desarrollo nuevos proyectos y tener más libertad para exponer ideas, como declaró Luana Dametto: “Estoy muy agradecida por todo lo que logré con el grupo y por haber cumplido muchos de mis sueños por primera vez. Contribuí musicalmente y como diseñadora a la banda, y estoy muy orgullosa de 64 | metal hammer

haber sido parte de ella. Mi historia con Nervosa siempre estará allí en los trabajos que dejé, así como una inmensa gratitud”. Fernanda Lira también comentó sobre su partida que “las cosas no iban bien. El desgaste era muy evidente dentro de Nervosa y mi decisión no se tomó de la noche a la mañana. Las tres sabíamos que podía pasar. No hubo pelea, pero era una situación que molestaba”. Luana también habló un poco sobre Crypta, que cuenta con la guitarrista Sonia Anubis (ex Burning Witches). “Siempre quise tener otra banda de death metal para poder poner algunas líneas de batería que siempre quise practicar y tener libertad para exponer riffs también. Fernanda siempre lo supo, así que decidimos comenzar juntas, solo como un proyecto, pero gradualmente construimos algo que sería satisfactorio para ambas y con lo que podríamos crecer musicalmente en más direcciones. Siempre admiramos mucho a Sonia Nusselder, y ella terminó siendo nuestra amiga también, así que no teníamos dudas de que disfrutaría haciendo esto con nosotros. Pensamos en abrir una selección para encontrar al otra guitarrista, pero hay grandes artistas en Brasil, y Tainá era una de ellas (incluso nos envió un mensaje preguntando si había un lugar para otro guitarrista, y por supuesto que sí). Sucedió porque tenía que suceder y todas las componentes están más contentas con sus nuevos caminos: ahora el mundo tiene dos grandes bandas femeninas. Crypta traerá un death metal muy pesado de la vieja escuela. La banda aún no ha lanzado material, pero prometen hacerlo pronto, porque debido a la pandemia de Covid-19 no es posible lanzar nada de inmediato. Eso sí, garantizan que cuando todo se normalice volverán al escenario y harán todo lo posible. EL FUTURO DE NERVOSA Al igual que Sepultura, Nervosa no se ha disuelto. Para nada. Prika Amaral, fundadora, anunció al día siguiente que no lo dejaban. Dicho y hecho, una semana después Prika anunció a las chicas que unirán fuerzas con Nervosa: la vocalista Diva Satánica (Bloodhunter), la bajista Mia Wallace (Abbath & Triumph Of Death) y la batería Eleni Nota (Mask Of Prospero y Croque Madame). Este anuncio fue una bofetada para los haters y los críticos que se han dedicado a hacer comentarios machistas y desagradables sobre Nervosa. El grupo ahora es un

proyecto internacional. Chicas de diferentes nacionalidades que dan un aire innovador y renovado a la banda. Nombres poco conocidos en todo el mundo pero con un talento que se suma al nombre de Nervosa para crear una nueva fase y hacer que la formación logre vuelos más grandes de lo que ya habían estado alcanzando. Las nuevas chicas seguramente querrán dejar su legado en Nervosa, aunque todo depende de Prika -que tiene el poder absoluto del proyecto-, pero ya ha demostrado de lo que es capaz y que puede llevar el nombre de su banda a lo grande. Mia Wallace dijo recientemente que siempre quiso ser parte de una banda de chicas: “No es ‘ser parte de una banda brasileña’, sino ser parte de una banda increíble que lleva un mensaje importante. Durante mi carrera a menudo he experimentado los llamados ‘promotores del metal femenino’, artistas que usaron este mensaje para verse ‘guays’ en revistas o entrevistas, pero en la vida real actúan como el peor misógino de todos los tiempos. Ahora tengo la oportunidad de estar rodeada de mujeres fuertes y hacer música con ellas. ¿Hay algo mejor?”. Mia se ha topado con banda que siempre ha levantado la bandera de empoderamiento y que, además de la música, tiene el mismo ideal para acabar con los prejuicios. “La canción ‘Kill The Silence’, por ejemplo, habla sobre la reacción al abuso, la violencia contra las mujeres, y el mensaje dice ‘acaba con el silencio’, ‘reacciona’, ‘no lo aceptes más’... Estoy totalmente de acuerdo con esto; también fui víctima de eso en el pasado, así que veo a Nervosa y su mensaje como un canal para gritar sobre lo que me pasó a mí también”, concluye Mia. 2IVZSWE WI QERXMIRI ½VQI con este concepto, pero también mantendrá otras características como dijo Prika: “Nervosa nació, creció y siempre será de Brasil. Todos lo saben. Y muestra lo que es el país: la mezcla de todas las etnias. La banda ahora representa eso, cuatro chicas de diferentes culturas. Primero han de entender qué es Nervosa y cómo funciona. Al principio estoy tomando la iniciativa en todo para trabajar juntos con la esencia de la banda”. Sobre este tema, muchos grupos que cambian de vocalista -que en la mayoría de los casos es la esencia y la cara visible- terminan perdiendo un poco de identidad. No obstante, sin comparaciones, ¿podemos pensar que esto puede suceder en Nervosa? La elegida para asumir esta posición es Diva Satánica desde España, dueña de una voz poderosa que se asemeja a la de la ex cantante, Fernanda Lira. Diva abrió algunos shows de Nervosa con su banda Bloodhunter y, por supuesto, tuvo la oportunidad de mostrar su talento, lo que puede haber hecho que haya resultado más fácil haber sido la escogida. Actualmente, Diva está ensayando y trabajando para ofrecer una voz diferente y única para Nervosa sin que suene completamente igual a lo ya existente y nos ha confesado que este puede ser un paso decisivo WM XSHS ZE FMIR IR IP UYI TSV ½R TYIHE HIGERXEVWI TSV PE QWMGE como su medio de vida (con las consecuencias que ello conlleva).

Las expectativas son las mejores, Prika dejó muy claro que la elección de la alineación no podría haber sido mejor y que está muy GSRXIRXE GSR PE VITIVGYWMzR WTIV TSWMXMZE HI PSW E½GMSREHSW ] PE prensa. Diva Satánica ya ha anunciado que están trabajando en un nuevo disco. Todas las nuevas componentes muestran la satisfacción y la voluntad de dar lo mejor -especialmente con el público brasileño-. Estas chicas están haciendo lo mejor que pueden con mucha determinación para hacer que las cosas sucedan y abrir muchos caminos. Continúa donde lo dejó Nervosa y comienza a escribir una nueva historia, pero sin olvidar todo el legado que la banda ya ha logrado. Quiero terminar este artículo con la certeza de que XIRHVIQSWHSWKVERHIWFERHEWHIQIXEPGSRQYNIVIW)P½REPHIIWXE etapa ha sido triste, pero no ha sido una resta, sino una multiplicación de talentos y de determinación de estas chicas. Esperaremos sus nuevos trabajos, y para terminar dejo una frase que Fernanda Lira me dijo una vez (un mensaje para todas las mujeres): “que le den por culo a todos y haced lo que os de la gana”. metal hammer | 65

AMARANTHE LISTENING SESSION

Los tiempos cambian y un hecho tan importante como es una pandemia que afecta al mundo a nivel global conlleva que 4-E-9;05ŋ/-/5;:1?1:<>;/1?;?=A14-?@-A:9;91:@;0-0;?519<>14-.«-:?50;01A:-9-:1>-?@;?1@>-?8-0±-8- 1?/A/4-<->-8;?9105;?018:A1B;05?/;019->-:@41 18/A-8@AB59;?=A1/;:;/1>-@>-B§?01A:-?1?5±:01?@>1-95:3 en la que participamos unos pocos miembros de los medios más relevantes de cada país. TEXTO: DANI BUENO Este proceso lo suelen llevar a cabo mandando a las personas TIVXMRIRXIW E YRE HI PEW WIHIW HI PEW HMWGSKVj½GEW S E YR PYKEV IR particular que se escoge en especial para potenciar la atmósfera que la banda quiere transmitir con su lanzamiento, pero para esta publicación la opción se tradujo en la entrada en una sala de conferencias en la cual primero se escucharía el álbum y después se pasaría a una ronda de preguntas con los miembros de Amaranthe. El sistema, a pesar de que no es algo que sea precisamente novedoso respecto a la tecnología hoy día y distintos procesos que se llevan a cabo en áreas de diversa índole para acciones que requieren un procedimiento similar, no terminó de funcionar del todo bien. Todos los periodistas reunidos en esa GSRJIVIRGMEXIRuEQSW½NEHEPELSVE]IP día desde hacía tiempo y contábamos con los códigos pertinentes para entrar en la presentación, pero hubo que esperar hasta 15 minutos a que todos pudieran estar dentro de la plataforma escogida para este evento virtual ya que no funcionaban en varios casos. La interfaz de la web que alojaba esta escucha del disco y ronda de preguntas estaba totalmente adecuada al concepto que rodea ‘Manifest’, título que tendrá el primer LP de Amaranthe de la mano de Nuclear Blast Records. La portada, que se puede ver aquí y de la que dijeron más adelante que quería VI¾INEVPEPY^UYIMPYQMREYRQYRHSHISWGYVMHEHTVIWMHuEPEIWXqXMGE del emplazamiento web escogido, y con ella de fondo era con la que empezó a sonar el álbum una vez estábamos todos listos. Antes de entrar en materia de cómo es ‘Manifest’ y lo que los miembros del grupo escandinavo declararon, es reseñable que la esencia de este tipo de eventos cuando se materializan de forma

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presencial se perdió completamente. Esos momentos en los que ves cómo los componentes de un grupo están emocionados, nerviosos y bromean entre ellos al estar pendientes de la primera reproducción a gente ajena a la banda de su trabajo y la incertidumbre ante su opinión no estuvo presente. Tampoco lo estuvo esa conexión que los periodistas podemos llegar a entablar con los artistas. Cuando estas cara a cara, el vínculo se incrementa y hace que -además de ese feedback directo- se comenten aspectos que en una reunión de esta clase, sin ese contacto personal, se pierdan totalmente. Una “pena” que haya tenido que realizarse de este modo, pero la salud es lo primero y con una pandemia como el coronavirus (que también ha pospuesto la salida al mercado de ‘Manifest’ de agosto a otoño de 2020), así que es lo que hay. ³1%2-*)78´ 03 29):3 () AMARANTHE 4SVHIWKVEGMETEVEPSWE½GMSREHSW IPHIEKSWXSRSWIVj½REPQIRXIPE fecha del lanzamiento de ‘Manifest’, día inicial que tenía previsto la banda ] WY HMWGSKVj½GE TEVE WEGEV E PE PY^ el que se podría decir sin miedo que es el mejor álbum que ha compuesto Amaranthe hasta el momento. Esa caña que muchos de los reticentes a la banda solicitaban para que dieran el siguiente paso ha llegado en este trabajo, y es que es el disco más metálico que ha creado el grupo en su trayectoria. El éxito de temas como “Drop Dead Cynical” o “Digital World”, por mencionar dos de los que mejor acogida tuvieron anteriormente, ha marcado la línea que ha seguido ‘Manifest’, un LP con temas muy potentes. La canción que abre ‘Manifest’, “Fearless”, es una muestra de estas intenciones y cuenta en todo momento con un ritmo incesante que te lleva a lo largo del tema que culmina en un estribillo

qTMGS 'SQS HMNIVSR HIWTYqW PE KMVE GSR 7EFEXSR PIW LE MR¾YMHS E la hora de componer y eso se traduce en fragmentos de su nuevo trabajo como en este. En este aspecto, la banda ha actuado de manera inteligente respecto a sus intenciones, y es que han cogido estructuras que funcionan para aplicarlas y hacer que sus temas tengan más gancho. Cuando sacas un disco plagado de ambición por crecer, las fórmulas que han salido bien siempre son una ayuda inevitable. “Make It Better” baja las revoluciones pero ejerce una contundencia mayor. Por hacer un símil, como el sonido que trajo el disco homónimo de Metallica después de los ’80. La combinación de las voces también está escogida a la perfección, y es que cuando quieren que una destaque, Elize Ryd es quien, como cara más visible -a pesar de ser tres vocalistas- toma protagonismo. Ella es quien desata su garra en primer lugar para que después se le unan sus compañeros en “Scream My Name”, donde vuelven a imprimir agresividad en las estrofas para darle el toque de melodía en el estribillo. “Viral” fue compuesta durante la pandemia y también es un buen ejemplo para otro de los movimientos que han querido hacer GSR³1ERMJIWX´PEMHIRXM½GEGMzRHIPTFPMGSGSRWYWPIXVEWEPKSUYIIR qTSGE HI GSR½REQMIRXS TSV YR ZMVYW KPSFEP HSRHI RS WSR FYIRSW momentos para la inmensa mayoría es más “fácil” de conseguir. La contundencia se une en esta ocasión al juego con la electrónica, muy importante en la música de Amaranthe. “Adrenaline” es otra muestra de velocidad en las estrofas para una parte más cantable en el estribillo con el toque femenino de Elize. “Strong” continúa y permite ver más tesituras tanto gracias a Elize como a la colaboración de Noora Louhimo, cantante de Battle Beast. El comienzo de “The Game” está lleno de energía y, en esta ocasión, las voces limpias tienen más protagonismo en la parte más veloz de las estrofas (a pesar de que van acompañadas de guturales). El momento clave del álbum llega con las dos piezas siguientes: “Crystalline” es la balada de ‘Manifest’ y en ella colaboran además Perttu de Apocalyptica al violonchelo y Elias de Dragonland (otra banda de Olof, el verdadero cerebro detrás de Amarante). La epicidad de las voces se ve engrandecida por una base instrumental que la hace muy emocionante. A esta le sucede “Archangel”, llamada a ser uno de los hits principales del disco. Con un aire a Rammstein en cuanto a la potencia que transmite, es probablemente la más destacada de ‘Manifest’. De hecho, su estructura puede recordar incluso a la de “Du Hast”, por escoger un ejemplo, y es bien sabido que este gran éxito de los alemanes ha trascendido fronteras. El aire de metal más moderno llega en “BOOM!1”, que tiene esos alardes de metalcore tan comunes (con sus correspondientes breakdowns y demás) y poco originales por su masividad actuales pero que también tiene sus momentos curiosos como la aparición de Heidi Shepherd de Butcher Babies. En la penúltima “Die And Wake Up”, la melodía de Elize transmite un estilo oriental que se fusiona con ese toque pop que siempre ha caracterizado a Amaranthe. No reprodujeron la última “Do Or Die” porque ya salió publicada anteriormente con la colaboración de su manager -la ex cantante de

Arch Enemy Angela Gossow- y del también miembro de Arch Enemy Jeff Loomis, y en ella solo cambiará que su parte la harán los otros dos vocalistas: Henrik y Nils. LA RUEDA DE PRENSA VIRTUAL En cuanto acabó de reproducirse el disco comenzó una rueda de prensa virtual en la que los cinco componentes de Amaranthe estaban sentados en disposición para responder nuestras preguntas. Estas cuestiones que planteábamos se las transmitía un presentador que escogieron, quien fue guiando los mensajes que íbamos dejando los medios conectados. Cabe señalar que era un poco confuso el funcionamiento de la zona de preguntas ya que no era posible visualizar todo correctamente y algunas preguntas se quedaron en el tintero, pero como “experimento” en este ambiente, en la práctica salió medianamente bien. La intervención sirvió para que quedara plasmado el cambio de chip que han tenido gracias a su última gira. Al tocar en recintos más grandes, han podido ver qué funcionaba con el público y qué no y lo han aplicado a sus composiciones para lo que denominaron que era “un nuevo capítulo en el libro de Amaranthe” y “un renacimiento”. Se acaban de unir a Nuclear Blast y han consolidado su equipo de trabajo con su management y el resto de su crew, y esto ha provocado que en el seno de la formación haya un incremento de energía que les ha llevado a estar, como confesaron, “en el momento más cómodo y relajado” de su carrera como grupo desde que esto sucedió en 2019 (y también a nivel personal). 4EVEIWXIHMWGSE½VQEVSRUYIUYIVuERWSREVGSRQjWJYIV^E]UYI buscaron perder esa faceta que quizás habían podido perder. Como WI VI¾INE IR PE HIWGVMTGMzR VIEPM^EHE HIP HMWGS PS LER GSRWIKYMHS ] es que explicaron que es su disco más agresivo y que la positividad que tenían era superior a la del anterior lanzamiento. Tenían cerca de 20 canciones compuestas, por lo que tenían más opciones, para incluir en este ‘Manifest’, y es que tuvieron tiempo para componer con la pandemia, que les permitió darle una vuelta más de tuerca ya que les pilló en el estudio de grabación, y la gran diferencia en cuanto a anteriores discos es que en este el tiempo no ha ejercido presión sobre ellos por la situación en la que se encontraban y han estado más cómodos. En ese proceso, la composición de las voces ha tenido un especial valor, y es que con la formación actualizada de tres cantantes han querido desarrollar las tesituras de cada uno y las líneas vocales están elaboradas especialmente para los registros y maneras de cantar de Elize, Nils y Henrik. La combinación de sus voces fue compleja como admitieron, pero a la vez fantástico por el resultado obtenido. Las colaboraciones han sido la guinda para un disco con el que Amaranthe pretende dar el salto en esa escalada eterna de los artistas de crecimiento en la escena. Lo que está claro es que lo que querían conseguir a nivel musical con el disco lo han logrado, solo queda ver lo que le parece a la gente cuando se publique.

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steve hackett &%&  % TEXTO: MARC FERNÁNDEZ

8:;9.>101%@1B1-/71@@?A?/5@-9A/4-?/;?-?1:@>18;?2-:?018<>;3>1?5B;A1A:<5;:1>; indómito, sigue siendo una fuerza incansable, y hoy por hoy es el guardián de un legado que de :;?1><;>§84-.>«-<;050;/-1>1:18;8B50;A:=A1-8/-:F±18!859<;/;:1:1?5? :A:/-?1 5:95?/AE±1:8-§<;/-9Ÿ?/;91>/5-80183>A<;E2A1A:ŋ>910121:?;>018-01?<-9<-:-:@1 experimentación y del mimo al detalle que le dieron identidad a la banda británica en sus primeros años. Es la viva imagen del músico que vive para su arte, un caballero errante del >;/7<>;3>1?5B; E-A:/;:18ŋ:0189A:0;01?@>AE1:0;8-5:0A?@>5- ?A91:@1?53A135>-:0; alrededor de nueva y mejor música. A pesar de estos tiempos de cuarentena no hay fuerza en el universo que impida que Steve Hackett haga nueva música.“Yo siempre estoy trabajando, me da una sensación inmensa de felicidad y de paz, por lo que de algún modo creo que dedicarme a mi música en esta cuarentena, es una forma de apreciar las cosas buenas en días oscuros, aunque estrictamente no haya estado grabando todo el rato”, dice con su habitual sencillez y honestidad. “Para mí ha sido un tiempo muy productivo. He estado trabajando en nada menos que en dos álbumes: uno acústico y uno de rock. Además estoy tratando de contactar con una buen orquesta en Inglaterra que pueda dirigir algunos conciertos muy especiales”. Pero no todo es bueno, ya que esta crisis le pilló en medio de una gira. “Estábamos en la carretera y de repente todas las salas de conciertos en las que íbamos a actuar estaban cerradas”, señala. “No me resultó muy difícil volver a casa, pero resulta que el avión que cogí en Philadephia con mi esposa fue el último que voló hacia Inglaterra, ya 68 | metal hammer

que después todo estuvo cerrado dos meses. No me habría gustado quedarme atrapado dos meses lejos de casa”. Salta a la vista que tiene ganas de volver a la carretera tan pronto la situación se normalice y así pueda mostrar todo este trabajo al que ha estado dando forma de cuarentena. Cuando le preguntamos por sus planes para lo que queda de 2020, la respuesta es clara y poco sorprendente: “pienso WIKYMVXVEFENERHSHYVS]ETPMGEVXSHSHIPSUYIQIIWXS]MR¾Y]IRHS en mis nuevas composiciones. Al menos mientras este virus nos tenga encerrados.. Habitualmente grabo muchos temas de golpe, y si siento que tienen coherencia entre sí doy el álbum por completo. He estado hablando mucho sobre este tema con Chris Squire, que tiene una forma muy curiosa de trabajar. Siempre me dice que con Yes se propone trabajar en cierto número de secciones cada día, luego las graba, las edita y las añade a los embriones de las canciones que luego compondrán el álbum”.

de llegar es totalmente diferente, bajo ningún concepto una invalida a PESXVE4IVWSREPQIRXITVI½IVSLEGIVQWMGEMRQSVXEP%HuEHILS] puedes escuchar a Bach o a Miles Davis y su música sigue siendo tan impactante como lo fue en el momento en que la crearon, y eso es algo que yo siempre he valorado más que tener un single en lo más alto de un ranking”. Tony Banks le dijo que estaba manteniendo vivo el legado de la banda, aunque el mismo Steve considera que sus ex compañeros están YRTSGSWSFVIGYEPM½GEHSWTEVEWIVIWXVIPPEWHIPTST±,IXIRMHSXVIW singles en mi vida: uno con Genesis, uno como solista y uno con GTR”, comenta sobre su amor por las canciones épicas y progresivas -motivo por el cual ha revisitado el fantástico ‘Selling England By The Pound’-. “Es mi álbum favorito de Genesis, así que estaba muy ilusionado. Hemos grabado el concierto en Hammersmith de esta gira, que saldrá más adelante en 2020 (no te sabría decir cuándo). Es un disco fantástico, sencillamente brillante, y considero que es el mejor álbum en directo que he hecho en toda mi carrera. Hemos llamado a Steven Wilson para que pula la producción, lo que hace que tenga grandes esperanzas”. Acerca de un posible reencuentro con sus ex compañeros comenta que “hay que tener en cuenta que la reunión se anunció dos meses después de que yo cerrará mi calendario con la gira en la que interpreto el ‘Seconds Out’, por lo que creo que nunca hubo ninguna intención de incluirme en sus planes. Por supuesto, somos todos amigos, y de hecho en julio publicaré una autobiografía que contiene mucho sobre Genesis, tiene Genesis en la portada y habla mucho de los muchachos. Básicamente, yo estoy muy abierto ha esta posibilidad. %YRUYI S½GMEPQIRXI EFERHSREVE PE FERHE IR GMIVXS EWTIGXS RYRGE me fui de verdad, ya que estamos constantemente colaborando y ayudándonos como hacíamos cuándo estábamos juntos. Pese a todo, hoy por hoy no hay una oferta más allá de los lazos de amistad que nos unen, y nadie sabe en qué dirección irá su carrera musical, pero ahora mismo está totalmente separada de la mía. EL FUTURO DE HACKETT Abandonando brevemente la nostalgia e indagando sobre su próximo lanzamiento, la charla se vuelca más aún en el directo en Hammersmith que se grabó en 2019. “Lo que me hizo querer grabar este concierto fue principalmente la calidad compositiva del material. La gente tiende a olvidar lo importante que es la calidad de una canción para que funcione bien en directo, y creo que en Hammersmith la ejecución fue intachable. Teniendo en cuenta lo mucho que me gusta ‘Selling England By The Pound’, podría decirte que disfruté todo el set, pero la verdad es que sí que hubo un tema que me hizo especial ilusión, y este es ‘Déjà Vu’. Es una canción que escribí con Peter Gabriel durante las sesiones HIP³7IPPMRK´ TIVS UYI ½REPQIRXI WI UYIHz JYIVE HIP jPFYQ EPKS UYI siempre me ha parecido una lástima, y poder rescatarla e interpretarla en directo fue algo fantástico y funcionó muy bien con el público. Fue un momento muy hermoso.Tiene un elemento progresivo en ella, está claro, pero también muy operístico, y es un auténtico testimonio de lo que esa era fue para nosotros”. LA IMPORTANCIA DE GENESIS Por supuesto, que Genesis apareciera en la conversación era inevitable, y quisimos saber si alguna vez ha sentido la tentación de centrarse solo en su etapa en la formación o en su era como solista. “Cuando volví a tocar material de Genesis, estuve un tiempo tocando solo canciones de esa época, con quizás uno o dos temas míos en el set, que en todo caso eran la excepción. Hoy por hoy la primera mitad del concierto está compuesta por mi material de solista, y la segunda es de Genesis. En esta gira he estado tocando entero el ‘Selling England By The Pound’, y mis planes para 2020 eran interpretar íntegramente el ‘Seconds Out’. Sí, dejé la banda en el ’77, pero de algún modo me siento como el custodio de ciertas canciones de la época en que la banda estaba más inspirada”. No sería la última vez en que el guitarrista distinguirá las dos etapas de la banda. “Recuerdo que en 1973 John Lennon dijo que Genesis era una de las bandas que más escuchaba, justo cuando estábamos escribiendo lo que sería ‘Selling England By The Pound’. Creo que no hay mejor forma de distinguir los dos Genesis: primero hubo la banda que le gustaba a John Lennon y luego otra que le gustaba a la MTV, la que no dejaba de hacer singles”. 7MR IQFEVKS WI ETYVE IR QEXM^EV UYI±HI½RMXMZEQIRXI WSR HSW épocas diferentes para el grupo, y aunque la audiencia a la que tratan

Cuándo le preguntamos cómo consigue que su música alcance esta inmortalidad de la que tanto hablamos, su respuesta es sencilla. “El secreto está en ser uno mismo, en no pensar en qué debes tocar para obtener un éxito masivo y hacer lo que de verdad deseas. Luego por supuesto está el mimo con el que todo fue compuesto, con una obsesiva atención al detalle. Pura técnica no sirve de nada sin pasión. Si le falta eso, una canción estará siempre vacía, como si no tuviera alma.” Otra pregunta importante era si considera que sus últimos temas han alcanzado esta meta: si podrían estar en cualquiera de los trabajos más famosos de Genesis. “No sería algo descabellado, la verdad”, observa con ciertas reservas. “Recuerdo que una vez Chris Squire escuchó el material que estaba componiendo y me ofreció tocar con Yes puesto que lo que estaba haciendo encajaba mucho con ellos. Sin embargo, estaba muy ocupado revisitando Genesis y colaborando con él en mi trabajo como solista. Especialmente canciones como “Under The Eye Of The Sun” habrían acabado muy MR¾YIRGMEHEW TSV IWI IWXMPS XER RMGS UYI XMIRI=IW=E WEFIW FENSW galopantes y ciertas armonías muy melódicas y energéticas. Quizás canciones así podrían haber colado como una canción de Yes o como YREHI+IRIWMWTIVSEP½REPRSLE]JSVQEHIWEFIVPS5YMIVSTIRWEV que estoy haciendo algo diferente. 0EIRXVIZMWXEPPIKzEWY½RGSREPKYMIRPPEQERHSEWYTYIVXETEVE empezar a componer, así que nos despedimos de Steve, quien terminó con la promesa de que los fans españoles sabrán de él muy pronto. metal hammer | 69

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-.5@A-891:@1 8;?3>A<;?01B1>?5;:1?:;?A181:3;F->01895?9;>1?<1@;=A1-=A188;?=A1 crean su propia música, aunque existen casos excepcionales, como el de la superbanda BPMD. 8-9;><;>8;?p[TE8-?3-:-?01;05?2>A@14-:A:50;1:1?@1<>;E1/@;-571";>@:;E "458 Demmel, Mark Menghi y Bobby Blitz. Charlamos con este último, sobre el origen del proyecto y la adaptación de grandes canciones americanas, que en algunos casos nunca llegaron a ser tan populares al otro lado del charco. TEXTO: MIKEL YARZA Sois artistas experimentados en bandas y contextos HMJIVIRXIWYRMHSWTSVPEQWMGEHIPSWEySW´¡'zQS ha sido la experiencia de revisitar la música de aquella época? Es la época en la que crecí, el tiempo en el que pasé a ser adulto. Era adolescente en los ’70 y estuve expuesto a esta música desde el momento de su publicación, por lo que para mí es bastante nostálgico, todo lo que tengo que hacer es transportarme de 2020 a 1973 y recordar que cantaba estos temas en la ducha, en casa de mis amigos, en la furgoneta... ha sido una gran experiencia, sobre todo el hecho HIYRMVRSWTSVTYVEHMZIVWMzR%½RHIGYIRXEWIWEIWPEVE^zRTSV la que Mike Portnoy, Mark Menghi, Phil Demmel y yo comenzamos originalmente en la música, queríamos disfrutar y esta grabación recoge el material con el que cada uno de nosotros inició el camino en el que nos encontramos hoy en día. ¿Cómo seleccionasteis las canciones para el disco? Todo comenzó en el jardín de Mark Menghi, “Saturday Night Special” de Lynyrd Skynyrd sonaba en el equipo de música mientras tomaba una cerveza y preparaba hamburguesas para su hijo de ocho años. Este le sugirió que debería versionar la canción, a lo cual Menghi respondió que The Metal Allegiance no hace rock clásico. Pero después se dieron cuenta de que podía funcionar en otro proyecto y Mark me llamó de inmediato. Accedí y comenzamos a dar forma a la idea de hacer un disco, cada miembro debería seleccionar dos canciones americanas, publicadas en los ’70 y nadie podría vetar la selección de otro miembro. Pensamos que estas eran normas divertidas a las que ceñirse y se convirtió en una especie de reto. Por ejemplo, Phil Demmel escogió “Tattoo Vampire” y “D.O.A.”, es decir, Blue Öyster Cult y Van Halen, temas y bandas que conozco pero nunca había cantado. Se trató de sacar lo mejor de nosotros para hacerlo realidad. ,jFPERSWWSFVIXYWIPIGGMzRTIVWSREP¡UYqWMKRM½GEHS esconde? Mi primera elección fue “Never In My Life” de Mountain. Creo que hacer una versión de este tipo es una acción más profunda, esta música no fue popularizada por la radio en Estados Unidos ni en ningún otro lado, era casi underground y es por ello que la escogí. El segundo tema es “Evil”, publicado por Cactus pero que fue compuesto originalmente por Willie Dixon en los años ’50. Me encanta el espíritu tan enérgico que tiene, ese estilo que se aproxima a la forma moderna de presentar música. En realidad es una canción de blues reimaginada y pensé que IPINIVGMGMSHIGSKIVEPKS]EQSHM½GEHS]ZSPZIVEMQEKMREVPSIR sería un reto interesante. )\TPuGERSWIPVSPHI³4SPMGuEHIP+VSSZI´UYI1IRKLM tomó para asegurar la coherencia a través de todo el disco. 5YMWSEWIKYVEVWIHIUYIPEWGERGMSRIWIVER½IPIWEPIWTuVMXYHI los ’70 y que cada músico no fuera por un camino diferente. No me di cuenta de ello hasta bien avanzado el proceso, pero su papel YRM½GEHSVJYIJYRHEQIRXEP%½RHIGYIRXEWRSWSQSWYREFERHEUYI ha ensayado una y otra vez hasta el punto de desarrollar esa química que te hace saber cómo piensan tus compañeros. Anteriormente, habíamos tocado juntos en The Metal Allegiance, pero no era una conexión tan profunda como la que, por ejemplo, tengo con D.D.Verni en Overkill. En este caso, buenas voces, baterías y guitarras no serían WY½GMIRXI]WEFuEUYIXIRHVuEQSWUYIGSR½EVIRIPJEGXSV<TEVEUYI el álbum se hiciera realidad. Menghi acabó siendo ese factor X. De algún modo, viajó en el tiempo a los ’70 y se convirtió en un bajista de aquella época. Lo conectó todo con sus líneas cabalgantes, en la mezcla el bajo está tan presente como el resto, acentuando el groove que Portnoy estableció. Es un gran logro y creo que ha sido el músico más valioso a la hora de plasmar el espíritu del disco. La gloria del rock and roll parece algo del pasado. ¿Es este álbum un mero ejercicio de nostalgia? Sin duda, es un homenaje a la nostalgia. Pero creo que el hecho de presentar las versiones en la actualidad le da al disco un toque diferente. Si miramos al pasado desde el punto en el que nos encontramos, nos daremos cuenta de que todo forma parte de la misma cadena. Esa

FOTO: SCOTT DIUSSA cadena comienza mucho antes que los ’70, por ejemplo, en los grandes músicos de blues de Chicago. Después la cadena se va haciendo más y más fuerte. Heavy, thrash, death, black, metalcore... todo esta enlazado, aunque a algunas personas eso no les guste. Debemos conocer nuestro pasado para saber a dónde vamos y no digo esto como algo meramente instructivo, sino como un testimonio a la verdad. Si eres capaz de reconocer por dónde han pasado aquellos que te preceden, entenderás mejor dónde estás tú mismo. Por tanto, creo que es algo más que mera nostalgia, es una manifestación de la verdad. ¿Es este un disco puntual o deja la puerta abierta a futuras colaboraciones? (INE PE TYIVXE QY] EFMIVXE E ½R HI GYIRXEW IWE IW PE VE^zR HI ser de este disco. Cuando estábamos seleccionando canciones propuse “All Well” de Fleetwood Mac, un tema con un gran riff, voces y ambiente fascinantes, incluso Tom Petty and the Heartbreakers la versionaron y llevaron en directo al teatro, de forma fantástica. Menghi y Portnoy me recordaron que las bandas inglesas no valían y entonces respondí que podríamos hacer otro disco, “Reino Unido en los ’70”. Todos nos reímos y nos pareció una gran idea. Este primer disco ha sido tan espontáneo que para cuando lo acabamos ya estábamos hablando de hacer un segundo. Las versiones de BPMD se acercan más al espíritu de Overkill que a Dream Theater o Machine Head, ¿es esto parte de algo más amplio en tu actual dirección creativa donde las canciones de mayor extensión también han desaparecido? Es cierto que Overkill tiene elementos de lo que escuchamos en este disco de versiones y probablemente los hayamos utilizado más en los dos discos posteriores a ‘The Electric Age’. Las melodías y fraseos de las canciones con las que crecí siempre han estado en mi caja de herramientas y creo que eso es lo que ha hecho de Overkill una banda diferente a la mayoría del thrash metal. No sé si nuestro próximo disco será tan directo o no, estamos trabajando en ello en estos mismos instantes. Lo fascinante de hacer un disco de Overkill o MRGPYWSHI&41(IWZIVPSHIWHIIPI\XIVMSV½NEVXIIRIWIQSQIRXSIR el que la gente comienza a aportar ideas sin debatir sobre la dirección que deberían tomar. Desde el momento en el que digo a alguien qué es lo que quiero que haga, la estoy encasillando. La forma de expresión más verdadera se produce cuando haces lo que de verdad te apetece. D. D. Verni ya tiene entre manos nueve canciones para vuestro próximo disco. ¿Qué forma está tomando? No soy objetivo, ya que soy parte de ello. Es difícil mirar a algo que amas y decir que todavía le faltan cosas, pero ahora estamos exactamente en ese punto. En cuanto a los matices que percibo, diría que hay más medios tempos, los temas también tienen un enfoque más heavy, aunque esto último no va en términos de velocidad. Por supuesto, hay algunas cosas rápidas y también algunas de blues. Creo que es una mezcla entre los últimos discos y aquellos que hicimos a ½REPIWHIPSW´]GSQMIR^SWHIPSW´0EGPEZIIWXjIRLEGIVUYIPE mezcla funcione y presentarla con una nueva cara en 2021. ¿Qué diferencias prevés en la industria musical posterior al coronavirus? Estoy seguro de que habrá una nueva normalidad y tendremos que adaptarnos a ella, pero somos seres humanos y eso es precisamente lo que se nos da bien. Puede ser desgarrador para la gente que ha perdido a sus seres queridos y debilitador para muchos de los que nos encontramos en cuarentena en los grandes focos, como Nueva York. Estamos viviendo un tiempo histórico sin precedentes en la edad moderna, pero confío en que la excelencia es lo que prevalecerá. Lo que marca a las personas no son los eventos, sino el modo en el que reaccionan ante ellos. Personalmente, llevo meses solo en mi casa. Salgo con mi máscara, compro algunas cervezas cuando sé que vamos a jugar una partida de hockey en la televisión, hago hamburguesas, escribo música... y pienso mucho. Pienso en que quizás sea el momento de reinventarme y que mucha gente por todo el TPERIXEIWXEVjVI¾I\MSRERHSIRPEQMWQEPuRIE7MWEGEQSWIPQj\MQS provecho a este tiempo, la excelencia prevalecerá y espero que eso se traslade también a la industria musical. metal hammer | 71

HAKEN '&’ ($'%

-71: ?1 1:/;:@>-.- 1: <81:- 35>- :;>@1-91>5/-:- /;: 1B5: &;C:?1:0  /A-:0; 18 coronavirus les obligó a echar el freno. Pero, lejos de parar en seco, la formación británica ha escrito un nuevo episodio de su odisea progresiva. El sexteto publica su nuevo álbum o(5>A?p =A1B51:1-/;9<81@->18/-95:;5:5/5-0;<;>?A-:@1>5;>@>-.-6; o(1/@;>p-.8-9;? /;:$5/4->01:?4-88 3A5@->>5?@-E<>5:/5<-8/;9<;?5@;>018-.-:0- TEXTO: MIKEL YARZA ¿Cómo surgió y evolucionó la idea de realizar un disco doble? Cuando en 2018 comenzamos a escribir ‘Vector’ éramos conscientes de que formaría parte de un disco doble, que un trabajo posterior le daría continuación. Fue algo que decidimos desde el principio, al igual que los nombres ‘Vector’ y ‘Virus’. Mientras escribíamos ‘Vector’, fuimos guardando muchas de nuestras mejores ideas para culminarlas en ‘Virus’. El plan de hacer un disco doble había rondado por nuestras cabezas en el pasado, pero nunca habíamos XIRMHS YR GSRGITXS PS WY½GMIRXIQIRXI KVERHI TEVE PPIZEVPS E GEFS Este era el momento adecuado. ¿Cuál es la mayor diferencia entre ambos discos? Podría decirse que ‘Vector’ es nuestro disco más heavy. Anteriormente también habíamos explorado mucho con riffs pesados, pero nunca habíamos ido con tanta fuerza en esa dirección. De algún modo, ‘Virus’ da continuidad a ese impulso, aunque también acoge varias de las partes más suaves y delicadas que hemos hecho nunca, es más ecléctico. Pero sobre todo se trata de completar un ciclo, los conceptos e hilos compositivos emprendidos en ‘Vector’ cogen más sentido ahora que ya tenemos ‘Virus’ entre manos. 72 | metal hammer

FOTO: MAX TAYLOR GRANT Explica la historia que rodea a Cockroach King (Rey de las Cucarachas) y el modo en el que sirve como hilo conductor de ambos discos. “Cockroach King” es uno de los temas señalados de nuestro disco ‘The Mountain’, el cual nos sirvió para dar un gran salto y llegar a un público más amplio. Se trata de la canción con la que mucha gente nos conoció y además siempre es divertida para tocar en directo. El tema LEFPEWSFVIPEE¾MGGMzRWSFVIYRLSQFVIUYIPPIKEEPEGWTMHIHIWY dolor y deshecha cualquier posibilidad de aproximarse a la felicidad. Pensamos que era interesante seguir expandiendo ese concepto, por lo que hemos utilizado ‘Vector’ y ‘Virus’ para construir la historia de fondo del hombre protagonista, el tránsito desde su particular XSVVIHIQEV½PLEWXEPEQYIVXI)WYREREVVEXMZEQjWIWXVMGXEUYIPE perteneciente a “Cockroach King”, pero también intercala metáforas sobre la codicia y el anticapitalismo. La cima compositiva del álbum llega con ‘Messiah 'SQTPI\´ UYI GSRWXE HI GMRGS TEVXIW ¡'zQS JYI IP proceso de elaborar esta ambiciosa pieza de 17 minutos? Es la canción que más tiempo nos ha llevado construir hasta la fecha. Nuestro baterista Raymond Hearne estableció varias ideas rítmicas durante las sesiones de ‘Vector’, pero sentimos que la pieza

7MKYMIRHSPEIWXIPEHI³:IGXSV´LEFqMWVITIXMHSGSR Adam “Nolly” Getgood (ex Periphery) en el estudio. ¿Cuál ha sido su principal aportación durante estos dos años? Trabajar con “Nolly” ha sido un enorme honor. Es un gran tipo, tiene muchísima experiencia y vive a dos horas de distancia, lo cual JYIYRTPYWEyEHMHS4SVINIQTPS'LEVPMI+VMJ½XLW WIKYRHSKYMXEVVMWXE de Haken) y yo acudimos al estudio y seguimos todo el proceso de VIEQTPM½GEGMzRHIPEWKYMXEVVEWEPKSUYIIRSGEWMSRIWERXIVMSVIWRS habíamos podido presenciar. “Nolly” también nos dio ciertos consejos de cara a la grabación y la puesta a punto de nuestros instrumentos, se involucró mucho desde el principio. Es un maestro grabando baterías y, por supuesto, a la hora de mezclar. El sonido de las guitarras creo que está sujeto a cada disco. En ‘Vector’ dimos con un tono muy heavy y en ‘Virus’ lo suavizamos un poco. Para este último utilizamos un EQTPM½GEHSV *VMIHQER ,&) GSRWMKYMIRHS YR LuFVMHS IRXVI IP XSRS crujiente del post rock y el heavy de alta ganancia. El virus ha pasado ahora a ser parte de nuestro día a día. ¿Ha transformado esto vuestra perspectiva hacia el álbum que estáis a punto de presentar? El coronavirus ha sido algo realmente desafortunado. Decidimos el título ‘Virus’ hace ya dos años y cuando la pandemia se generalizó nos vinimos abajo. La portada, las canciones, el concepto lírico... todo tiene que ver con el virus. No queremos que la gente piense que estamos intentado capitalizar su desgracia, pero decidimos seguir adelante con el concepto, ya que, obviamente, lo nuestro nada tiene que ver con la Covid-19, es una cosa completamente separada. A excepción de un cambio al bajo, la banda mantiene la misma formación desde hace más de una década. ¿Hasta qué punto ha afectado esto al desarrollo de vuestra propia voz artística? Hemos evolucionado mucho desde los inicios. En los primeros tres álbumes me encargaba de componerlo todo, después enviaba las canciones a los chicos y trabajábamos en los arreglos. Pero HIWHI³%J½RMX]´ LIQSW TEWEHS E IWGVMFMV GSQS YRE FERHE HI JSVQE conjunta. El nuevo disco es sin duda el más colaborativo hasta la fecha, pasamos un mes conviviendo en un bus por Europa, de gira con Devin Townsend, y sentimos que era el momento perfecto para ultimar PSW¾IGSWHI³:MVYW´%RXIW]HIWTYqWHIGEHEWLS[RSWWIRXjFEQSW en el bus, exploramos ideas para letras, melodías para estribillos... disfrutamos mucho del proceso y sirvió para construir un vínculo muy fuerte como banda.

necesitaba más tiempo para convertirse en lo que realmente merecía ser. El trabajo siguió adelante desde los primeros días de composición HI³:MVYW´ ] WI LE TPEWQEHS IR IWXE ½IWXE qTMGE HI  QMRYXSW UYI redondea el álbum y su concepto. Será la más complicada para tocar en directo, tiene riffs muy exigentes y muchas de las partes más locas de batería que hemos escrito nunca. La canción atraviesa muchos pasajes diferentes y es por ello que decidimos dividirla en secciones, GSRIP½RHIUYIJYIVEQjWHMKIVMFPITEVEIPS]IRXI )PXIQEIWXjPPIRSHIVIJIVIRGMEWE³8LI1SYRXEMR´ ¿Cómo ha sido la experiencia de redescubrir esas composiciones y construir algo nuevo sobre ellas?

Teniendo en cuenta que tu formación musical arrancó con el piano, ¿cómo funciona la colaboración con el actual teclista de la banda, Diego Tejeida? Mi madre era profesora de piano, por lo que he crecido con el instrumento en casa. Componer con él se me hace más natural, WMIRXSUYI¾Y]SQjW]TYIHSTPEWQEVQMWMHIEWHIJSVQEQYGLSQjW rápida. Generalmente, las ideas que surgen del piano gravitan hacia un sonido diferente, más sinfónico y con mayor colorido. En los primeros tres discos toqué mucho el teclado y por ello tienen un aura muy GMRIQEXSKVj½GEÏPXMQEQIRXIQILIGIRXVEHSQjWIRPEKYMXEVVE]PE música ha pasado a sonar más moderna, heavy y cruda. ¿Compones más ahora con la guitarra que con el piano?

Fue un proceso muy divertido. Empleamos muchos ritmos, los mutamos ligeramente, revertimos el sonido de ciertos fragmentos... algunas referencias son evidentes, pero ha habido otros cambios más sutiles que quizás el oyente no perciba. Es algo que también hicimos en ‘Vector’, por ejemplo, en la canción “Nil By Mouth” existe una parte central muy alocada que bebe de “Cockroach King”, pero lo transformamos tanto que casi nadie se enteró.

Todavía escribo muchas cosas con el piano, pero seguidamente lo traduzco a la guitarra o grabo demos para que Diego pueda hacer su propia versión. La guitarra me conduce a una composición más rítmica, me centro en conseguir un groove sólido y después construyo la canción en base a eso. De todos modos, cada cierto tiempo suelo experimentar un bloqueo creativo y cuando me encuentro en esa situación siempre vuelvo al piano.

Existe en la música progresiva una gran tradición a la hora de elaborar canciones de larga duración y contar historias de forma episódica. ¿Cuáles han sido vuestras referencias?

¡8I LE TIVQMXMHS IP GSR½REQMIRXS EZER^EV IR XYW proyectos musicales paralelos a Haken?

En lo que respecta a la música progresiva de la vieja escuela, crecí escuchando bandas como Gentle Giant y King Crimson, han sido una fuente de inspiración constante. En cuanto a la literatura, Stephen King siempre ha sido una referencia, también Bernard Cornwell en el jQFMXSHIPE½GGMzRLMWXzVMGE]TSVWYTYIWXS8SPOMIR1IIRGERXEPIIV ]XEQFMqRWS]YRKVERJERHIPEWRSZIPEWKVj½GEW)\MWXIRXERXEWJYIRXIW de inspiración... estas son solo unas pocas.

Sí, estoy ocupado trabajando en material solista. El año pasado publiqué mi primer álbum en solitario, llamado ‘The Cocoon’, y tengo un puñado de ideas para dar continuidad al proyecto. Pero también he estado trabajando en otro disco en solitario que se publicará a ½REPIWHIIWXIEySSTVMRGMTMSWHI%HIQjWXIRKSSXVEFERHE llamada Nova Collective junto a Dan Briggs, bajista de Between The Buried And Me. El año pasado conseguimos componer la mitad de un álbum, por lo que sería interesante retornar a ese material y llevarlo un paso más allá. metal hammer | 73

KINGSMEN ' '&

No todas las bandas noveles son necesariamente inexpertas. Una prueba de ello es la técnica e imponente banda 5:3?91:?@--3>A<-/5±:01$4;01?8-:01?@>1:-A:1D/181:@1Ÿ8.A901.A@<8-3-0;019·8@5<81?5:ŌA1:/5-?  constituyendo un comienzo de lo más potente para una banda con mucho potencial y toda su carrera por delante. texto: olga vidal :YIWXVSEPFYQHIFYX³6IZIRKI*SVKMZIRIWW6IGSZIV]´]E está disponible. ¿Cómo está yendo su recepción hasta ahora?

nuestro álbum, ha sido una gran experiencia trabajar con él. Nos ha ayudado a crecer y a enfocarnos en nuestra visión como banda.

Creemos que es muy pronto para saber el potencial total que tiene este álbum, especialmente teniendo en cuenta que es nuestra primera publicación como banda. Sin embargo, estamos muy contentos con la respuesta que está teniendo hasta ahora y nos emociona escuchar lo que la gente dice sobre el álbum.

¿Cómo ha sido el proceso de creación y grabación del álbum?

¿Por qué habéis escogido “Nightmare” como vuestra TVIWIRXEGMzRS½GMEPGSQSFERHE# “Nightmare” era la canción perfecta para representar la primera parte de nuestra historia en este álbum. Las letras, la instrumentación y las imágenes en el vídeo representan el álbum en muchos sentidos. Para más información, tenemos disponible el vídeo de detrás de las escenas del videoclip de “Nightmare”. Vuestra música tiene un sonido muy personal, complejo y técnico para tratarse de un álbum debut. Es impresionante y se RSXEUYIXIRqMWQPXMTPIWMR¾YIRGMEW¡5YqKqRIVSW]FERHEWSW LERMR¾YIRGMEHSIRQE]SVQIHMHE# Entre todos nosotros, escuchamos prácticamente todo lo que hay. Cuando escribimos música no la componemos para que suene de una forma concreta, sino para dar chispa a un sentimiento. Nos inspiramos en lo que nos ha pasado en nuestras vidas y creamos un sonido con ello. Si debemos etiquetarlo, siempre nos hemos declarado como “metaleros” y nunca nos desviaremos en PEJSVQEHIHI½RMVRYIWXVSWSRMHS

La idea del álbum comenzó a raíz de unas situaciones complicadas a las que nos hemos enfrentado como grupo. No lo hicimos solo para ser una banda de heavy, lo hicimos para capturar los sentimientos que estábamos experimentando. Nuestro proceso de composición siempre comienza con la creación de un sonido que encaje con esa emoción. Esa es la explicación a la complejidad de nuestra música. Intentamos encontrar melodías y ritmos para canciones que, LEFPERHS PMXIVEPQIRXI VI¾INIR PEW IQSGMSRIW UYI PE QWMGE RSW LEGI WIRXMV Para ello, creamos subidas devastadoras y riffs potentes para acentuar las partes oscuras de nuestra historia. ¿Tenéis una gira planeada para el próximo año? ¿A dónde os gustaría ir? Estamos planeando varias giras. Nos gustaría visitar el mayor número de ciudades posible. Teniendo en cuenta que 2020 está siendo un mal año para la industria del entretenimiento, esperamos darle con intensidad en 2021. ¿Qué alternativas tenéis para promocionar el álbum sin poder ir de gira? Vídeos de detrás de las cámaras para todo el contenido que creamos es una gran idea para promover la banda. Estamos muy agradecidos por haber hecho todo lo que hicimos hasta ahora. Seguimos planeando publicar más vídeos con algunas de las canciones del álbum a pesar de estar encerrados. ¡Estad atentos!

Parece que el mensaje detrás de vuestra música es negativo, pero suena esperanzador al mismo tiempo. ¿Lo consideráis negativo o esperanzador?

Sois de Rhode Island. ¿Qué nos podéis contar sobre vuestra IWGIRE PSGEP# ¡)\MWXIR WY½GMIRXIW STSVXYRMHEHIW TEVE FERHEW como Kingsmen?

Ambos. Ser negativo es la causa de ser esperanzador como reacción. 2YIWXVS jPFYQ QYIWXVE PE ½PSWSJuE HI GSQS EQFSW WSR RIGIWEVMSW inevitablemente para crecer como personas.

Nuestra escena es genial, tenemos una comunidad de músicos y trabajadores del entretenimiento que se apoya entre sí. Sin embargo, hay muchas oportunidades seas de donde seas. Mira a Slipknot viniendo de Iowa, todo es posible. Por otro lado, Providence es una ciudad única. Si estás en una banda o disfrutas del arte, te harías un favor visitándola.

Volviendo al álbum, tiene una portada interesante, con un rey muerto. ¿Cuál es el mensaje detrás? El Rey nos representa como colectivo. Cada espada representa los juicios y las tribulaciones que nos enfrentamos no solo como banda, sino como familia. ¿Cómo ha sido la experiencia trabajando con el productor 1EVO0I[MW# Tuvimos una gran química con Mark desde el principio. Él nos contactó tras escuchar algunas de nuestras demos y su fe en nuestra música era exactamente lo que estábamos buscando. Estamos muy agradecidos de que haya producido

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Una vez publicado vuestro primer álbum y echando la vista atrás, ¿cuáles han sido los obstáculos que os habéis encontrado en el camino? Los obstáculos a los que nos enfrentamos como banda no son diferentes a los de todas las bandas: tiempo, paciencia y mente abierta. Estas 3 ideas son necesarias para el éxito de una banda. Por otro lado, también nos hemos enfrentado a nuestros propios problemas personales relacionados con la salud, la violencia y la decepción, ya que tuvimos bastante de eso y puede verse mirando nuestro contenido.

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;:18<-?;018@519<; 1801-@491@-8?14->1ŋ:-0;4-?@-8«95@1?5:?;?<1/4-0;?E4-B5?@;:-/1> 3>A<;? 01 @>191:0- /-<-/50-0 @§/:5/- ':; 01 188;? 1? B1>?5;:? >;C:  /A->@1@; -A?@>-85-:; =A1 <>1?1:@-?A/A->@;@>-.-6;018->3-0A>-/5±: o188)588;91;>'?88p /;:8-5:@1:/5±:011=A585.>-> 8;?>5Ŋ?9Ÿ?1D@>19;?/;:<-?-61?-@9;?2§>5/;?5:?<5>-0;?1:8-/51:/5-ŋ//5±:1@;0;188;:;?4-.8- ?A.-@1>5?@- -E01:-?;: TEXTO: MIKEL YARZA Hoy en día existe un sinfín de bandas de death metal técnico. ¿En qué os diferenciáis del resto? 'VIS UYI XIRIQSW RYIWXVS TVSTMS WSRMHS HI GMIRGME ½GGMzR atmosférica. Hemos desarrollado ese estilo en cada disco, desde que fundamos el grupo en 2009. Las bandas provenientes de Australia no suelen tener este sonido, nos diferencia de las típicas formaciones de death metal y deathcore. Pertenecéis a una generación de bandas que bebe principalmente del metal moderno. ¿Existe un salto generacional en el modo de afrontar la música, GSQTEVEHSGSRPSW´# Totalmente. En los ’90 surgieron grandes grupos como Nile y Hate Eternal que tenían un sonido realmente único y extremo para aquella época. Desde entonces, todo se ha ido convirtiendo en aún más extremo. Hoy en día, existe un gran salto en cuanto a la calidad de producción, pero estamos llegando a un escenario bastante loco. Habéis trabajado con guitarras de ocho cuerdas. ¿A qué se debe esta elección? Comenzamos la banda con guitarras de seis cuerdas y después pasamos a siete, pero es con ocho cuerdas donde nos sentimos realmente cómodos. Es el mejor modo de desarrollar nuestra visión artística. Seguimos escribiendo con guitarras de seis cuerdas, durante el proceso compositivo transponemos constantemente de un formato a otro, pero ya son tres discos desde que grabamos con ocho cuerdas. El álbum está impregnado por una atmósfera devastadora. ¿Pretendíais sumergir al público en esta sensación? Las partes atmosféricas también estaban presentes en nuestros primeros discos, pero es cierto que estos se basaban más en los riffs. Esta vez hemos tratado de equilibrar ambos aspectos. Incorporar a 8]PIV1MPPIVGSQSRYIZSZSGEPMWXE]WYFVE]EVPSWIWXVMFMPPSWLEMR¾YMHS en esto. Hemos querido crear una atmósfera para que el disco entero suene devastador y hemos cuidado todos los pequeños detalles con IP½RHIUYIIPS]IRXITIVGMFEIWIEQFMIRXI Las nuevas letras son más políticas y sociales que las anteriores. ¿Qué impacto han tenido en ellas los GSR¾MGXSWQjWEGXYEPIW#

FOTO: THIRD EYE VISUALS 2YIWXVEWPIXVEWWMIQTVIWILERFEWEHSIRPEGMIRGME½GGMzR]IWXS también juega un papel importante en el nuevo álbum. Pero sentíamos UYIPEWVI¾I\MSRIWHIVMZEHEWHIPEZMHEVIEP]PSWHMZIVWSWGSR¾MGXSW sociales que están en punto de ebullición por todo el planeta eran igual de oscuros y cercanos. No hay más que ver lo que sucede cada día en Estados Unidos con el racismo y la brutalidad policial. Creo que es fundamental sensibilizar a la comunidad metal sobre estas situaciones, no debemos mirar hacia otro lado. Nuestro cantante Tyler está muy interesado en estos temas y creo que es algo realmente positivo. El hecho de tener hijos y la pérdida de la inocencia son otros de los temas que habéis explorado. ¿Es esto fruto de experiencias personales? Yo no tengo niños, pero el guitarrista Chris Cougan ha sido padre por primera vez a comienzos de este año y es algo sobre lo que hemos hablado mucho. Nos preocupa como nuestros familiares más jóvenes están expuestos a tanta brutalidad en la televisión cada día. Ese fue el punto de partida para escribir una letra sobre la pérdida de la inocencia y sobre cómo todos estos niños pequeños, que no deberían preocuparse por estos temas, están expuestos a la violencia a una edad cada vez más temprana. A veces parece como si la civilización humana estuviera convirtiéndose en una multitud de gente enfadada y enloquecida. Habéis vuelto a colaborar con el productor Will Putney (Thy Art Is Murder, Body Count). ¿Cuál ha sido su mayor contribución en esta ocasión? Es uno de los mejores productores en nuestro estilo y estamos encantados con el trabajo que ha realizado en la mezcla y la masterización. Su contribución ha sido tremenda a la hora de dar brillo a los pequeños detalles y siempre tiene ideas fantásticas para que las baterías, guitarras y voces suenen mejor. Esta vez, creo que el mayor cambio se ha dado en el modo de afrontar la grabación de la batería. Lo hicimos con nuestro amigo Matt Shorter, en Sunshine Coast (Australia), y tuvimos un gran debate sobre qué platos, micrófonos y tonos utilizar, sobre cómo debía golpear la batería a la hora de tocar las canciones. Invertimos más tiempo que nunca en esas cosas y creo que ha acabado marcando la diferencia en este disco. metal hammer | 75

dance gavin dance $&+˜%

-:/1-B5:-:/11?A:-.-:0-018;9Ÿ?<1/A85->>1-0-1:VTTY .1.15:ŌA1:/5-?018;?3>A<;?01 post-hardcore de la década; sin embargo han conseguido llevar dicho género un peldaño más arriba. TEXTO: tamara ruiz Desde hace un tiempo, los californianos se han empeñado por mezclar PERSZIPEKVj½GE]PEMPYWXVEGMzRGSRWYQWMGEPSUYIHEGSQSVIWYPXEHSYR concepto de arte que no practica ninguna otra formación. En esta entrevista, Matt Mingus, batería y miembro fundador del grupo, relata los detalles de su noveno álbum de estudio -recientemente estrenado- así como de otros detalles varios sobre el quinteto americano. :YIWXVS RSZIRS jPFYQ ³%JXIVFYVRIV´ ZMS PE PY^ LEGI TSGS ¿Qué detalles puedes desvelarnos sobre este nuevo álbum? ‘Afterburner’ es un disco de Dance Gavin Dance que salió durante una pandemia. Nunca podríamos haber predicho la situación, por supuesto, y habíamos considerado posponer el álbum, pero nunca podríamos hacer eso a nuestros seguidores. Así que lo sacamos y registramos una posición muy alta en EE.UU. (nuestra mejor posición en la actualidad) y a los fans parece que les encanta... ¡No podría estar más feliz! Una cosa que llama la atención del nuevo álbum es la TSVXEHE¡5YMqRPEHMWIyz]GYjPIWWYWMKRM½GEHS# Las imágenes son muy importantes para nosotros. Hemos tenido a Mattias Adolfsson manejando las ilustraciones de nuestros discos desde nuestro álbum ‘Downtown Battle Mountain’ concretamente. Él sabe lo que queremos y la consistencia se ha vuelto muy importante. Es tan bueno y siempre traduce nuestro universo en imágenes increíbles. Esta vez la portada se basa en esta pintura, “The Last Judgment”, en la catedral de Florencia. Es la caída de los GSRHIREHSW EP MR½IVRS UYI WMKYI IP jVFSP HI PE TSVXEHE HIP jPFYQ ERXIVMSV HSRHIGMIVXSWERMQEPIWGE]IVSRHIFENSHIPEWRYFIWIRIWXIMR½IVRS ¿Cómo fue el proceso de composición del álbum? ¿Cuándo te inspiras al escribir las canciones? Creo que esta vez nos alimentamos más de las cosas que hemos hecho fuera de Dance Gavin Dance. El proceso no fue tan diferente, pero cada vez PS LEGIQSW QjW I½GMIRXI PS UYI WMKRM½GE LEGIVPS GSR QIRSW IWXVqW ] UYI sea más tocar que trabajo. Todos nuestros gustos y nuestras experiencias son inspiración para nuestra música. Tilian puede escuchar hip-hop raro y cosas IQSGMSREPIWESXVSWPIWKYWXEPEQWMGEHI½IWXEEZIGIWEQuQIIRGERXEIP R&B... Los gustos evolucionan y nosotros a medida que las personas crecen, por PSUYIRYIWXVEWJYIRXIWHIMRWTMVEGMzRLERGEQFMEHSGSRIPXMIQTS]½REPQIRXI alimentan a la banda.

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Básicamente, vuestra música está catalogada como post-hardcore, pero lleváis este estilo al siguiente nivel. ¿Cuál consideras que es la importancia de la experimentación al escribir música? Al principio solo estábamos tratando de hacer música que pensáramos que encajaría con las bandas post-hardcore de las que queríamos ser compañeros. A medida que esos compañeros comenzaron a desaparecer, se trató más de tratar de explorar la música y hacer algo diferente y nuevo: expandir lo que ya se había hecho y llevarlo a diferentes lugares. Afortunadamente, esto ha resultado en un sonido propio que hemos mantenido consistentemente a lo largo de los años y que la gente ha llegado a apreciar cada vez más. ¡Ojalá volemos algunas cabezas más! Con este lanzamiento también sacáis una novela KVj½GE ¡)R UYq QSQIRXS HIGMHMWXI GSQFMREV la ilustración con la música? ¿Podría esa idea complementar de alguna manera algún sentimiento que quieres transmitir y no es imposible hacerlo con las canciones? Como dije antes, las imágenes siempre han sido importantes para nosotros. ¡Desarrollamos estas historias con nuestras imágenes a lo largo de los años, y sentimos que valdría la pena contarlas a través de otro medio! Teníamos una compañía que lo respaldaba, dos grandes artistas que lo hicieron... no podríamos haber pedido más. Este disco ha llegado en el momento perfecto. El arte juega un papel aún más importante en la vida de las personas debido a la situación actual de pandemia en que se encuentra el mundo. ¿Qué recepción piensas que tendrá este combo del público? Es difícil de decir, pero siento que el arte puede ser un salvavidas en tiempos difíciles, algo que esperar para mantenernos ocupados. Lanzamos nuestro álbum en medio de esto y nuestros seguidores han hecho que valga la pena. Estábamos pensando que podríamos haber esperado hasta julio para lanzarlo, pero tuvimos que dárselo, y aun así obtuvimos nuestro mejor desempeño en la primera semana en Billboard, así que las cosas funcionaron. Tuvimos que retroceder físicamente, y eso sin duda tuvo un impacto.

metal commando

primal fear NUCLEAR BLAST records

FOTO: HEIKO ROITH

Escuchar un nuevo disco de Primal Fear viene a ser como ir a cenar a tu restaurante favorito. Es muy difícil que se tuerzan las cosas y no puedas disfrutar de una agradable velada porque conoces el local, el menú y el ambiente. Por eso es tu restaurante favorito, al igual que escuchar un nuevo álbum de Primal Fear es una experiencia confortable de antemano. Desde su debut homónimo hace ya más de dos décadas, pocos trabajos han publicado los germanos sin convencer ni satisfacer a su base de seguidores con esa personal mezcla de power metal y Judas Priest. A pesar de los coqueteos con el hard rock en “Seven Seals” o “New 6IPMKMSR²IWXSWKYIVVIVSWHIEGIVSWSRPETIVWSRM½GEGMzRHIPLIEZ] metal y ya poseen en su carrera varios trabajos que si se hubieran publicado en los ’80 como “Jaws Of Death” o “Nuclear Fire” serían considerados clásicos indiscutible del género. No va con Primal Fear la autocompasión por no haber llegado más lejos que otras bandas de su estilo que quizás lo merecían menos. Asistan los seguidores que sean a sus conciertos u ocupen puestos menores en según qué festivales, lo suyo es el trabajo duro y constante, y cada dos años sacan otro trabajo para engrosar una carrera con pocos altibajos. Con sus dos últimos discos ‘Rulebreaker’ y ‘Apocalypse’ seguían demostrando los teutones que su capacidad de producir himnos sigue intacta como el primer día, y es algo que se extiende en esta nueva entrega. ‘Metal Commando’ es un álbum que muestra a una banda hambrienta por tocar su nuevo material ante el mundo a las primeras de cambio. No parece que arrastren una experiencia de bastantes años y en sus canciones se respira esa vitalidad adolescente de una primera vez. Con la siempre solvente producción del propio bajista Mat Sinner, las mezclas y masterización de Jacob Hansen y el regreso a su primera casa (Nuclear Blast) ‘Metal Commando’ comienza con un vendaval llamado “I Am Alive”. Un single en potencia que destaca por sus vertiginosos riffs en un ejercicio de power/speed metal de los que son dueños y señores. Como en sus últimas entregas, Ralf Scheepers sigue trabajando con más ahínco el rango medio de su voz y deja de lado los agudos estratosféricos, aunque cuando el estribillo lo necesita como en este caso, no esconde su fuerza ni sus alaridos “rompecristales”. El tridente de guitarras formado por Tom Naumann, Alex Beyrodt y Magnus Karlsson ilumina en todas las canciones muchos trayectos con sus melodías dobladas, pero si su trabajo se reduce a recrudecer riffs para sonar descaradamente al estilo Judas Priest como en “Along Came The Devil” lo hacen con una enorme contundencia. Sin duda se 78 | metal hammer

lucen más en “Halo”, puro power metal en el que Scheepers por su forma de cantar traslada a sus primeros años en Gamma Ray. Cuando Primal Fear ahondan en este terreno lo hacen con una credibilidad de la que muy pocos pueden presumir. En “Hear Me Calling” bajan el pie del acelerador e inundan el aire con unas melodías ochenteras en las que logran transmitir más sentimientos que cuando pulsan el botón del control remoto. Es una de las joyas escondidas de este trabajo que gana enteros con cada escucha. Vuelven a la estela de sus reconocidos maestros con “The Lost

8LI*SVKSXXIR²IRIPUYIEHIQjWHIPSWGEQFMSWHIXIQTSW½NER en primera línea unas melodías de guitarras que ganan el mismo protagonismo que esos agudos marca Rob Halford que suelta su vocalista. “My Name Is Fear” es rápida y metálica como ninguna y recuerda a la frescura de sus primeros discos con un excelente trabajo a los bombos de su nuevo batería Michael Ehré. Otro de los cortes que podría tomar el papel de himno en un futuro inmediato. La sorpresa viene de la mano de la balada ‘I Will Be Gone’. Nunca ha destacado Scheepers por poseer una voz cálida y sentimental, pero en esta interpretación pone al descubierto su antítesis con honores. Las acústicas arropan una de las mejores baladas que la banda haya grabado en su longeva carrera, y solo por ello hay que alabar las ganas HIVIMRZIRXEVWIHI4VMQEP*IEVIRPEEGXYEPMHEH1jW½IPEWYWSRMHS] esperadas son “Raise Your Fists” y “Howl Of The Banshee”, que si bien no poseen ninguna anomalía distintiva a destacar, cumplen con creces su cometido bajo los patrones de rapidez y melodía. “Afterlife” es mucho más cruda, con un estribillo rompedor y con una base rítmica dura como el cemento. De esas que provocan que alguna parte del cuerpo se mueva al son de la música de forma automática. En todo este trabajo, Primal Fear usan sus armas conocidas pero el QE]SVVIKEPSPSVIWIVZERTEVEIP½REP±-R½RMX]²IWYRETMI^EqTMGEHI más de trece minutos en el que la banda alemana se sale de las normas y exploran territorios desconocidos. La fuerza de las melodías de las guitarras, la variedad vocal de Scheepers y los juegos de claroscuros PELEGIRRMGE9RI\GIPIRXI½REPTEVESXVSXVEFENSHIRSXEFPIEPXS que deja más que satisfecho a sus nuevos y antiguos seguidores. Que veintitantos años después continúen publicando discos con esta QERM½IWXEEZMHI^NYWXM½GEUYIWMKERPPEQERHSPEEXIRGMzRHIRXVSHIP panorama heavy metal. Cualquier tema de ‘Metal Commando’ es capaz de alegrarte el día. Tanto como cenar en tu restaurante favorito.

satur romero

anteriores. Sin duda, el single “Endorphin” pasará a formar parte de los grandes temas del grupo tras el gran recibimiento que tuvo durante los directos de su última gira europea. Otra de las canciones que más llama la atención es “None Of Your Business”, que cuenta con la colaboración del rapero Jin Dogg (también procedente de Osaka).

CROSSFAITH SPECIES

UNFD La banda de Osaka no se hunde ante los contratiempos y en plena pandemia mundial publican ‘Species’ un EP muy esperado por sus fans ya que su último LP ‘EX_MACHINA’ (2018) fue todo un éxito. Este trabajo se compone de 5 canciones y una duración total de 17 minutos que para los amantes de la banda pasan más rápido que un suspiro. No resulta ser una obra muy original. Básicamente es una muestra más de la potente fusión de electrónica y metal que tan buen resultado les ha dado en todas sus composiciones

El universo creado por Crossfaith está plagado de cataclismo en forma de revolución de las máquinas, MRXIPMKIRGMEW EVXM½GMEPIW ] ZMENIW espaciales y este nuevo EP es otra muestra más de todo ello; sin embargo, después de más de cinco grabaciones de estudio, este universo resulta repetitivo. “Truth Of Insanity” rellena una cinta un tanto carente de sentido, sin demasiado que destacar y un poco ausente de ideas originales. El cierre lo pone “Your Song”, una pista sin mucho carisma. En resumen, es un disco prescindible que cumple con las expectativas pero que no muestra una evolución musical dentro de su carrera.

NAGLFAR

ARISING EMPIRE

CENTURY MEDIA RECORDS

Es difícil de explicar el poder musical de una banda como Cro-Mags, pero no tan complicado como contar sus cambios de formación. ‘In The Beginning’ es un trabajo soberbio para cualquiera que dude de la calidad de este grupo a pesar de sus eternos cambios internos. Conforme avanzan los temas, Cro-Mags logra imponer un sentimiento de ansiedad y furor. ‘In The Beginning’ es un disco orgánico que se experimenta y se siente. Sin explicaciones complicadas, lo mejor es dejarse llevar por los riffs y la ferocidad del universo que han instaurado en este álbum los expertos en caos.

Ocho años ha tardado la nave en volver a zarpar. Ocho años que, sin embargo, han merecido por completo la pena. Este discazo supura brutalidad y agresividad por todos sus costados. No obstante, la característica principal de esta banda sueca no es la búsqueda de la brutalidad por la brutalidad. ‘Cerecloth’ es un ejemplo de esos equilibrios tan difíciles de alcanzar pero que, una vez logrados, dejan un grato sabor de boca. Si buscas un sonido cargado de riffs oscuros, malignos y sanguinarios con una producción inmejorable y unos growls desgarradores (pero también con melodías) no busques más. Este es tu disco.

CERECLOTH

TIM DRAKE

BALMOG

GALY RECORDS

WAR ANTHEM RECORDS

Anonymus estrena un álbum íntegramente en español bajo el nombre de ‘La Bestia’ donde demuestran la variedad de MR¾YIRGMEW HIRXVS HIP XLVEWL con toques de hardcore y de death adaptados a la perfección. Destacan la potente “Bajo Presión”, la incombustible “Violencia Versus Violence” o las melódicas “Cada Loco Con Su Tema” y “Tierra”. Precisamente, el lado positivo de este álbum reside en que cada canción es una caja de sorpresas y no sabes a qué atenerte. Las variaciones rítmicas y estilísticas son evidentes, pero dentro de una coherencia sonora que les convierte en un grupo bien asentado y reconocible.

Sin miedo alguno hacia el riesgo, Balmog presenta un trabajo de dieciocho minutos de duración en un único corte fruto de su propuesta más ambiciosa y arriesgada hasta la fecha por la propia concepción del tema, por los cambios técnicos y compositivos aplicados y por el salto evolutivo que demuestra el resultado. “Pillars Of Salt” debería empezar a colocar a la banda en una posición más privilegiada de cara a futuros festivales y giras. Emociona escuchar destellos de art, psycho, gothic y dark black o death metal, ah y no hay que olvidar que son gallegos, para UYMIRIWXIRKERTVINYMGMSW©

LA BESTIA

SERGIO DE LA TORRE

CRO-MAGS

IN THE BEGINNING

ANONYMUS

FRANZ S. HEILIGEN

PILLARS OF SALT

OLGA VIDAL

TONI DE LOLA

Incrustada en tercer lugar se encuentra “Crushed Beneath The Track”, que pierde fuelle y aguarda a otro pelotazo con IRNYRHME±(I½ERGI3J*EXI Brings”. Un tema complejo que se nutre de varios estilos que le otorgan un carácter mucho más exótico. “Unraveling” se revela furiosa y enérgica, como antesala de otro corte que se aleja hacia otros terrenos. “Heart Of Darkness” escora sus lindes cerca del black metal. Despliegan más artillería con “Power Unsurpassed” ya estrenado como adelanto y que WEAPONS OF TOMORROW cuenta con mejor producción en NAPALM RECORDS PE QI^GPE ½REP 0PIKE PE VIGXE ½REP Los californianos han con “Outer Reaches”, donde la desarrollado un robusto álbum batería demencial de Carlos Cruz con el que han subido el listón marca la pauta de un corte más IR GYERXS E XqVQMRSW HI ½IVI^E lineal. Como broche redondean el y donde, a pesar de mantener plástico con una certera y dinámica su esencia old-school, han “Notre Dame (King Of Fools)” y logrado entremezclar variadas una pieza épica como es “Glorious MR¾YIRGMEW MRGPYWS PPIKERHS E )RH² 9R ½REP XVIQIFYRHS UYI penetrar en terrenos progresivos. pone en valor a un género que “Firepower Kills” arranca como necesita relevo de calidad. En una apisonadora con ritmos lineas generales, Warbringer han demoledores y recuerda a bandas culminado un elaborado trabajo del calibre de Exodus. “The Black que cuenta con potencial para Hand Reaches Out” es un tema llegar a seguidores de otros estilos más asequible donde John Kevill gracias al impresionante y diverso ofrece una magistral lección XVEFENSHIMR¾YIRGMEWIRIPUYIWI con su amplio rango de voces y soporta el lanzamiento. donde unas apabullantes guitarras TXEMA GARAY dan forma al rocoso corte.

WARBRINGER

metal hammer | 79

de su extensa carrera, la banda logra mantenerse tras casi 3 décadas y deja una prueba de todo el aprendizaje adquirido y de su estupenda forma actual en su última entrega. No necesitan mucho más de 30 minutos para soltar todo el arsenal compuesto por 10 canciones cargadas de potencia e intensidad.

REAKTION

SERIOUS BLACK

AUTOPRODUCIDO

AFM RECORDS

Los thrashers barceloneses Reaktion vuelven a la carga tres EySW HIWTYqW HI WY QEKRu½GS disco debut ‘Blackmailed Existence’ con una obra igual de independiente pero aún mejor parida, si cabe, que la anterior. A grandes rasgos, estamos ante un disco con doce temas cortos (sólo dos de ellos superan los cuatro minutos) y directos, dominados por la agresividad de los riffs y con un Iván Lara (vocalista) en estado de gracia, versátil y rico en registros, desde el growl más oscuro hasta voces limpias y rasgadas. Sin duda, esta será una banda a tener en cuenta en el futuro, si no lo es ya.

Serious Black vuelven después de un pequeño parón de tres años. A todas luces, valió la pena. ‘Suite 226’ es el cuarto trabajo de esta super banda, que cuenta con integrantes de formaciones tan distinguidas como Helloween o Blind Guardian. Sin perder el característico acento power metalero, la tendencia progresiva que ya se dejaba asomar su anterior álbum va un paso más allá, haciéndose especialmente evidente en canciones como “Come Home” o la homónima “Suite 226”. Reseñables, también, “Let Me Go” y “When The Stars Are Right”; temas que colmarán con holgura a los apegados al power metal más clásico.

LEARNING TO DIE

SUITE 226

FRANZ S. HEILIGEN

REEPER

GET YOUR ECSTASY ROYALTY LABEL El creativo compositor y guitarrista Elías Andrada ha dado vida al proyecto Reeper, banda que estrena un ambicioso álbum debut donde ya demuestra una clara tendencia estilística. Las raíces de Reeper profundizan en el heavy metal clásico con un punto actual que lo dota de una personalidad propia. Por otro lado, los toques de hard rock que bañan las canciones de este acertado álbum debut dan como resultado cortes de lo más diversos. Por un lado se hallan baladas clásicas pero variadas entre sí como “Under My Skin” o “I Lost My Time”. Por otro lado, el disco está compuesto 80 | metal hammer

SILVIA LÓPEZ

por temas con una potencia arrolladora del nivel de “No Mercy In Me” o “Don’t Look Away”, donde destaca el trabajo de las guitarras por parte del talentoso Andrada. Para terminar, también se encuentran en este larga duración canciones con ciertos elementos más actuales complementando a los más clásicos como es el caso de “Saturday Night” o “Final Destination”, que muestran la amplia capacidad compositiva de Reeper y la riqueza de sus MR¾YIRGMEW )R KIRIVEP WI XVEXE de un álbum con una calidad técnica muy alta para tratarse de un debut y deja a Reeper en muy buen lugar como proyecto con un amplio potencial dentro de la escena, especialmente para los amantes de los sonidos más nostálgicos pero que no temen la experimentación. Gracias a este tipo de grupos se pueden recordar estilos más tradicionales con una perspectiva actual y con un EQTPMS VERKS HI MR¾YIRGMEW fruto de varias décadas de historia del género en el que surgieron numerosos estilos y diversas técnicas a la hora de componer. OLGA VIDAL

APOSENTO

CONJURING THE NEW APOCALYPSE XTREEM MUSIC El death metal más visceral toma forma en ‘Conjuring The New Apocalypse’, álbum de una banda veterana de la escena underground nacida en Logroño a principios de los ’90. Aposento presentan lo más extremo, crudo y directo del género con este breve pero intenso álbum que no es para todos los gustos pero será un irresistible regalo para muchos. Los seguidores de los sonidos extremos encontrarán aquí una publicación llena de fuerza de la mano de un death metal sin ½PXVSW % TIWEV HI PSW GEQFMSW WYJVMHSW IR WYW ½PEW E PS PEVKS

THE ALLIGATOR WINE DEMONS OF THE MIND

A pesar de que todas las piezas del larga duración son directas y viscerales, se pueden destacar por ser absolutamente demoledoras canciones como “Heretics By The Grace Of God” y sus acertados cambios de ritmo, “Kadosh – Spitting On The Trisag” con una pesadez atronadora, “Vamachara – The Left Hand Path” y su intensa velocidad, y “Samhain – The Night Of Ignis Fatuus” con una potencia que es carne de cañón para los conciertos. Se podría resaltar cada canción del álbum por alguna particularidad propia, TIVS IWEW  HI½RIR HI JSVQE general el estilo de una banda que es la pura representación de la potencia atronadora del death metal y una pequeña joya de la escena underground nacional. OLGA VIDAL

THE NEAL MORSE BAND

CENTURY MEDIA RECORDS

THE GREAT ADVENTOUR – LIVE IN BRNO 2019 INSIDEOUT MUSIC

Para aquellos con apetito de descubrir, este primer largo de The Alligator Wine (que incluye dos temas de su primer EP) transita entre lugares aparentemente imposibles de cohesionar. Vibraciones espaciales para una propuesta de southern rock muy marcado que basa sus conocimientos en la escuela de los ‘70 y en el prog psicodélico.A su vez suena fresco y nuevo gracias a su instrumentación moderna. Música etérea que evoca odiseas espaciales, la épica del western crepuscular y el toque sintetizado del terror lisérgico. Hijos de una época que han sabido aplicarse el cuento en la suya propia y, además, con revoluciones para todos los gustos.

Neal Morse vuelve a hacer felices a los melómanos. Con este nuevo trabajo en directo sigue aportando material de lujo a su extensísima hemeroteca. La representación vital del excepcional ‘The Great Adventure’ vuelve a ser muestra de la devoción por el detalle de la cual siempre ha hecho gala este proyecto. El primer show de la banda en la República Checa transcribe al directo casi todo su anterior trabajo entre otras viejas conocidas que lucen tan brillantes como merecen. Pero sin duda el punto álgido es ese medley que repasa todos los discos de la carrera de la banda a través de 25 inestimables minutos de pura gloria.

TITUS FERRER

TITUS FERRER

ASKING ALEXANDRIA LIKE A HOUSE ON FIRE SUMERIAN RECORDS

Los británicos parece que ya se han asentado tras el regreso de su vocalista Danny Worsnop, que había abandonado la banda en 2015 para volver un año después. Actualmente el grupo presenta ‘Like A House On Fire’, segundo álbum desde su vuelta y sexto de su discografía, donde todavía parece que están trabajando en su personalidad sonora pero dan indicios de que el estilo alternativo de un rock que se aleja de sus comienzos tiene todas las papeletas de ser su principal guía de cara al futuro. En este trabajo se hallan canciones que se alejan de algo más general y se acercan a un posible futuro sonido personal de la banda que todavía IWXj HI½RMIRHS ] ]E IQTMI^E E coger forma. Los ejemplos más claros podrían ser “The Violence”, “House On Fire”, “Antisocialist” o “It’s Not Me (It’s You)”, que no ofrecen un pop-rock o rock alternativo al uso, sino que aportan algo más suyo, más cercano a EPKS TVSTMS UYI TYIHE HI½RMV WY personalidad sonora. A pesar de que se encuentran muchas similitudes entre su anterior entrega homónima y esta publicación, parece que todavía les falta un poco más de consolidación para encontrar su WSRMHS HI½RMXMZS HIWTYqW HI YRE carrera con álbumes muy diversos, no obstante, ya están dando pasos IR½VQITEVEPPIKEVEIWISFNIXMZS Tal vez el problema es que el crecimiento de la formación y su consolidación se dirigen de forma cada vez más clara hacia un estilo diferente al de sus comienzos, lo que dará pie a un nuevo segmento de seguidores potenciales y, por consiguiente, la pérdida de algunos por el camino que no encajarán con este nuevo sonido y solo aprecian sus álbumes más extremos. El camino que seguirá Asking Alexandria en torno a su personalidad empieza a encarrilarse poco a poco; si VIEPQIRXI WIVj HI½RMXMZS S RS solo se sabrá con el tiempo. Lo que sí se sabe es que los británicos seguirá haciendo lo que quiera sin HINEVWI MR¾YIRGMEV TSV STMRMSRIW ENIREW½IPIWEWYMRWXMRXS olga vidal

PEARL JAM GIGATON

MONKEYWRENCH RECORDS Después de que Chris Cornell nos dejase huérfanos hace ya 3 años el futuro de Pearl Jam parecía ser todavía más incierto de lo que aparentaba (el vínculo de amistad entre Cornell y Pearl Jam era muy estrecho) a pesar de las todavía sobresalientes presentaciones en directo del grupo de Seattle. Entre ‘Lightning Bolt’ y este nuevo disco, ‘Gigaton’, hay 7 años de margen y una diferencia lírica y musical palpable y positiva aunque todavía alejada de sus mejores obras, con momentos que recuerdan a la época del ‘Binaural’ y ‘Riot Act’ o ese LP homónimo y más que notable lanzado de 2006 (el “aguacate” para sus fans). El hilo conductor entre ‘Backspacer’,‘Lightning Bolt’ y ‘Gigaton’ es natural, sirviendo este último como continuación justa a lo ya hecho, pero con algunos detalles que parecen indicar que estamos ante algo más elaborado. ‘Gigaton’ está formado por 12 canciones y ofrece 57 minutos de nueva música, algo que de primeras puede ilusionar mucho pero que acaba por derivando en querer coger una tijera y recortar minutaje, sobre todo en esas canciones que duran más de 5 minutos y que acaban rebosando y pasando de ser temas más que pasables a convertirse en excesivos (dependiendo de cómo te pillen). La ilusión por la vuelta de Pearl Jam crece al escuchar “Who Ever Said”, posiblemente una de sus mejores canciones en mucho tiempo donde Eddie Vedder se luce más de lo que se podría esperar. “Superblood Wolfmoon” parecía ser una de esas canciones que no te iba a quitar el sueño pero que encaja estupendamente en contexto con el resto del disco y acaba gustando, igual que la polémica “Dance Of Clairvoyants” (con Stone Gossard al bajo y Jeff Ament a PEKYMXEVVE UYIXERXEMQTVIWMzRGEYWzHIFMHSEIWIWSRMHSSGLIRXIVS]EVXM½GMEP que parece fusilar a los Talking Heads. “Quick Escape” continúa enseñando la mejor cara del grupo dejándonos llevar por unas líneas de bajo que podrían recuerdan a The Who, unas percusiones al estilo Led Zeppelin y unas letras donde se ensañan con Donald Trump a la vez que homenajean a Queen. Así como “Quick Escape” es un himno rockero con nombre y apellidos, “Alright” da la vuelta a la tortilla y deja al descubierto a los 4IEVP.EQGEPQEHSW]QIPzHMGSWUYIWIVIE½VQERGSRPEFSRMXE±7IZIR3´'PSGO² para volver a la electricidad garajera en “Never Destination”. En esta mitad del disco acabamos recordando directamente la época del ‘No Code’ y ‘Binaural’ también plasmada en “Take The Long Way” y su invocación sonora a los últimos pasos de Soundgarden. El último tramo se presenta demasiado sosegado con la semiacústica “Bucke Up” y la totalmente acústica “Come Then Goes”, ambas correctas pero algo excesivas. “Retrograde” levanta un poco el ritmo sin acabar calando en el oyente y “River Cross” vuelve a llevarnos a la intimidad sin adornos de Eddie Vedder acompañado únicamente de un órgano para poner la guinda al pastel de un HMWGS UYI UYM^jW HIFIVuE LEFIV HYVEHS  QMRYXSW QIRSW ] UYI WI HIWMR¾E bastante a partir del octavo tema en consonancia con su inicio. ‘Gigaton’ no es un disco que vaya a cambiarle la vida a ningún fanático de Pearl Jam, pero IRGENE TIVJIGXEQIRXI HIRXVS HI WY VITIVXSVMS HMWGSKVj½GS ] FVMRHE KVERHIW momentos, buenas canciones y el plus de estar construido con más gusto y QMQS UYI WYW TVIHIGIWSVIW E TIWEV HIP KVER TIVS HI WY HYVEGMzR ½REP ] IP alargamiento innecesario de las últimas canciones. Seguramente no empieces a pillarle el gusto hasta la tercera o cuarta escucha, pero acabarás sacando varios temas en limpio.

JAIME TOMÉ metal hammer | 81

BEYOND THE BLACK HØRIZØNS

NAPALM RECORDS Dos años después de su último trabajo, ‘Heart Of The Hurricane’, los alemanes Beyond The Black vuelven a la carga con ‘Hørizøns’. 13 canciones con las que la banda, después de su participación en algunos de los festivales veraniegos más importantes de 2019 como Wacken o Nova Rock, sigue con su crecimiento y expandiendo sus horizontes musicales. A lo largo de este trabajo se pueden encontrar temas que se podrían etiquetar dentro del metal sinfónico más tradicional y algunas derivas más comerciales -incluso poperascon toques más alternativos

BLEED FROM WITHIN FRACTURE

CENTURY MEDIA RECORDS Los escoceses Bleed From Within traen su cuarto trabajo. A diferencia de los anteriores, entre ‘Era’ y ‘Fracture’ tan solo han pasado dos años. A pesar de esto se puede apreciar que es el álbum en el que más muestran su evolución y sonido hasta el momento con sus riffs y arreglos de guitarra tan característicos, pero con un cambio muy notable tanto en el modo de componer como en la voz de Scott, que se muestra mucho más melódica. *MREPQIRXI LER HI½RMHS su estilo añadiendo más solos 82 | metal hammer

MR¾YIRGMEHEWTSVFERHEW como Amaranthe. Precisamente, la vocalista de Amaranthe, Elize Ryd, colabora en el tema “Wounded Healer”. El protagonismo durante todo el disco de la cantante, Jennifer Haben, es notable, aunque en “Marching On”, cede las voces principales a su compañero Chris Hermsdörfer, uno de los guitarristas de la formación. En “Golden Pariah”, “Some Kind Of Monster” o “You’re Not Alone”, se percibe la vertiente más alternativa de los germanos, mientras que otros temas como “Horizons”, “Misery” o “Paralyzed” son más directos y pegadizos. Por otra parte, “Human”, “Out Of The Ashes” y “Coming Home” ponen la nota sentimental al disco con arreglos que incluyen violines. ‘Hørizøns’ es un buen álbum que, a pesar de su larga duración y de resultar repetitivo en algunos pasajes, tiene grandes momentos que harán disfrutar a los seguidores del combo alemán. Habrá que ver si este trabajo (junto a su gira que se han aplazado a 2021 con Amaranthe) potencian el crecimiento de Beyond The Black. JOSÉ LUIS ABREGO

Boltendhal y sus secuaces inauguran su nuevo plástico con energía por medio de “All For The Kingdom”, que reúne los ingredientes necesarios para ser un himno en directo. Continúan con “Lions On The Sea” en clave más melódica pero con su clásico regusto amargo y recuperan su mejor versión de antaño. A nivel colaborativo, “Thousand Tears” exhibe otra emocionante balada donde funden las voces Chris Boltendhal y Noora Louhimo (Battle Beast). La batalla se sigue fraguando en cortes FIELDS OF BLOOD tan apabullantes y densos como NAPALM RECORDS una ajetreada “Freedom” o “The Los alemanes Grave Digger Heart Of Scotland”, donde dejan celebran cuarenta años de KVERHIW WIRWEGMSRIW ] GIVXM½GER andadura con su nuevo álbum el buen nivel del álbum. Lejos de de estudio. Retoman para ello la disiparse, brillan con autoridad obra conceptual que arrancaron IRYREVIGXE½REPUYIHINEGSVXIW con ‘Tunes Of War’ en 1996 y tan vigorosos como “Union ‘The Clans Will March Again’ en Of The Crown”, cuyos coros 2010. Una aventura por tierras destacarán en futuros conciertos, escocesas que relata historias o “Gathering Of The Clash” sobre leyendas y mitos que en la que las gaitas intercaladas fascinan a sus integrantes y que, imprimen atmósfera. Como como se puede comprobar, colofón se reservan un excelente WMVZI HI WY½GMIRXI QSXMZEGMzR y ornamentado “Fields The Blood” para inspirarles sensacionales que sirve como perfecto broche. composiciones. Concentran una Grave Digger reclaman su legado colección de robustos riffs que dentro del apretado panorama retrotraen a los años ‘90 cuando con un acertado trabajo. las bandas de este estilo arrasaban TXEMA GARAY con brío en la península. Chris

GRAVE DIGGER

de guitarra y coros que, en combinación con los elementos que les caracterizaban, han conseguido que culminen su sonido.

destacable que la letra canta los hitos de la formación e incluye los títulos de sus canciones en ella a modo de epopeya.

En cuanto a la composición de las letras este trabajo se aleja mucho de los anteriores debido a que el mensaje que transmiten es mucho más oscuro y se centra más en la parte social y política. Algo que también ha cambiado mucho desde los inicios de la banda es la calidad de la grabación, algo que ya se notaba en ‘Era’ pero que en ‘Fracture’ se ha mantenido.

El resto de los temas del mini LP, cinco en total junto con el ya mencionado que da nombre al trabajo, están rescatados de la impecable actuación que ofrecieron los suecos para el pasado Bang Your Head Festival 2017 celebrado en Balingen (Alemania). Entre estos se incluyen, como no podía ser de otra manera, las canciones más icónicos y reconocibles del repertorio que realizan un certero y satisfactorio recorrido por su trayectoria. Un remarcable intento por condensar la esencia de Bloodbound.

Sin duda, el hecho de haber compartido escenario con otros grandes grupos y que Scott reemplazase a Lawerence en algunos de sus conciertos ha hecho que dieran el paso que necesitaban para darse a conocer. Por último, destaca la portada y el contenido visual que rodean este trabajo, para lo que han elegido el color rojo rompiendo con su estética y ofreciendo algo más sencillo y conciso. MELANIE SILVA

BLOODBOUND

BLOODHEADS UNITED AFM RECORDS La banda de power metal Bloodbound vuelve con este mini LP tributo a sus fans tan solo un año después de editar ‘Rise Of The Dragon Empire’ en marzo de 2019. El nuevo trabajo incluye el tema homónimo “Bloodheads United”, que pretende ser una muestra de agradecimiento para sus más acérrimos seguidores. Con unos coros y una cadencia extremadamente épicos como una legión marchando, con toda seguridad se convertirá en todo un himno de la banda y de sus autodenominados y orgullosos “bloodheads”. También es

0EWIPIGGMzR½REPGYIRXEGSR la introducción “Bloodtale”, la mítica “Battle In The Sky”, “In The Name Of Metal” y la aclamada “Moria”. Como nota adicional, cabe señalar que este ‘Bloodheads United’ cuenta con un vinilo de 10” blanco y con una exclusiva remesa de tan solo 500 unidades. SILVIA LÓPEZ

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