Ideas De Mezcla

TABLA DE CONTENIDO 1. INTRODUCCIÓN ............................................... ............................................ 5 Perfil de usuario para esta guía ............................................. ..................... 5 ACERCA DE LA EDICIÓN 2014 .............................................. .............................................. 5

RECURSOS ADICIONALES ................................................ ............................................. 6 Acerca de iZotope ................................................ .................................................. ............. 6

2: ¿Cuál es la mezcla? .................................................. ..................................... 7

3: Los cuatro elementos de MEZCLA ........................................... ............. 8 NIVEL ................................................. .................................................. ................................. 8 EQ ................................................. .................................................. ........................................ 8

PANNING ................................................. .................................................. .......................... 8 EFECTOS en base al tiempo .............................................. .................................................. .... 8

4: ECUALIZACIÓN (EQ)

............... ................................................................. . 10

¿QUÉ ES PARA EQ? .................................................. .................................................. ...... 10

PRINCIPIOS DE EQ ............................................... .................................................. ........ 10

El espectro de frecuencias ............................................... ..................................... 13 EL ARTE DEL EQ .............................................. .................................................. ................ 14

5: DINÁMICA ............................................... .................................................. 18 ¿QUE SON PARA LA DINÁMICA? .................................................. .................................... 18

Principios de la dinámica ............................................... ........................................... 19 EL ARTE DEL Procesamiento dinámico ............................................. ....................... 22

6: PANNING / STEREO IMAGEN ............................................ ................... 26 LO QUE SE lavado de? .................................................. ............................................ 26 PRINCIPIOS DE PANNING ............................................... ............................................. 27 MID / SIDE PROCESAMIENTO .............................................. ................................................ 28

EL ARTE DE IMÁGENES PANNING / STEREO ........................................... ................. 29

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7: EFECTOS en base al tiempo ............................................ ................................. 31 Cuáles son los efectos en base al tiempo PARA? .................................................. ................ 31

PRINCIPIOS DE EFECTOS en base al tiempo ............................................ ........................ 31

El arte de efectos en base al tiempo ........................................... .............................. 34

8: Distorsión ............................................... ............................................... 37 ¿QUÉ ES distorsión para? ............................................. ........................................... 37 PRINCIPIOS de la distorsión ............................................... ....................................... 38 EL ARTE de la distorsión .............................................. .............................................. 40

9: Antes de comenzar su MIX ............................................ ................. 42 DISCUSIÓN DE LOS OBJETIVOS con el cliente ............................................. ..................... 42

ESCUCHANDO EL BRUTO .............................................. .......................................... 42 ¿DÓNDE EMPEZAR? .................................................. .................................................. ..... 42

10: mezclar: un verbo de acción ........................................... ....................... 43 MEZCLA DE TAMBORES ................................................ .................................................. ............. 43

MEZCLA BASS ................................................ .................................................. ................. 50 MEZCLA DE GUITARRAS ................................................ .................................................. .......... 53

TECLADO DE MEZCLA ................................................ .................................................. ... 54

VOZ DE MEZCLA ................................................ .................................................. ........... 55

MEZCLA EN EL estructura de la canción ............................................. ................... 58

11: Finalización de la MIX ............................................. ..................................... 61 IMPRESIÓN DE SU MEZCLA ............................................... .................................................. ..... 61

SU BUS MAESTRO ............................................... .................................................. ....... 61 REVISIONES ................................................. .................................................. ..................... 62

¿En qué formatos IMPRIMIMOS? .................................................. ............................. 62 IMPRESIÓN ALTERNOS MEZCLAS / TALLOS ............................................. ......................... 63

12: RESUMEN ............................................... .................................................. sesenta y cinco

13: consejos de los profesionales ............................................ ............................... 66

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ANEXO A: conseguir crear para mezclar ....................................... 67 SOFTWARE Y TARJETA DE SONIDO .............................................. .................................. 67 MONITORES ................................................. .................................................. ..................... 67

AURICULARES ................................................. .................................................. .............. 68

APÉNDICE B: HERRAMIENTAS Izotope ............................................. .................... 69 Aleación 2 ................................................ .................................................. ........................... 69

NÉCTAR 2 ................................................ .................................................. ........................ 69

OZONO 5 ................................................ .................................................. ......................... 69 BASURA 2 ................................................ .................................................. .......................... 69

UNIRSE A LA CONVERSACIÓN............................................... ........................................... 69

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1: INTRODUCCIÓN PÚBLICO OBJETIVO DE ESTA GUÍA Si usted no sabe nada acerca de la mezcla o de software, esta guía es un gran lugar para comenzar. Claro, que creo que se debe utilizar iZotope herramientas de mezcla, como Alloy® 2, Trash® 2 y Nectar® 2 (www.izotope.com) para mezclar el audio ... que sin duda podía. Pero hemos aprendido mucho de la comunidad de audio en los últimos 10 años que estamos dispuestos a dar algo a cambio: una guía que es útil para todos aquellos que quieran aprender más sobre la mezcla. Como resultado, esta guía puede ser copiado o distribuido para fines no comerciales libremente.

Si no se entiende completamente la mezcla, sino que ya tienen algún software de mezclas de iZotope, Esta guía puede ayudar a entender mejor las poderosas herramientas de dar forma al sonido a su disposición. Cada capítulo demuestra muchos conceptos útiles que se pueden aplicar a su proyecto de mezcla siguiente. También puede seguir junto con las pruebas gratuitas de 10 días de aleación 2 , 2 de basura y néctar 2 disponible en www.izotope.com .

Si ya tiene cualquiera de los productos mencionados anteriormente y ya conoce los conceptos básicos de la mezcla, esta guía le puede mostrar nuevos trucos o técnicas que son posibles. Basta con leer a través y decir “Sí, sabía que” cuando sea apropiado para las otras partes.

ACERCA DE LA EDICIÓN 2014 La edición 2014 de esta guía ha sido escrita por Sean McLaughlin. Originario de Boston, Sean McLaughlin inició su carrera en la industria de la música a una edad temprana. Se trasladó a Los Ángeles, se asoció con otros productores Jimbo Barton, Carmen Rizzo, Tim Palmer, y Scott Storch, y echó una mano en el perfeccionamiento de los sonidos de Elliott Smith, Rush, Stone Sour, sello, Dwight Yoakam y Dark New Day. Para el año 2004, McLaughlin se trasladó a Boston con una misión de “ayudar a los artistas locales crean grandes registros etiqueta calibre”. McLaughlin abrió las puertas de 37' Producciones en 2006. Dentro del estudio primeros seis meses, produjo dos álbumes, tanto la cartografía: estáticas de los dioses Siga las indicaciones ciclos ( Recordhead / Revolver Records) y de Oddway Lejos de la rutina diaria ( OurStage y MTVDEMO artista de 2007). Desde entonces, McLaughlin ha tenido la suerte de trabajar con muchos artistas diferentes tanto a nivel local (Sarah Blacker, Vary Lumar, chicas Armas de fuego y la gloria, Oldjack) y nacional (Queensryche, Matchbox Twenty). En 2013, Sean tuvo el honor de ser nombrado Productor del Año por los Premios de Música de Nueva Inglaterra.

iZotope está encantada de tener Sean traer sus perspectivas respetados y experiencia práctica para la edición 2014 de esta Guía.

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RECURSOS ADICIONALES Si usted está interesado en explorar los temas más audio, iZotope ofrece guías adicionales que se pueden descargar de forma gratuita:

Guía de masterización: www.izotope.com/ozone/guides

Guía de reparación de audio: www.izotope.com/rx/guides

El difuminado Guía: www.izotope.com/ozone/guides

En última instancia, la práctica hace al maestro, sino una plataforma firme de conocimiento para soporte en la práctica de su arte, mientras que tiene un valor incalculable.

Acerca de iZotope iZotope hace que los productos innovadores que inspiran y permiten a las personas a ser creativos. Con sede en Cambridge, Massachusetts, iZotope ha pasado más de una década desarrollando productos galardonados y tecnologías de audio para profesionales y aficionados por igual. Utilizado por millones de personas en más de 50 países, los productos iZotope son un componente central de ganador de un Grammy estudios de música, Oscar y ganadora del Emmy estudios de cine y post producción de TV y estudios de radio prominentes, así como sótano y dormitorio estudios en todo el mundo . A través de un programa de licencias robusta, iZotope también alimenta los productos fabricados por socios de la industria, tales como Adobe, Avid, Microsoft y Sony. iZotope fue honrado recientemente con un premio Emmy® por Logro Sobresaliente en Desarrollo de Ingeniería para su suite de reparación de audio insignia, RX®. Más información en www.izotope.com .

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2: LO QUE SE MEZCLA? La mezcla es el arte de tomar múltiples pistas de audio y la combinación de ellos juntos en un master final track- ya sea un maestro estéreo de 2 canales, o 6+ canales en el caso de mezcla de sonido envolvente. La forma combinamos pistas es igual el arte y la ciencia partes, e implica la utilización de una variedad de herramientas para llevar a cabo el impacto más emocional de la canción.

La mezcla puede ser tan simple como la presentación de un gran sonido pistas de una manera más impactante. Otras veces, la mezcla puede requerir la reparación de pistas que suenan por debajo del par. Cada mezcla presenta sus propios problemas y retos es su trabajo como el mezclador no sólo para resolver estos problemas, sino presentar la canción como suena en la imaginación del cliente.

Esta guía demostrará cómo utilizar estas herramientas para lograr las mejores mezclas posibles. entonces que estamos esperando ' ¡Empecemos!

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3: Los cuatro elementos de MEZCLA Pensar en una mezcla como una imagen tridimensional del sonido. Hay cuatro elementos esenciales que utilizamos para controlar esa imagen:

1.

Nivel (altura)

2. EQ (altura)

3. Toma panorámica (anchura)

4. Efectos Tiempo-base (profundidad)

NIVEL Nivel parece bastante simple: cuando queremos escuchar algo más fuerte, nos volvemos un atenuador. Y los componentes más fuertes de la mezcla de captar la atención del oyente más de los componentes más tranquilas.

EQ EQ es realmente sólo un control más detallado de nivel que nos permite realce y recorte niveles en frecuencias específicas. EQ es la forma más fácil de dar forma a las pistas de la mezcla de modo que encajan entre sí y proporciona una forma poderosa para dar personalidad y carácter a las pistas individuales.

PANNING Si se va a pensar en el nivel y EQ como los elementos verticales (arriba / abajo), el lavado sería el elemento horizontal (izquierda / derecha). Paneo puede ser muy útil en los instrumentos que se colocan en el mismo rango de frecuencias. Por paneo uno a la izquierda y otro a la derecha, puede separar los dos instrumentos y reducir la posibilidad de un instrumento que enmascara la otra, y lo que es más difícil de oír.

EFECTOS DE TIEMPO A BASE efectos basados ​en el tiempo forman el elemento de la profundidad (de delante a atrás). efectos basados ​en el tiempo como la reverberación y el retardo puede hacer que un instrumento parecen más lejos, oa veces más grande que un instrumento seco.

Los elementos mencionados anteriormente nos permiten crear una imagen tridimensional, pero también hay una cuarta dimensión a nuestra disposición a tiempo. El tiempo es la forma fundamental de que la música se diferencia de las formas de arte estáticos como pinturas y esculturas. Puede mirar a la Mona Lisa durante todo el día y ella nunca va a cambiar, ella ha tenido que irónica

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sonrisa en su rostro cientos de años. Por el contrario, una canción puede cambiar dentro de los 30 segundos de escuchar a la misma y puede pasar por varios cambios durante toda la duración de la canción.

Por lo tanto la utilización de los cuatro elementos que tenemos control sobre ellos y cambiar toda la estructura de una canción puede dar lugar a una mezcla vibrante y dinámica. Mezclado necesita una buena cantidad de juego de manos, estás decidir qué instrumentos que el oyente se centra en y se puede cambiar su enfoque dentro de la mezcla en cualquier punto. Un buen ejemplo de esto va desde una melodía vocal a otro instrumento solos. Ahora que ha llevado a la perfección la atención del oyente desde la vocal para el solo.

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4: ECUALIZACIÓN (EQ) Ecualización, como se discutió anteriormente en Capítulo 3: Los cuatro elementos de mezcla es el proceso de ajustar los niveles de frecuencias particulares.

¿QUÉ ES PARA EQ? Utilizamos ecualización principalmente para dar forma a las pistas en nuestra mezcla de encajar bien juntos. Una fuerza ingeniero de mezcla, por ejemplo, reducir las bajas frecuencias de una guitarra baja para permitir que el bombo a destacar en la mezcla un poco más claramente. Pero EQ también puede mejorar las pistas individuales, tal vez al aumentar ciertas frecuencias que hacen que una garra de sonido (150Hz-300Hz) lazo, o una aireada sonido de voz (15kHz-18kHz).

PRINCIPIOS DE EQ Hay muchos tipos diferentes de ecualizadores, y todos ellos realizan aumentos y recortes en los rangos de frecuencia específicos. El rango de frecuencia se puede dividir en varias bandas, como una banda de baja, una banda alta, y así sucesivamente. Esto permite realizar ajustes únicos que pueden hacer en ciertas áreas. Ecualizadores lo general consisten en varias bandas: cada banda de un ecualizador es un solo filtro.

Para entender los conceptos básicos de cómo funcionan los ecualizadores discutiremos primero los parámetros en detalle:

ecualizadores paramétricos proporcionan el mayor nivel de control para cada banda. El 'campana' de forma fácilmente reconocible es el más utilizado de todos los tipos de ecualizadores, lo que permite el control independiente de las tres variables más comunes: amplitud, frecuencia central y ancho de banda.

La siguiente imagen muestra el empate en Aleación 2, pero los principios se aplican para la mayoría de los ecualizadores paramétricos. Una banda ha sido seleccionado y ha sido arrastrado hacia abajo para cortar las frecuencias centradas alrededor de 185Hz por

- 2.7dB.

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Cada banda de un ecualizador paramétrico típicamente tiene tres controles:

Frecuencia: La frecuencia central de donde la banda de ecualización se coloca dentro del espectro de frecuencias. En la imagen de abajo, la frecuencia central es 4900Hz o 4.9kHz

Ganancia: ¿Cuánto estamos aumentando o disminuyendo. En la imagen de abajo, la ganancia está siendo impulsado por 2dB

Q (ancho de banda): Esto representa la gama de frecuencias que están siendo ajustados por el control de ganancia. Una frecuencia con un alto Q afectará a un rango estrecho y una frecuencia mínima Q afectará a una gama más amplia. En la imagen de abajo, la Q de 1,4 es bastante amplia, y se puede ver qué frecuencias de los alrededores también están siendo afectados.

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Si bien estos son los controles de filtro de la campana de un ecualizador paramétrico, hay otros tipos de filtros de ecualización que son útiles cuando se mezcla:

Bajo / paso alto del filtro: Se trata de un filtro de “unilateral”. Al elegir una frecuencia central, estamos atenuante (rechazar) todas las frecuencias por debajo de (filtro de paso alto) o por encima (filtro de paso bajo) esa frecuencia. Puede determinar cómo abruptamente las frecuencias se reducen mediante el ajuste de pendiente, que se configura a menudo en múltiplos de 6 dB por octava, tales como 6 dB, 12 dB, 18 dB, 24 dB, 48 dB, etc. En la imagen de abajo, estamos utilizando un alto pasar filtro con un Q / pendiente de 48dB para eliminar ruido.

Bajo / Alto útil: Estos tipos de ecualización también son “unilateral” y se llaman los estantes porque se asemejan a un estante en una gráfica. Esto se manifiesta sónicamente también. los niveles de un ecualizador de estanterías del campo por una reducción general o impulso, mientras que una forma de campana es para ajustes más precisos. La ganancia (realce / corte) afecta a todas las frecuencias por debajo de nuestra frecuencia central (Estantería baja) o por encima de nuestra frecuencia central (estante alto). En la imagen de abajo, un estante alto es la adición de 1.7dB de impulso en torno a una frecuencia central de 2378Hz. Tenga en cuenta cómo está estantes off 'por encima de la frecuencia central, la adición de un impulso de alta gama de 3.3dB.

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El espectro de frecuencias Antes de comenzar la ecualización, debemos entender las frecuencias que están a punto de ajustar. Las frecuencias se miden en 'Hertz', o 'Hz'. Esto se puede entender fácilmente que el número de ciclos por segundo de cualquier onda dada. Un tono de 200 Hz tiene 200 ciclos por segundo, lo que en última instancia nos proporciona un terreno de juego reconocible.

La audición humana se entiende comúnmente para percibir una gama desde tan bajo como 20 Hz a tan alta como 20 kHz (20.000). Nos referimos a este rango que el espectro de frecuencias.

Diferentes instrumentos dentro de una mezcla tienden a concentrarse en diferentes áreas del espectro de frecuencias.

¿Cómo podemos saber dónde se encuentra cada instrumento? Desde luego, podemos utilizar nuestros oídos y nuestros ojos, pero vamos a romper este rango en cinco rangos específicos utilizando una terminología común.

1.

Fin de baja (125 Hz y por debajo): Aquí es donde residen todos los instrumentos de sub-graves y graves. Ten cuidado, este rango de frecuencia es generalmente mejor “sentía” que escuchó.

2. Frecuencias medias bajas (125 Hz-500 Hz): Esta gama tiene las frecuencias fundamentales de mucha menor

instrumentos de rango y puede ser un asunto difícil de dominar. El exceso en este rango podría ser descrito como “barro”, mientras que muy poco tendrá su mezcla de potencia insuficiente.

3. Categoría estándar (500Hz-2 kHz): Casi todos los instrumentos se sienta en algún lugar en este rango (voz,

trampa, guitarras, piano, cuernos, etc.). Aquí es donde pasará la mayor parte de su tiempo conseguir sus instrumentos para encajar juntos.

4. -Medios altos (2 kHz-8 kHz): Este rango es donde una gran cantidad de armónicos superiores en vivo (respiraciones vocales,

platillos, etc.). Este rango es donde se encuentra el “chasquido” en un bombo y el “desplumar” de una guitarra acústica.

5. De gama alta (8 kHz y superior): Aquí es donde el “aire” y “chisporroteo” reside. Demasiada energía en este rango puede ser fatigoso y hará que la mezcla de sonido delgado, mientras que muy poco hará que la mezcla opaca.

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EL ARTE DEL EQ Ahora que entendemos que nuestras frecuencias son y los tipos de ajustes posibles con EQ, vamos a echar un vistazo a algunos consejos generales de ecualización.

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Cada instrumento tiene una frecuencia fundamental (la más baja) para cada nota que se reproduce. Trate de escuchar y aprender de los rangos básicos de frecuencia para cada instrumento que se está trabajando. Saber esto puede ayudar a informar cuando y donde corte o incremento.

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Saber dónde los fundamentales y armónicos (frecuencias que son múltiplos de la fundamental, es decir: a 100Hz fundamental tiene armónicos de 200 Hz, 400 Hz, etc.) son para cada instrumento puede ayudar a eliminar algunas conjeturas que pueden estar haciendo mientras Ecualizar en pistas tu mezcla. Para ilustrar esto, vamos a utilizar el ejemplo de tratar de crear espacio para una voz principal cuando se siente algo se está desplazando. Trate de ajustar el ecualizador de otros instrumentos con una huella de frecuencia similar a la voz (como el piano, la guitarra, caja, etc.); Si eso no funciona, tiene que haber algo más. Tal vez sea el bombo? Un tambor típico patada puede tener una frecuencia fundamental de 80-100 y tienen un armónico cerca del registro vocal. Si este es el caso, la eliminación de ecualización del bombo entre 2-3kHz puede hacer que la voz se sientan en voz alta y clara encima de la mezcla. Por lo tanto, si el cambio de los culpables obvios no se soluciona el problema, investigar más a fondo para encontrar el problema. Una mezcla de calidad vale la pena el esfuerzo.

En EQ de aleación, si se mantiene pulsada la tecla Alt y haga clic en el espectro, que revelan una “lupa de audio” que le permite escuchar sólo las frecuencias que se encuentran bajo el cursor del ratón, sin afectar a la configuración actual de ecualización. Esto es útil para localizar la ubicación de una frecuencia en la mezcla sin estropear sus bandas de ecualización reales. Al soltar el botón del ratón devuelve el sonido a la EQ real. Es posible ajustar el ancho de este filtro en el diálogo mediante el ajuste del “Alt-solo filtro Q” Opciones, o mediante la rueda del ratón. Haga doble clic en el área de espectro para añadir una banda de ecualización.

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Para encontrar y corregir un problema con frecuencia “alt-solo”, haga doble clic exactamente donde está el ratón y añadir una nueva banda de ecualización a esa frecuencia. A continuación, puede desplazamiento de retención para arrastrar esa banda hacia abajo y cortar las frecuencias (véase la siguiente sección).

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La relación entre un bombo y una guitarra bajo es de suma importancia para el mantenimiento de un extremo sólido y fuerte baja. Escuchar el fundamental en todos y hacer todo lo posible para no sobrecargar cualquier frecuencia particular en ambos. Si de un bombo fundamental es 90 Hz y de fundamental es utilizar 50Hz esas frecuencias como una guía para la separación de los dos instrumentos mientras que todavía mantiene un extremo sólido bajo el bajo. Una forma de lograr esto es de “envolver” un instrumento alrededor de la otra. Por ejemplo, encontrar la frecuencia fundamental del bajo, a continuación, hacer muescas en que la frecuencia de la patada. A continuación, aumentar las frecuencias por encima y por debajo (si es necesario). Además de esto, otra técnica usada a menudo se llama lado en cadena, lo que vamos a discutir en Capítulo 5: Dinámica .

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Si la mezcla se siente “fangosa”, intente reducir las frecuencias entre 125 Hz y 500 Hz. Si ciertos instrumentos, como guitarras eléctricas pesadas, piano y ciertas teclas y parches, sienten que están llevando demasiado “peso” en la mezcla, comenzar con estos instrumentos.

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El exceso de entre 500 Hz y 1 kHz puede sonar “leñosa” o “cuadrada” y dar una falsa sensación de poder en una mezcla. Ciertos instrumentos, como la guitarra acústica, percusión de la mano (como congas), pianos eléctricos y otros instrumentos que tengan una amplia gama media tienden a caer en esta categoría.

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Ver su paso con 2 kHz y superiores. Esta es un área donde un poco de EQ puede ayudar mucho, mientras que un poco demasiado puede empezar a hacer sonar una mezcla descarada o metálico. Una gran cantidad de instrumentos tiene una “pegajosidad” entre 4-8 kHz, pero este rango también añade un poco de “chasquido” al ataque de los instrumentos. Sea consciente de lo mucho o lo poco trabajo que está haciendo en este rango; usted quiere asegurarse de que su mezcla se pone de pie a la escucha repetida sin sentir demasiado duras.

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Para continuar con el pensamiento anterior, nuestros oídos tienden a fatigarse al exceso de trabajo, sobre todo en la gama alta-otro recordatorio de que las pausas son tan importantes como la escucha!

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Se dan cuenta de que nuestros oídos se ajustan a ecualizar los cambios muy rápidamente y pueden ser fácilmente convencido a un cambio es positivo puramente porque suena diferente, a fin de recordar para hacer referencia de nuevo al sonido original del instrumento, si se siente como si estuviera alejarse demasiado de el efecto deseado. El botón de derivación puede ser su mejor aliado.

En aleación, néctar y Papelera, puede utilizar el historial de deshacer ilimitada dentro del plug-in para una audición fácilmente los ajustes de ecualización para encontrar el mejor sonido uno sin tener que seguir cambiando la configuración de ida y vuelta de forma manual.

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Recuerde que el corte puede ser tan efectivo como impulsar y muchas veces incluso más eficaz. Cortar ciertas frecuencias permite que las frecuencias que rodean a sentirse más prominente, y tiene el beneficio añadido de asegurar rangos de frecuencia no hay están sobrecargados.

Este principio se aplica a muchos aspectos del proceso de mezcla. Si usted puede conseguir un gran resultado mediante la reducción de un ingrediente en lugar de añadir más sal no deseada en la sopa, la mezcla es a menudo mejor para él!

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Trate de usar un filtro de paso alto (HPF) en todos los instrumentos, excepto para el retroceso y el bajo. En muchos casos, esto creará más claridad en el extremo inferior. La razón de esto es una gran cantidad de instrumentos (tales como voz) tiene poca o ninguna información útil en este rango, y otros instrumentos (guitarras eléctricas, por ejemplo) puede tener bajo final añadido a través de EQ en un amplificador. Si está escuchando y sentir que se oye el extremo inferior para ser “lleno”, probar esta técnica. Para empezar, los solos de la batería, bajo y cualquier instrumento (que suele hacer un primer vocal). Ajuste el HPF a 60 Hz, y lentamente mover la frecuencia más alta. Tan pronto como se sienta que está perdiendo tono valiosa desde el instrumento, llevar el HPF de nuevo a donde mejor se sienta en relación a la pista. Si hace esto para todos los instrumentos que no sean bombo y el bajo se sentirá un final más sólido bajo.

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Muchos ingenieros de mezcla hablan de ecualizadores 'Pultec' como uno de los santos griales de equipos de estudio. Por supuesto, esto es totalmente subjetiva, pero hay ciertas características de una curva de filtro Pultec que las personas responden bien a. Impulsar frecuencias con un EQ Pultec provoca un baño de cortesía que se produzca en el espectro de frecuencia en otro lugar, como se ve en esta imagen.

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Por lo tanto, la adición de algunos impulso de gama baja con un EQ Pultec es a menudo muy eficaz, ya que el efecto secundario no deseado es una ligera reducción de las frecuencias generalmente etiquetados como 'cuadrada' o 'nasal' como se mencionó anteriormente.

filtro de la vendimia de plataforma baja aleación 2 se replica este comportamiento del ecualizador Pultec.

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El uso de un filtro de Baxandall para impulsar gama alta puede añadir un gran 'aire' y 'chispa' para guitarras y voces. La curva de filtro menos conocido 'Baxandall' es una curva muy transparente que es altamente eficaz para la adición de impulso de alta final transparente. Lo que lo diferencia de un filtro de estantería es que la curva sigue aumentando en lugar de estabilizarse rápidamente. Esta curva ligeramente ascendente puede inclinar el espectro de frecuencias en favor de las frecuencias altas más bien ventiladas. Cuidado, sin embargo, lo que suena en un momento brillante, puede empezar a sonar duro la próxima si usted tiene un oído cansado, por lo que impulsar con precaución!

Aleación 2 y las curvas de Baxandall agudos de néctar 2 son muy eficaces para la adición de grandes cantidades de ganancia de gama alta de forma transparente para una señal de audio sin brillo.

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5: DINÁMICA procesamiento dinámico no es sólo de hacer las cosas 'más fuerte'. En el contexto de mezcla, elaboración dinámica se puede utilizar para controlar el rango dinámico de una señal de audio con el fin de lograr una variedad de efectos musicales. Se puede pensar en el procesamiento dinámico como tener dos familias '' principales: La compresión hacia abajo / Limitación y Expansión / apertura de puerta. El uso de ambos de estos dos tipos principales de procesamiento para ajustar el rango dinámico es a menudo esencial para crear la ilusión de un rendimiento perfecto, o al menos el sonido pulido de uno!

¿QUE SON PARA LA DINÁMICA? El uso de estos procesadores es una manera de controlar, reducir o ampliar la gama dinámica o nivel de volumen general de una pista.

En el caso de la compresión y la limitación, el objetivo es por lo general para “nivelar” el rango dinámico de una pista mediante la atenuación de los picos transitorios altos, como un cantante que súbitamente cinturones de una nota alta en el medio de una balada suave, que puede ser un poco chocante para el oído.

En el caso de expansión y gating, el objetivo es reducir o eliminar la señal no deseada en una pista. Extracción del sonido de alta purga sombrero en una grabación tambor de la trampa sería un ejemplo. Reducir el volumen de respiraciones no deseados en una grabación de voz sería otro.

de iZotope Nectar 2 Production Suite incluye un módulo de control de la respiración, que detecta y atenúa las respiraciones en una grabación de voz de manera más transparente que una puerta tradicional de forma automática.

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Principios de la dinámica La capacidad de un buen ingeniero de mezcla para utilizar con eficacia el procesamiento dinámico es realmente un proceso de aprendizaje continuo. Así que vamos a empezar con los cuatro parámetros básicos comunes a casi todas las herramientas de dinámica, es decir, umbral, ratio, ataque y liberación.

Límite El umbral es el nivel en el que comienza el procesamiento dinámico. Para los compresores y limitadores, cualquier señal ascendente por encima del umbral se vería afectada (ver Fig. 1) Para expansores y puertas, cualquier señal cae por debajo del umbral se vería afectada (ver Fig. 2).

Figura 1

Figura 2

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Proporción La proporción determina la cantidad de procesamiento dinámico que sucede a la señal. Por ejemplo, una proporción de 4: 1 (ver Fig. 3) en un compresor hacia abajo significa que por cada 4dB la señal en cuestión se eleva por encima del umbral sólo 1dB será oído por encima del umbral, una reducción de 3 dB. Un limitador es un compresor con una relación de 10:-a menudo mayor tan alto como 20 1 o: 1 o 30: 1, y en general un tiempo de ataque rápido (ver abajo). En el caso de una puerta, el umbral es ∞: 1, lo que significa que cualquier señal por debajo del umbral se silenciará.

figura 3

Ataque El parámetro Attack define la rapidez con que funciona el procesador dinámico una vez que la señal ha pasado el umbral, normalmente medido en milisegundos.

Lanzamiento El parámetro de salida determina qué tan rápido o más lento el procesador de dinámica detiene el procesamiento o “deja ir” una vez que la señal ha pasado el umbral, también medido en milisegundos.

Compresión esencialmente provoca una distorsión en una señal, en que cambia el sonido original de la señal a través de su procesamiento. El compresor normalmente logra esto al enfatizar ciertos armónicos en función de cómo el compresor está afectando a la señal entrante. Es nuestro trabajo para hacer que la distorsión sensación de transparencia

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y utilizar nuestra dinámica para crear el rendimiento mejor sonido posible. Una forma de evitar añadir más distorsión es tener cuidado con nuestro ataque y relajación-demasiado rápido un tiempo de ataque puede “estrangulamiento” del rendimiento y demasiado rápido un tiempo de liberación puede causar que el instrumento “bomba”. Pruebe a establecer estos parámetros y escuchar por sí mismo para escuchar el efecto por lo que nunca hacer esto de nuevo! En la imagen siguiente, el tiempo de liberación es demasiado lento, y el compresor está aplastando la señal antes de que tenga tiempo para recuperarse.

Ver, eso fue fácil! Ahora que sabemos que nuestros parámetros, ¿cómo los usamos de manera efectiva? No necesariamente queremos que nuestro camino de ser constantemente comprimido o aplastado, por lo que debemos fijar nuestra compresor para lograr el efecto deseado. Pero, ¿cómo sabemos lo que es el efecto deseado?

No hay ninguna regla dura y rápida ya que gran parte está determinado por el tipo de instrumento, el estilo de música, performance, etc. Vamos a entrar en más detalle en Capítulo 10: Mezcla de un verbo de acción . Por ahora, vamos a repasar algunas pautas.

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EL ARTE DEL Procesamiento dinámico •

Usar relaciones más bajas (2: 1-5: 1) para las actuaciones, en particular los que tienen unas pocas notas que “saltar” en una actuación particular, “nivelación”.

A veces, el uso de dos compresores más suaves en serie (un compresor seguido de otro compresor) es una forma más transparente de nivelación de una pista de audio. En lugar de una sola pasada dura de compresión que puede sonar aplastado, a lograr el mismo resultado con más delicadeza. En la imagen de abajo, estamos comprimiendo la misma nota que la imagen anterior, pero los dos compresores están comprometidos en serie.

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Trate de usar las liberaciones rápidas cuando se comprime tambores y otros instrumentos de percusión. Esto ayuda a dominar los transitorios (el estallido inicial de sonido), pero mantener el decaimiento del sonido original.

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En ese sentido, tener cuidado de no aplastar los transitorios de una señal de audio transitoria particular percusión o entrecortada, con un tiempo de ataque que es demasiado rápida.

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Al comprimir las guitarras acústicas, tratar ataques más lentos para un recogidas o arrancadas acústica, y más rápidos ataques a una acústica pulsaba. acústica recogidos o arrancadas tienden a tener más transitorios individuales que son más fuertes que el sostenido de la nota. Un ataque más rápido ayudará a equilibrar el ataque y sostener. acústica strummed son generalmente más aún de forma dinámica, por lo que un ataque más lento que ayudarán a “brillar” un poco más.

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guitarras distorsionadas ya tienen un poco de compresión natural a partir de saturar el amplificador. Para obtener los mejores resultados, utilice poca o ninguna compresión a menos que existan lugares en el rendimiento que están apareciendo fuera de contexto.

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Pruebe esto en una voz principal: en primer lugar, establecer un limitador con una alta relación de agarrar las notas extremadamente duros y luego seguir con un compresor utilizando una relación más suave (por ejemplo 3: 1) para hacer el procesamiento global. Esto permitirá que el compresor no funciona tan duro en esos picos, y la voz sonará menos 'bombeo' y más natural.

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Puertas son de uso común en la batería para reducir el corrimiento entre micrófonos. Al configurar o ajustar una puerta en este contexto, escuchar sus micrófonos de ambiente como que configura el umbral, ataque y relajación. Simplemente aislar y solos simplemente las pistas de acento (bombo, caja, toms) no le da el verdadero sentido de cómo la puerta afectará al sonido de su batería entera. Muchos ingenieros de mezcla han trabajado sobre el sonido puerta de la derecha, sólo para que suene poco musical cuando los sonidos del ambiente de la habitación se introducen de nuevo en la mezcla.

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Compresión paralela es una técnica que implica la mezcla de una señal ligeramente comprimido con una versión muy comprimido (y algunas veces de paso alto filtra) de la misma señal. Esto permite un resultado más suave, con un sonido nítido y el nivel en el extremo superior, sin picos transitorios fuertes o aplastadas. Una relación típica podría ser el 50% de cada señal.

Es fácil conseguir la compresión paralelo con ambos Aleación 2 y néctar 2. En aleación, haga clic en el 'Gráfico' y arrastre 'Dinámica 2' bajo Dinámica 1. Ahora están en paralelo, y se puede utilizar como 2 Dinámica de la dura compresor.

En néctar 2, simplemente haga clic en este botón, y los dos compresores están ahora en paralelo. La relación se puede ajustar con el deslizador de la mezcla, y el segundo compresor se puede filtrar hasta arriba.

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Experimento a juego con el tiempo de liberación en un compresor con el tempo de la canción. Tener la liberación sincronizar con, por ejemplo, una nota octava ritmo de conducción en un bajo o una guitarra realmente puede añadir vida a la actuación. Una manera fácil de resolver esto es fijar el compresor en su pista con un umbral muy bajo, y luego ajustar el tiempo de liberación hasta que suene natural de la señal (es decir: no de bombeo).

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Trate de usar un limitador de tu bajo con una pesada (6-12dB) reducción de ganancia en una mezcla densa. Esto mantendrá un sólido final baja en toda la mezcla.

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Por cuernos staccato, comenzar con un ataque rápido, pero asegúrese de que el ataque no sofocar los 'hits' de los cuernos. compresión paralela en una sección, similar a un grupo de tambores, también puede ser un montón de diversión!

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Por último, no tenga miedo de experimentar con compresión extrema. La limitación de micrófonos ambientales en la batería puede dar la sensación de que los tambores se registraron en una habitación mucho más grande de lo que realmente eran. Pero tenga cuidado: Si no se activa correctamente, esto puede sofocar completamente el sonido de sus tambores, y, en casos extremos, obtendrá la tan famosa sonido 'reverb con puerta' de los años 80 en su kit de batería!

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Por encima de todo, seguir escuchando, y hacer referencia a su sonido original. Cuanto más se utiliza la compresión, mejor vas a entender los parámetros y cómo usarlos para lograr el efecto deseado. Un día va a gobernar el mundo compresión!

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6: PANNING / imagen estéreo Si pensamos en el Nivel y EQ como la 'altura' o parte 'vertical' de nuestra ecuación de mezcla, la panorámica es la parte 'ancho' o 'horizontal' de nuestra ecuación de mezcla. La música es normalmente mezclado y escucha en estéreo. Panorámica de un elemento de audio única dentro de una mezcla es el proceso de ponderar el elemento más fuertemente en favor de la izquierda o altavoz derecho.

LO QUE SE lavado de? Toma panorámica, en gran medida determina el ancho de nuestra mezcla termina sonando para el oyente. Se puede utilizar para crear un espacio en una mezcla, aumentar el espacio existente, y crear una experiencia musical más envolvente para el público.

En la Fig. 4, la mezcla se coloca totalmente por muy poco y Stereo Vectorscopio nos dice que el oyente no se oye mucho espacialización, o anchura.

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En la Fig. 5, la mezcla se coloca totalmente muy ampliamente, y se puede ver el resultado. Una mezcla mucho más amplio sin ningún procesamiento requerido más allá de la panorámica!

Hay un par de efectos fáciles y trucos que podemos utilizar para crear diversas imágenes estéreo, los que hablaremos más adelante en este capítulo.

PRINCIPIOS DE PANNING ¿Cómo sabemos lo que a la sartén, y dónde? Una regla general en gran parte de la música popular de hoy es que el ritmo de fondo y la voz principal son los puntos focales de la mezcla. Debido a esto, el bombo, caja y Voz centro suelen ser criticada, a menudo referido como 'C' o '0' por la mayoría de aplicaciones musicales. Los otros elementos de la mezcla son lo que el ingeniero de mezcla utiliza típicamente para crear una imagen estéreo de su canción. Nuestros oídos tienden a concentrarse en las señales en una mezcla que se coloque en el centro o criticada extrema izquierda o la derecha.

Al grabar las guitarras acústicas, 'doble seguimiento' (grabación de la misma pieza dos veces), y paneo un extremo para grabar, y el otro extrema derecha puede crear una mezcla que suena mucho más completo, sin sobrecargar la instrumentación del acuerdo.

Esto no quiere decir que el espacio entre el centro (izquierda y derecha) es para ser ignorado. La comprensión de estos enfoques comunes le ayudará a determinar lo que quiere al oyente escuchar y experiencia por el lugar donde se encuadra este instrumento en particular.

Panorámica de un punto muerto trampa de inmediato puede hacer que suene más pegada, paneo ligeramente hacia un lado puede hacer que el oyente para centrarse un poco más en el tambor de plomo vocal o una patada, y así sucesivamente.

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MID / procesamiento del lado Cualquier discusión de las técnicas de paneo e imagen estéreo en general sería incompleta sin mencionar procesamiento central / lateral, así que vamos a echar un vistazo a que antes de sumergirse en el arte de la panorámica.

El concepto de / Procesamiento Mediados lateral viene de una técnica

FUENTE DE SONIDO

de micro patentado por Alan Bluemlein en

1934. La idea original era recrear cómo un par de orejas humanas oye una imagen estéreo. Llegó a ser utilizado eficazmente como una técnica de grabación para mejorar el 'espacio' antes de que existiera la reproducción estéreo. La configuración básica es: Un micrófono cardioide (medio) y uno bidireccional (en forma de ocho) micrófono (lados). mediados micrófono

Ya sea durante o después de la grabación, el proceso incluye la copia la señal de micro lado y la inversión de la fase. Esto le dejaría con dos señales de audio, uno llamado 'MID', y el otro, 'lado'. En la imagen de

micrófono lado

abajo, tenemos un archivo de audio 'estéreo'. El canal izquierdo es el 'medio' y el canal derecho es el 'lado'.

Escuchar la señal de micrófono mediados-usted oír una imagen de mono. Cuando se agrega la señal lateral, la imagen estéreo cambios. Mientras mayor sea el canal lateral, mayor será el audio se percibe. Esto es debido a la correlación de fase entre las dos micrófonos. Es una técnica de grabación que suena interesante, sobre todo para capturar sonidos de batería en una habitación. Pero ¿cómo se utiliza en el proceso de mezcla?

En pocas palabras, el procesamiento central / lateral en la mezcla o masterización etapas separa una grabación estéreo normal en sus áreas separadas de su estudio de sonido, de forma independiente. / Procesamiento mediados lateral le permite trabajar de forma independiente con el centro de la imagen estéreo o los lados. El canal mediados, (la suma de izquierda y derecha, o todo lo común a los altavoces izquierdo y derecho) pueden ser aislados del canal lateral, (que es todo lo diferente entre los altavoces izquierdo y derecho) para su procesamiento por separado.

Por ejemplo, si tiene un bus estéreo tambor, la aplicación de algún impulso de alta gama para el canal lateral hace que los elementos más amplios '' sonido más brillante. Además, añadiendo un poco de impulso de gama media puede añadir puñetazo a un tambor, sin enturbiar su reverberación, que a menudo es más notable en el canal lateral.

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Para procesar audio a mediados / lado, debe haber registrado ya sea en central / lateral, para empezar, o la señal codificada para su procesamiento, a continuación, la señal decodificada después de procesar de nuevo en el formato convencional de R + L para la reproducción. Si usted no tiene un instrumento central / lateral grabada en su mezcla, hay algunos plug-ins que hacen mediados de codificación / lateral (incluyendo iZotope Ozone, se muestra a continuación en el modo de ecualización / mediados lado).

EL ARTE DEL PANNING / imagen estéreo Volvamos atrás por un segundo. Recuerde que la idea aquí es que estamos creando una imagen de audio para nuestra audiencia a la experiencia. En algunos casos, esto significa que, si cierra los ojos y escucha su mezcla, se puede imaginar a todos los músicos tocando sus instrumentos, como si estuvieran situados en un escenario. En otros casos, sólo significa que usted está tratando de crear movimiento y la emoción por tener nuevos instrumentos pop-up en su campo estéreo para el oído para enfocar. No hay reglas duras y rápidas para esto; sólo directrices, pero aquí hay algunos consejos:

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Si hay dos instrumentos en la mezcla que ocupan un rango de frecuencias similares, intente enfocar ellos por delante de la otra. Usted no tiene que desplazarse a la extrema. Por ejemplo, una guitarra criticada ligeramente a la izquierda complementará un teclado criticada ligeramente hacia la derecha. Esto creará un mejor equilibrio a lo largo de su mezcla, como el oyente no percibirá todos los instrumentos que puede venir a su oído para no exactamente la misma posición que puede ser fatigoso y hacer que sea difícil saber lo que el oído debe centrarse en.

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Trate de mantener una imagen más estrecho en toda su mezcla durante los versos de sus canciones y luego ampliando esa imagen panorámica por los elementos que aparecen en los coros más lejos del centro. Que tienen ciertos elementos pop fuera así, o incluso sólo se traslada temporalmente a un ajuste de panorama más extremo creará emoción.

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De vez en cuando, escuchar la mezcla en mono para asegurarse de que no está perdiendo demasiado en la traducción. Es posible pasar mucho tiempo paneo todo, sólo para ir demasiado lejos y darse cuenta de su mezcla sonaba más impactante antes de que comenzara!

Para comprobar cómo suena su mezcla en mono, se puede utilizar el parámetro Imager Mono ozono estéreo en su bus maestro, o el control Ancho en armónica excitador de aleación, con un valor de -100.

Si va a mezclar cualquier forma de música electrónica que es probable que se va a reproducir en un entorno de club, tenga en cuenta que la mayoría de los sistemas de reproducción son mono. Tener señales de audio idénticas panoramizan tanto a la izquierda y la derecha pueden causar la cancelación de fase cuando la mezcla está contraído a mono, en particular en el extremo inferior. Todavía se debe mezclar una mezcla amplia que suena bien, pero mantener el control en mono para asegurarse de que no está perdiendo nada cuando la mezcla se derrumbó a mono.

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De vez en cuando, escuchar la mezcla en los auriculares para asegurarse de que no suena demasiado inconexo o fuera de equilibrio. Sus monitores podrían ser excelentes, pero desde los auriculares carecen de la 'crosstalk' (información de audio desde el altavoz derecho de llegar a la oreja izquierda y viceversa), la experiencia puede sonar diferente. Recuerde, gran parte de su audiencia podría estar escuchando música en los auriculares!

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Asegúrese de que los elementos se encuadra no hacen el lado izquierdo o derecho rítmicamente demasiado ocupado. Por ejemplo, cuando la mezcla de dos instrumentos que ocupan un rango de frecuencia de mayor final similar, tales como una guitarra acústica y un hi-hat, puede desplazarse cada instrumento opuesto lados. Dado que estos dos instrumentos están jugando por lo general un ritmo similar (notas 8 ° o 16), manteniéndolos opuestas entre sí mantiene un timbre similar y sensación rítmica en ambos altavoces. Panorámica de un montón de elementos rítmicos a un lado podría ser bastante molesto.

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Con eso dicho, grabaciones veces mayores, o grabaciones modernas mezcladas con métodos nostálgico, vintage, podrían desplazar los tambores casi todo el camino a la derecha, y el bajo frente a la izquierda. Hacer esto requerirá más esfuerzo y atención por parte del oyente, pero puede dar lugar a texturas interesantes.

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Como se mencionó anteriormente, cuando se graba un instrumento, en particular uno que es bastante transitoria y tonal (nada arrancado o pulsaba), la grabación de parte de dicho instrumento dos veces y paneo una grabación de 'extrema izquierda' y la otra 'extrema derecha' puede crear sonando un tanto más completa mezclar sin sobrecargar la instrumentación del acuerdo.

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7: EFECTOS DE TIEMPO A BASE Hasta ahora hemos cubierto 3 de los 4 elementos que hemos mencionado en el Capítulo 4: Nivelación , Nivel y EQ (vertical), así como la toma panorámica (horizontal). Ahora llegamos a nuestro cuarto efectos basados ​en el elemento de tiempo. A diferencia de las dimensiones verticales y horizontales que hemos discutido, efectos basados ​en el tiempo son responsables de la 'profundidad' percibido en nuestra mezcla.

Cuáles son los efectos en base al tiempo PARA? El uso de diferentes efectos basados ​en el tiempo puede dar instrumentos el sentido de ser más grande o más lejos en el mezcla.

Un buen ingeniero de mezcla podría hacer uso de unos reverberaciones diferentes para dar a cada elemento de un espacio acústico compartido o exclusivo, o tal vez usar un retraso para inflar la presencia y el impacto de una voz principal.

En general, se podría decir que los efectos basados ​en el tiempo son para la mejora de la profundidad, añadiendo el toque final de acabado, o proporcionar el brillo final a una mezcla.

PRINCIPIOS DE EFECTOS en base al tiempo Hay muchos tipos diferentes de efectos basados ​en el tiempo, y aunque cada uno manipula el contenido de frecuencia en el dominio del tiempo, cada uno de ellos funcionan de forma diferente y lograr resultados diferentes:

reverberación

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La reverberación es un fenómeno natural causado por que refleja sonido (o 'rebote') de las paredes en cualquier habitación o espacio dado. tamaño y los materiales de habitaciones desempeñan un papel importante en el sonido de cualquier espacio dado. Por ejemplo, la música en un granero de madera, una catedral de piedra y un dormitorio sería toda sonar muy diferente.

Reverberación en el proceso de mezcla crea la sensación de espacio que una habitación proporcionaría y es una herramienta estética del ingeniero de mezcla se puede utilizar con gran ventaja. efectos reverberantes se pueden lograr a través de la tecnología digital, como la convolución la modelización algorítmica de un comportamiento o-en el dominio analógico habitación con objetos tales como resortes o placas.

De hecho, el carácter distintivo y la coloración de la primavera (encuentran a menudo en los amplificadores de guitarra) y reverberaciones placa es ahora algo modelado y replicado en el dominio digital.

Néctar 2 contiene un modelo de la reconocida EMT-140 de reverberación de placa (una placa de metal grande con una firma sonora única) que está adornada grabaciones clásicas durante décadas. Con él, se puede cambiar el tamaño de la habitación y otros parámetros para marcar en el efecto deseado.

Hay muchas opciones de gran reverberación por ahí, y la placa de reverberación en iZotope Nectar es una de ellas. También discutiremos algunas diversas opciones más adelante en este capítulo. Cuidado, demasiada reverberación pueden ahogar los elementos reales de su mezcla.

Retrasar

Un retraso almacena una señal para un período de tiempo y luego lo libera. El control de múltiples líneas de retardo permite que un ingeniero de mezcla para crear efectos de eco de 'estilo'. La liberación de la señal retardada con algún tipo de caída del volumen realza la presencia de una voz humana en lugar de reemplazarlo, lo que haría que parezca fuera de tiempo.

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Retraso viene en muchas formas, desde un simple palmada de Voz estilo rockabilly “Heartbreak Hotel”, una de la Elvis Presley, a un estilo rítmico sincronizada a lo largo de las líneas de parte de guitarra de Edge en U2 “Donde las calles no tienen nombre.” Cada uno de estos retrasos crea un efecto diferente en la forma de percibir lo que está escuchando.

Hay muchos tipos diferentes de equipo que puede crear retrasos (analógicos, digitales, etc.), y cada uno de ellos tiene su propio timbre. Esto le permite mezclarlos en su mezcla sutil o drástica para hacer que destaquen. Lo importante es entender por qué está utilizando la demora: ¿Está ahí para hacer que el oyente se sienta algo en lugar de 'escuchar', o lo estás usando realmente cambiar el tono del instrumento? Una variedad de puntas de retardo centradas se ofrecen más adelante en este capítulo.

Coro / Brida / Fase

Estos tres efectos son versiones moduladas de retrasos. Una regla general de retardo es que el oído humano no oye una señal retardada como separado de la señal original hasta que es tiempo excede de 50 milisegundos (ms). Estos tres tipos de retrasos moduladas se producen antes de la señal de retardo llega a 50 ms. Los tiempos son aproximadamente:

Fase: Ninguno

Brida: 1-5 milisegundos Chorus: 5-40 milisegundos Estos efectos se crean mediante el ajuste de la profundidad y la velocidad de la demora. La profundidad, por lo general se mide en porcentaje (%), es hasta qué punto el tiempo de retardo ajustado mueve anterior o posterior dentro de ese tiempo.

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Por ejemplo, un tiempo de retardo de 40 milisegundos con una profundidad en 25% significa que el tiempo de retardo puede variar entre 30-50 milisegundos. La tasa determina la rapidez con que el cambio ocurre. Así, en nuestro ejemplo anterior, un ritmo más rápido se movería más rápido el tiempo de retardo entre 30-50 milisegundos.

Ahora vamos a hablar de la velocidad y la profundidad de los tres efectos de modulación. Un efecto de desplazamiento de fase anula diferentes frecuencias en diferentes momentos, con las muescas de frecuencia espaciados uniformemente. Brida por lo general tiene la profundidad más amplia con diferentes tasas de lento a rápido, dependiendo de qué tan extrema que lo desee. Chorus tiene una tasa más sutil y profundidad; la configuración de un coro se deben utilizar para crear un sonido más ancho y grueso, y, en algunos casos, ampliar la imagen estéreo del instrumento están afectando.

Tenga en cuenta que el tipo y cantidad de efectos basados ​en el tiempo que utiliza tienden a salir con una mezcla más que cualquier otro elemento. Un buen ejemplo de esto es el reverb con puerta utilizado en tambores de la trampa en la década de los 80 (esto es tanto una 'declaración de moda' mezcla como hombreras y calentadores de la pierna). Tenga en cuenta esto mientras usted está mezclando, y entender que algún día alguien podría decir “esa mezcla era tan 2014.”

El arte de efectos en base al tiempo Algunos consejos de efectos basados ​en el tiempo:

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Experimento con una reverberación mono en una voz principal y añadir un delay estéreo en un coro. Esto evitará que la voz principal se centró en el centro, y el retraso (si sincronizada con el tempo de la canción) actuará como una reverberación más amplio en el coro.

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Añadir un efecto de coro mixto a una voz principal en alrededor de 5-8% de humedad. Esto introduce un cierto movimiento sutil a la voz principal que es difícil de detectar, pero mantendrá una interesante voz principal.

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Trate de usar una reverberación diferente en un coro frente a un verso. Esto ayuda a diferenciar distintas secciones musicales sonoramente, y pinta el viaje sonoro de la canción, para usar una analogía anterior. En la imagen a la derecha, la reverberación Chorus toma el relevo de la reverberación verso en nuestra mezcla, como ocurre la transición musical.

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Si desea que su retraso a ser más evidentes, o si desea crear un poco de empuje y tire rítmica, intente ajustar el tiempo de retardo ligeramente antes o después, entonces el tempo de la canción (+/- 10 ms). Esta anticipación o 'que se de vuelta' del retraso pueden aumentar el interés del oyente.

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Experimento con el uso de los retrasos en la batería particularmente estrechas de micrófono (caja, hi hat); esto puede crear una reproducción aleatoria o una 'osciló' sentir si se mezcla en el nivel adecuado. La escuchas un precio tan bajo como le sea posible escucharlo, a continuación, que el nivel llegue hasta sentir un cambio rítmico.

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Trate de usar un efecto de coro en su pista de bajo. Comience con el coro fader de todo el camino, y luego llevarlo hasta se puede sentir el extremo inferior empezar a rodear los lados de su bombo en lugar de centro. No vaya demasiado lejos! Las bajas frecuencias no deben mezclarse nunca demasiado ancho.

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Trate de rodar las dos frecuencias altas y bajas de la señal de reverberación mojado. diferencias suave en la mitad del intervalo a menudo son más eficaces en la creación de espacio y profundidad. Es fácil sobrecargar el extremo superior con efectos especiales.

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Al agregar reverberación a una voz principal, poner un filtro de paso bajo de la señal húmeda con una frecuencia central por debajo de 5 kHz. Esto ayuda a evitar la sibilancia de la señal húmeda sobrecargar el vocal y haciendo sonar duro.

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8: DISTORSIÓN Algunos de ustedes pueden pensar de la distorsión como algo malo, pero la distorsión de lo sutil a la extrema puede ser una herramienta poderosa en su arsenal.

Mucho antes de que la mezcla digital, la distorsión inherente a cada proyecto. De empujando los preamplificadores en una consola analógica a la saturación de cinta o amplificación tubo, la distorsión estaba en cada realizar un seguimiento de cada mezcla.

Muchos músicos a lo largo de la historia moderna de la música popular han utilizado la distorsión de forma creativa para definir los sonidos de la firma. Debido a esto, nuestros oídos no sólo han acostumbrado al sonido de distorsión, pero les resulta agradable armónicamente. Este es uno de los elementos que, hasta hace pocos años, han estado ausentes de la precisión inherente, limpio de mezcla digital. En estos días, sin embargo, muchas diferentes herramientas de distorsión armónica están disponibles para ayudar a los ingenieros de mezcla producen este fenómeno.

Usted puede encontrar varios modelos de analógico o engranaje de la vendimia con gran distorsión en diversos plug-ins de iZotope, como Aleación 2, Papelera 2 y 2 néctar, así como otras herramientas que pueda tener en su caja de herramientas.

¿QUÉ ES distorsión para? Un ingeniero de mezcla suele utilizar para mejorar la distorsión de la presencia de una señal de audio. Ya sea mediante la adición de algo impactante, como una distorsión basada tubo en un bombo, o algo brillante, como una distorsión basada en la cinta de gastos generales del tambor o voces, añadir la distorsión armónica puede hacer una más completa de sonido de la señal y más emocionante.

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Muchos guitarristas prefieren grabar con su saturación o distorsión activa, ya que mejora su forma de jugar su instrumento y pueden inspirar un gran rendimiento que un tono de guitarra de otra manera llana simplemente no puede.

PRINCIPIOS de la distorsión Tal vez la forma más básica de la distorsión es el exceso de la modulación de una onda sinusoidal al punto que ciertos armónicos aproximan el sonido de una onda cuadrada. La distorsión es el resultado de esta modulación sobre.

Cualquier forma de saturación armónica es técnicamente distorsión. Algunos tipos comunes de distorsión de un ingeniero de mezcla podría utilizar son:

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Tubo: Esto simula la distorsión oído de equipo del tubo que hace hincapié en los transitorios (o el ataque de un instrumento), que es la razón por la gente tiende a describirlo como garra. A menudo, la distorsión del tubo es más fácil de notar en el extremo inferior, por lo que se describe como 'caliente'. ”

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Cinta: Esto enfatiza los armónicos de orden impar que normalmente se encuentran durante la saturación de la cinta. A pesar de que también afecta a la gama media baja, el efecto de la saturación de la cinta es a menudo más notable en el extremo superior, y máquinas de cinta en sí tiene un piso de ruido (es decir: silbido). Debido a esto, la saturación de cinta se describe a menudo como 'brillante' de resonancia, así como 'caliente'.

Es posible que haya notado que en términos subjetivos de audio son a menudo intercambiables y significan algo diferente para cada uno. La regla de oro, por encima de todo, es que si suena bien, suena bien, sin embargo lo describes!

Aleación 2 también tiene 'retro' y la configuración de 'caliente'. 'Retro' se basa en las características del transistor que tienen armónicos de orden impar que se desintegran lentamente con el tiempo. 'Caliente' es similar a la configuración de tubo, pero genera rápidamente en descomposición incluso armónicos de orden, y puede sonar más suave que la saturación de tubo.

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Estos ajustes se pueden utilizar de manera sutil o drásticamente dependiendo de su gusto. También hay formas más extremas de la distorsión posible en otros plug-ins, como la papelera de iZotope 2. Estos van desde la simulación de amplificador, a la pelusa extrema, a combinaciones que puede que nunca han imaginado. Estos tipos particulares de distorsiones realmente pueden crear un énfasis en temas particulares cuando se utiliza.

Waveshaping distorsión, como el de la basura 2, se remonta a la idea de un exceso de modulación de una forma de onda de introducir armónicos adicionales, y se puede utilizar para crear firmas de distorsión del todo singular.

Una ventaja adicional del uso de la distorsión o 'excitación armónica' es que el efecto en sí mismo puede ayudar a formar el ecualizador de una pista, así como actuar como un control dinámico. señales superpuestas procedentes de un amplificador de guitarra, por ejemplo, tienen una compresión inherente que reduce o elimina la necesidad de procesamiento dinámico adicionales. Como resultado, poca o ninguna compresión es necesaria para guitarras eléctricas distorsionadas (como se menciona en Capítulo 5: Dinámica ).

EL ARTE de la distorsión Piense de la distorsión como el ajo en su salsa de tomate-la cantidad justa da la cantidad justa de relajarse. Demasiado de él podría hacer la respiración (o mezcla) olor desagradable. Estos son algunos consejos para el uso de la distorsión en una mezcla:

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En mezclas con un montón de guitarras o teclados, intente distorsionar su pista de bajo para ayudar a los transitorios de cortar a través de la mezcla. Dado el bajo está muy presionada por el extremo inferior y puede ser cubierta por otros instrumentos más arriba en el espectro de frecuencias, que puede ser sorprendido por la cantidad de

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la distorsión que puede salirse con. •

Intente enviar sus tambores a un bus estéreo y la aplicación de la distorsión al bus tambor. Esto puede proporcionar algunas de las 'pegamento' que la gente a veces se basan en compresores para.

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El uso sutil distorsión en una voz principal, con una distorsión más pesado en un autobús de Acompañamiento para Voz que se mezclan menor en volumen puede ayudar a mejorar la plenitud de la pista de voz de copia de seguridad.

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Experimento con distorsionar cualquier señal que desea cortar a través, pero que parece 'demasiado limpio' para permitir que eso ocurra (lo que incluye la caja.) Recuerde, un poco puede ir un largo camino! La automatización de los niveles de distorsión a través de diferentes instrumentos realmente puede ayudar a crear un arreglo interesante.

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Duplicar su pista vocal, a continuación, en gran medida distorsionar la segunda vocal. Poco a poco introducir la voz distorsionada en coros añadir un poco de excitación armónica. Esto también ayudará a la parte vocal se sientan más hacia adelante en un coro de espesor.

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En algunos casos, una sutil (menos de 30%) mezcla distorsión en casi cualquier señal de audio puede actuar como un impulso armónico de la canción en su conjunto, en particular los tambores (bombo y la caja, así como micrófonos de ambiente) y guitarras acústicas.

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Por encima de todo, hay tantos sabores diferentes, desde lo sutil a intenso, que se pueden utilizar con gran efecto en una mezcla. La mejor manera de utilizar la distorsión es experimentar con los diferentes tipos a su disposición, y encontrar una manera de hacer que el suyo propio. Simplemente divertirse con él!

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9: Antes de comenzar su MIX DISCUSIÓN DE OBJETIVOS CON EL CLIENTE Suponiendo que haya recibido los archivos de un cliente, es importante tener una discusión inicial con ellos sobre sus expectativas para el resultado final. Trate de obtener una lista de mezclas de referencia para tener como una línea de base desde la que trabajar (es decir, sonidos de batería, reverb en la voz, el nivel global de los instrumentos en relación el uno al otro, etc.). El siguiente paso sería escuchar una mezcla en bruto. Si bien es posible que con el tiempo ir en una dirección diferente, es importante tener una idea de lo que el artista y el productor destinados mientras estaban trabajando en el proyecto. Por ejemplo, puede haber plug-ins o efectos sobre ciertos instrumentos en su mezcla; estos plug-ins podría ser la dirección vaga el artista / productor le gustaría moverse en, o podrían ser el sonido exacto que les gustaría tener en la mezcla. ¿Oyes cualquier conflicto entre las discusiones que tenía inicialmente con el artista y las pistas que están escuchando (es decir, el artista está buscando una mezcla de baile, pero ha fijado un tambor de rock acústico en la pista)? Si usted tiene alguna pregunta sobre su mezcla, mantener una línea abierta de comunicación con su cliente. Cuanta más información se tiene antes de empezar, cuanto más cerca se estará a alcanzar su meta artistas.

Una importante distinción debe hacerse entre el sonido que el artista está buscando y el ambiente que el artista está buscando. Recuerde, nosotros hacemos las cosas encajan sónicamente para lograr un resultado final que transmite la emoción de la canción.

ESCUCHANDO EL BRUTO La primera cosa que debe hacer cuando se abre su mezcla es escuchar a ella como un todo. Durante su segundo pase, usted debe empezar a examinar las pistas de la mezcla. Recuerde, cuando se está preparando un pastel, lo que necesita saber qué ingredientes están en frente de usted.

¿DÓNDE EMPEZAR? Hay algunas maneras diferentes de acercarse a su mezcla cuando se empieza. Algunos mezcladores comienzan con la voz principal, y algunos comienzan con tambores. La razón de que comienza con una voz principal es que la voz principal es la 'estrella' de la pista. En la mayor parte de la música occidental, todos los elementos de una canción existen para servir a la voz principal. La razón de comenzar con los tambores es que los tambores son la base de la canción, y los otros elementos de una mezcla se construyen sobre la pista de batería. Al escuchar música, la mayoría de la gente o quieren cantar a lo largo o danza-, por lo tanto, los dos elementos más importantes de una mezcla deberían ser la voz principal y las a contratiempo (batería).

Por ejemplo, cuando se trabaja en una canción pop que es bueno comenzar con la voz principal ya que la música pop se basa principalmente en torno a una melodía, pero cuando se trabaja en una canción de rock, que se basa por lo general en torno a una interpretación de la banda, es posible que desee comenzar con los tambores debido a la forma en que las canciones están estructurados.

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10: MEZCLA: un verbo de acción Ha llegado el momento de mezclar! Vamos a empezar por echar un vistazo a su mezcla y decidir qué instrumento se mezcle en primer lugar. Aunque empiece con los tambores, siempre asegúrese de que la voz está presente mientras se mezcla, de manera que los tambores no llegan a superar la voz en una guerra de niveles cada vez mayores. Es una buena práctica a pensar en su pista de voz en el rock o la música pop como su brújula. Siempre y cuando se entienda que es típicamente el más fuerte, lo más importante, y por lo tanto debe estar en su mezcla, usted encontrará que es fácil de mantener los otros instrumentos de todo el vocal de manera que todo se complementa.

MEZCLA DE TAMBORES

bombo Para empezar, Ecualizar la patada. Por lo general hay un par de puntos conflictivos: entre 200 Hz-500 Hz (que puede sonar “Tubby”), 600Hz-1 kHz ( “cuadrado”) y 2 kHz-4 kHz ( “puntiagudo” o “clicky”). No hay una regla fija para ello (o cualquiera de éstos para el caso), pero estas son las frecuencias pena examinar para ver si se escucha ningún problema.

Recuerda el 'Alt + clic izquierdo en solitario' acceso directo en Aleación 2, ozono 5, néctar 2 y Papelera 2 de ecualización. Puede usar esto para localizar frecuencias problemáticas

curva de la vendimia de plataforma baja aleación 2, como se menciona en Capítulo 4: Nivelación , es una gran manera de añadir un poco de gama baja impulso particular para poner tambores, ya que también reduce al mismo tiempo algunas de las frecuencias más '' en forma de caja que pueden hacer que un sonido de bombo débil.

A pesar de que quiere un final sólido bajo, incluso un bombo puede tener demasiado de algo bueno, por así decirlo. El uso de un filtro de paso alto para cortar algunos estruendo extremo más bajo del bombo, particularmente por debajo de 30 Hz, puede ayudar a limpiar el sonido general de los bajos de su mezcla.

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A continuación, es posible que desee comprimir la patada. Una proporción suave puede ayudar a dominar el clic inicial y permitirá aumentar el volumen global, lo que resulta en una, más suave bombo más fuerte. Dado que esta es la reducción de la gama dinámica, el resultado neto es que más silenciosos golpes de patada (sobre todo en un pasaje en el que el batería está usando la patada en gran medida) sonarán 'más fuerte', y la patada serán más aún.

Intente utilizar única transitoria talladora de aleación 2 para ajustar el nivel de volumen del 'ataque' (golpe inicial) y 'sustain' (fade-away) del bombo. Para un 'boomier remate, aumentar la cantidad de sostener (ver Fig. 6). El cuerpo y el anillo de la patada se volverán más completa y más evidente. Para una patada con más fuerza, reducir el sustain (ver Fig. 7), y añadir un poco de ataque.

Figura 6

Figura 7

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Cajas y timbales los ajustes del ecualizador sugeridas pueden variar mucho dependiendo del tono de la cajas y timbales. Por ejemplo, algunas trampas tienen un fantástico tono de 'ronda' alrededor 200-250Hz, mientras que otros tambores pueden sonar muy fangoso en este rango.

Enrutamiento de sus pistas de batería a un bus estéreo tambor que se encuentra por delante del canal maestro puede ayudar aquí, como se puede utilizar EQ de aleación 2 en el bus tambor para localizar y escuchar los problemas antes de la fijación de estos problemas en las pistas de batería individuales.

Una gran cantidad va a ser determinada por escuchar a su kit de batería en su conjunto y escuchar lo que necesita ser enfatizado o restado importancia.

A menudo, el 'snap' de la trampa que suena realmente grande y nítida compite con el siseo de la voz principal en torno 3-5kHz, que puede causar problemas. Esta es otra buena razón para dejar su pista vocal sonora mientras se trabaja en sus tambores. Escuchar a los matices de su trampa como EQ le ayudará a determinar qué armónicos podría estar enmascarando su voz principal, y qué puntos EQ contribuirá a enfatizar la trampa durante su estancia fuera del camino vocal.

En cuanto a la compresión, una gran cantidad de las mismas reglas se aplican a la trampa como lo hacen a la forma en que podría tratar de tambor micrófonos ambientales (leyendo). Al igual que con la patada, puede dominar el transitorio inicial con un poco de compresión suave para lograr un sonido más suave.

Tenga cuidado de no sobre-comprimir la trampa. Una trampa hiper-comprimido puede ser mucho más sin vida y aplastado sonido que una lata de bombo.

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Hay muchos tipos diferentes de compresores, y de iZotope Aleación 2 tiene dos algoritmos, 'digital' y 'vintage'.

Mientras que 'digital' es muy limpio, transparente y precisa (ideal para una trampa limpia en una producción pop), 'Vintage' imita el carácter de algunos compresores analógicos. 'Vintage' reacciona con mayor rapidez a los transitorios, pero luego se alivia dentro y fuera de la fase de liberación. Este comportamiento es un poco 'grab', y puede sonar más suave y más pegada. Esto es a menudo el camino a seguir para un buen sonido tambor de la trampa con mucho carácter.

En las tres imágenes a continuación, la imagen superior muestra la señal de entrada sin procesar, la imagen central muestra la señal de entrada digital comprimida en el modo de aleación, y la imagen inferior muestra la señal de entrada en el modo comprimido de la vendimia de la aleación.

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Transparencias / Micrófonos de tambor ambientales Al mezclar tambores, algunos ingenieros comienzan con los micrófonos elevados, ya que proporcionan una imagen de todo el kit de batería. Dependiendo del número de micrófonos de ambiente que tiene, ya se trate de una sobrecarga de mono o estéreo o de múltiples habitaciones micros-usted puede utilizar estos micrófonos para dar forma a un sonido habitación más grande o más que enfatizar ciertos aspectos (por ejemplo, platillos / Hi-sombreros). Recuerde, ya que los sonidos de las habitaciones varían, la forma en que serán ecualizadas los micrófonos de ambiente también variará.

recortes drásticos en el extremo inferior de micrófonos de ambiente a veces puede limpiar 'Rumble' en la sala de tono y apriete hasta sonidos de batería. Aunque a veces esto puede sonar muy poco natural, que funciona en el contexto de la mezcla. ¡Pruébalo!

Con la compresión, las opciones pueden variar desde sutiles, para el mantenimiento de los platillos, a una relación límite extremo de 20: 1 o superior para convertir su baterista John Bonham en. Más adelante en este capítulo, discutiremos los usos creativos para múltiples micro de ambiente set-ups.

El uso de un supresor de eses platillos puede ayudar a dominar cualquier tonos metálicos duros si un platillo que suena un poco descarado para el

mezcla. Mientras que De-Essers fueron diseñados originalmente para las voces, el De-Esser funciona de la misma cuando se usa en la supresión de ráfagas de alta frecuencia de cualquier instrumento. Basta con sintonizar las frecuencias 'ess' a la zona del espectro de frecuencias en el que los platillos suenan particularmente duro, y establecer el umbral en consecuencia.

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Recordemos lo que hemos cubierto anteriormente acerca de procesamiento mediados / lado? El uso de un mediados EQ / lado en sus gastos generales del tambor para agregar una cierta elevación en el extremo más alto en el canal lateral, mientras que la adición cortes más precisos y aumenta centrado alrededor del bombo y la caja puede hacer una grabación de sonido de batería mucho más amplia, si eso es algo que hace sentido para su mezcla.

El uso de un formador de transitorios, como el de la aleación 2, es una gran manera de aumentar la presencia de los gastos generales y el charles. La adición de más de ataque (sobre todo a la parte alta si está en modo multibanda) ayuda a estos metronomic- todavía expresivos elementos de corte a través de una mezcla de justo en el momento transitorio más breve (nunca mejor dicho). La automatización del parámetro Attack para aumentar en un coro, donde es probable más en juego, le ayudaría a cortar a través de, y mantener el impulso rítmico ir, a pesar de las piezas adicionales.

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Percusión Esto puede ser cualquier cosa de agitadores y pandereta, a las congas y timbales, a la percusión electrónica y cualquier otra cosa.

A medida que estos instrumentos varían en tono, y con frecuencia ocupan zonas más pequeñas del espectro de frecuencias, ajustes de ecualización son a menudo drástica, con el fin de hacer el ajuste de percusión dentro o cortar a través de una mezcla.

Aleación 2 tiene algunos grandes preseleccionadas para ayudar a empezar mezclando todo tipo de instrumentos de percusión, incluyendo tambores.

La compresión de percusión requiere proporciones mucho más altas, así como más rápidos tiempos de ataque y de liberación. Las proporciones entre 5: 1-8: 1, aunque pesado, se recomiendan. Cuando un sonido de percusión es demasiado corto, suavizando los picos transitorios nos permiten escuchar la decadencia y el carácter del sonido un poco más claramente. Es posible utilizar un tiempo de liberación tan bajo como 20 ms.

El compresor en Aleación 2 tiene un metro de ganancia de seguimiento que ilustra la reducción de ganancia en el tiempo. Utilice esta pantalla para configurar el tiempo de liberación con precisión. Si el compresor está tomando demasiado tiempo para volver a 0, reducir el tiempo de liberación hasta que la vea romperse de nuevo rápidamente.

La percusión puede ser usado para añadir emoción rítmica, pero hay que tener en cuenta que el exceso puede distraer al oyente desde el núcleo fundamental de su mezcla. Utilice la percusión con moderación. Considere girando el camino nivel hacia abajo durante el verso, pero siempre asegurándose de equilibrar el lavado de modo que usted no tiene la totalidad de su percusión centra alrededor sólo la izquierda, o sólo los canales adecuados.

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MEZCLA BASS Bajo Como hemos comentado en el capítulo anterior, la relación de gama baja entre el bajo y el bombo es una de las relaciones más importantes fundamentalmente en su mezcla. El objetivo es tener el extremo inferior sentir a la vez potente y moverse sin ser una molestia, ya sea instrumento o forzando uno fuera del camino de la otra. Una regla de oro para el combo Ecualizar graves / tiro libre debe decidir cuál de ellos gana la batalla de gama baja. ¿Es el bajista de redondeo que extremo inferior con un tono intenso y algunas notas bajas graves, mientras que el bombo es más 'ágil' y 'luxación?' O es su bombo que lleva la batuta con sonido profundo y sostenido? Tal vez incluso se registró a través de una patada sub. La elección es estilística, y es realmente depende de ti.

Sea cual sea el instrumento a decidir va a conducir la gama baja, 'envoltura' el otro instrumento a su alrededor con su EQ. Por ejemplo, si la patada se enfatiza a 80 Hz, asegúrese de que el bajo no se enfatiza a 80Hz, sino más bien a 40Hz y 120Hz. Usted también puede decidir cambiar esta relación como se empieza a introducir otros elementos en su mezcla, pero no se desanime por eso. Las revisiones son una parte normal y esperada del proceso!

Entre 2-5kHz es una buena zona de gama media para impulsar el fin de ayudar a un bajo asoman a través de una mezcla densa. Esta zona 2-5kHz es donde se encuentran los armónicos superiores que identifican más fácilmente el tono bajo y de paso.

Algunos distorsión armónica también puede ayudar a mejorar las frecuencias de esta zona. Como regla general, la adición de las distorsiones de tipo tubo se espese hasta el extremo inferior de un bajo, al tiempo que añade distorsiones de tipo cinta introducirá una distorsión armónica que será más notable en la segunda mitad de los extremos superiores. Así distorsión de tipo cinta se aconseja para aclarar encima de la zona 2-5kHz.

Armónica excitador de aleación 2 ofrece ambas distorsiones de cinta y el estilo del tubo. También puede mezclarse entre los distintos modos en una cuadrícula XY. Con el excitador de armónicos en el modo multibanda, puede aplicar caliente, la distorsión del tubo a la gama baja y la saturación de cinta a las altas frecuencias medias, como se discutió anteriormente.

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Cualquiera que sea la ecualización y la distorsión se agrega, sin pasar por mantener y poco pasando por alto la configuración para asegurarse de que usted es capaz de escuchar, no realmente sólo ver a los cambios que realice. Nuestros ojos a menudo nos pueden engañar en pensar que oímos el cambio que se produce, por lo que es importante escuchar con atención.

Bajo la compresión puede variar dependiendo de cómo se juega el instrumento. Si se trata de un bajo vertical, entonces sutil a una compresión moderada con un ataque moderado y tiempo de liberación es el mejor.

Si un bajo eléctrico se toca con una púa o “estilo Funk” con un pulgar, más rápidos tiempos de ataque y liberación pueden ser necesarias para dominar los transitorios.

Para eléctrica estilo del dedo, los tiempos de ataque y liberación pueden volver a moderada.

Estas proporciones varían a menudo entre 3: 1 a 6: 1, pero puede ir tan alto como 10: 1. Lo importante aquí es tener en cuenta la cantidad de reducción de ganancia que está ocurriendo. reducción de ganancia sutil daría lugar a los picos de ser atenuada por aproximadamente 2-3dB, donde la reducción moderada estaría cerca de 6 dB. Asegúrese de aplicar el maquillaje de ganancia, o auto-ganancia, si la herramienta tiene una característica. De lo contrario, su bajo será conseguir más suave, pero también más silencioso, que puede provocar que se pierda en una mezcla.

El módulo de Dinámica de aleación 2 contiene una etapa de ganancia se puede ajustar automáticamente o bien, o el uso de ganancia automática para hacer de forma inteligente para cualquier pérdida de volumen debido a la compresión.

Otra herramienta útil para la separación de tiro y el bajo es la compresión de la cadena lateral. Esta forma de compresión utiliza el nivel de un instrumento sobre un umbral para activar la reducción de ganancia (compresión) en otro instrumento. Por ejemplo, la inserción de un compresor en una pista de bajo que reacciona con el bombo comprimirá el bajo cada vez que el bombo es golpeado. Este método 'afines', la pista de bajo y 'pato' que fuera del camino cada vez que el saque es golpeado, mientras que todavía mantiene su nivel global en la mezcla.

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Aleación 2 ofrece compresión de la cadena lateral o 'agachándose.' Se puede utilizar el primer módulo de Dinámica para comprimir su bajo como su propio instrumento, y luego usar el segundo módulo Dynamics para la cadena lateral del bajo-pulido ahora de acuerdo a la señal de bombo.

Por supuesto, mientras observamos medidores puede ser importante, es igual de importante confiar en sus oídos. Hasta que lo haga, sepa que siempre se puede hacer referencia a sus metros. No se desanime si tarda un poco en llegar a su extremo inferior a la realmente brillar-bajo puede ser el instrumento más difícil de manejar en una mezcla. A diferencia de la batería, el bajo es a la vez un instrumento muy rítmico y armónico. Mientras que cada golpe de bombo es en gran parte el mismo tono, la nota fundamental en un cambio de graves para cada nota las huelgas jugador bajo, lo que hace que clavar el extremo más bajo en el bajo similar a golpear un blanco en movimiento. Si la parte del bajo tiene mucho movimiento, es posible que tenga que hacer ajustes utilizando paseos de automatización. Muchos ingenieros de mezcla prefieren hacerlo de forma manual, pero también hay plugins que se desplazan automáticamente la ganancia o EQ de una actuación dentro de ciertos límites con el fin de suavizar una actuación.

Una vez que se ha establecido la sección rítmica, es hora de traer a los instrumentos armónicos. Las gamas y los tonos de estos instrumentos armónicos globales pueden variar enormemente, desde un sonido ultra-limpio y amplia piano, a un solo de guitarra de gama alta screechy. Cada uno presenta sus propios desafíos y características únicas.

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MEZCLA DE GUITARRAS Guitarra acustica Las guitarras acústicas pueden asumir diferentes roles en diferentes pistas, ya sea desde el principio en una mezcla más superficial, simplificada, o como una pista de soporte en una mezcla densa. Es importante tener en cuenta antes de empezar si el instrumento será una característica o no. Si se pretende ser una guía de soporte, y luego considerar que el instrumento cubre una gran cantidad de espacio armónicamente, y que tiene que ser recortado 'paisaje'. Es esencial para asegurarse de que la guitarra acústica no causa los tambores para que suene más pequeño.

Este es un buen uso para un filtro de paso alto establecido entre 100-200Hz con compresión moderada.

También es posible que desee hacer algunos cortes de ecualización de mayor tamaño en el rango 4-6kHz, ya que esto ayuda a una guitarra acústica mueva ligeramente lejos de una vocal, que de otro modo podría interferir con.

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Recuerde, adelgazamiento de estos instrumentos será notable si solo de ellos, por lo que puede dudar de ti mismo, pero tales cambios serán más de un cumplido si escuchas a la forma en la guitarra acústica encaja en la general mezcla.

Por último, estéreo micro, ¡estés guitarras acústicas pueden ser muy difíciles de combinar en una gran mezcla. Intente enfocar estos al mismo punto para crear una pista acústica mucho más estrecho o incluso mono. Esto permite que el instrumento se ocupan mucho menos espacio global que puede ayudar.

Guitarra eléctrica Este instrumento, junto con ciertas vocales, tiene la variación más amplia de posibilidades de tono de cualquier cosa que encontrará probablemente en una mezcla. Como mencionamos anteriormente en la sección de dinámica de esta guía, la compresión puede ser mucho más eficaz en las guitarras eléctricas más limpias que en los distorsionadas, ya que las guitarras distorsionadas pueden tener un poco de compresión inherente como consecuencia de la distorsión de recorte.

Las personas suelen registrar las guitarras eléctricas con amplificadores y pedales de efectos activo, o si lo grabaron en seco, que podrían incluir un tapón en sus pistas como una guía. Ambos pueden ser útiles ya que los jugadores son capaces de capturar el sonido que quieren oír desde el instrumento. Esto le ayudará, como el ingeniero de mezcla, entender bien el sonido exacto que los jugadores están buscando, o una aproximación que les gustaría que yo refinar.

Usando armónica Exciter de la aleación 2 para empezar a añadir una ligera cantidad de distorsión armónica, a continuación, la automatización del control de ancho de arriba o abajo en los coros es un simple mejora pero eficaz para guitarras eléctricas.

Usted encontrará que la panorámica será la forma más eficaz para separar numerosas guitarras eléctricas en una mezcla densa. Por último, si hay algunas guitarras doble vía (la misma parte realizó dos veces), desplazarlas a la izquierda y la derecha ayuda a ampliar la imagen estéreo de la pista.

MEZCLA DE TECLADO Teclados Estos pueden ser los instrumentos más problemáticos en una mezcla de tratar, ya que ocupan la mayoría del espacio en el equipo de música y campos armónicos.

Muchos pianos son micro, ¡estés en estéreo para capturar actuaciones que pueden variar enormemente de extremadamente baja en el registro de extremadamente alta. Por lo tanto es crucial para saber si el piano es un instrumento de características (que significa guitarras están ahí para apoyarlo) o si el piano no es más que un instrumento de apoyo en sí.

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A veces se necesita EQ drástica sólo para hacer un ajuste de piano en un conjunto. A menudo, los ingenieros se mezcle pan teclados más hacia un lado en vez de tener que abarcan todo el campo estéreo. Esto viene de nuevo a la idea de cerrar los ojos e imaginarse la banda en el escenario. ¿Ves un pianista en el medio del escenario con su mano izquierda todo el camino hacia el lado izquierdo y la mano derecha a la derecha? Es probable que, probablemente no. Debido a esto, tratar de colocar al jugador en el que le imagen / ella en el escenario.

Tenga mucho cuidado al usar el procesamiento dinámico en un sonido de piano o el teclado, ya que es extremadamente fácil de comprimir en exceso y causar audible 'bombeo' en estos instrumentos. Una relación de entre 1: 4-2: 1, así como algunos compresión paralela es todo lo que se necesita. compresión paralela, como se menciona en Capítulo 5 , es una manera eficaz de lograr una compresión más transparente.

MEZCLA DE VOZ Voz principal Ahora llegamos a la estrella! A menos que estés mezclando el próximo gran disco de jazz instrumental, la voz principal suele ser la vía más importante de toda su mezcla. Esto es lo que todo el mundo se centrará en cuando escuchan la canción. Un vocal con un seguimiento correcto y bien realizado puede necesitar poco procesamiento. Por otro lado, un vocal que está mal realizado o grabado puede requerir el equivalente de audio de la cirugía a corazón abierto grave.

Aquí hay una extensa lista de procesadores que se utilizan comúnmente en las cadenas vocales complejos:

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Filtro de paso alto: Para eliminar cualquier señal no deseada de gama baja.

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De-Esser: Para eliminar cualquier sibilancia que pudiera quedar subrayado más tarde a través de ecualización.

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“Surgical” EQ: Este es un EQ que es útil en la eliminación de las frecuencias no deseadas. Por ejemplo, entre 400-800Hz puede haber una frecuencia que podría hacer que el sonido venda como se están cantando en un micrófono barato, y entre 2-4kHz por lo general hay una frecuencia que hace hincapié en un sonido nasal. Estos son algunos a tener en cuenta

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Limitador: Esto se hace generalmente previsto que llegue a los picos más altos de una actuación vocal en 2- 3 dB de reducción de ganancia.

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Cuando se utiliza un limitador para atrapar a los picos más altos de una vocal, que le probable es que desee utilizar un limitador crujiente más suave, de tipo analógico. En lugar de actuar como un ladrillo de la pared, se realiza una atenuación más suave con una filosofía 'algunos pasará'. Limitador de aleación 2 tiene un modo 'suave' diseñada específicamente para esto.

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La conformación de EQ: Utilice esta EQ para destacar y complementar las mejores cualidades de la voz cantantes. Si es necesario, utilizar un ecualizador de estantería en el extremo superior de añadir “aire” a la voz.

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Compresión: Aquí es donde se puede dar forma a la gama dinámica global de la voz. Esto puede ir desde lo sutil a extremo en función del género de la música o de las secciones dentro de una canción. Para la compresión, un ataque al medio y liberación rápida sería un buen punto de partida. Vas a tener que ajustar su umbral para un funcionamiento irregular y hacer frente a otros problemas con la automatización.

Si usted se encuentra con una proporción más alta con una gran cantidad de compresión en una vocal, dar un paso atrás. A veces, el uso de dos compresores más suaves en serie (uno tras otro) puede producir un resultado más suave, en comparación con un compresor que trabaja más duro.

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Saturación: TOP su procesamiento vocal con una forma ligera de saturación de cinta para añadir un carácter agradable para la voz.

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Reverb / Delay: Ya se trate de un buen reverb de láminas, algo de retraso de tipo analógico sucia, o algún limpia ecos digitales, reverberación y el retardo son la clave para hacer una voz realmente se destacan y brillo.

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Al agregar reverberación a una vocal, muchas buenas reverberaciones ofrecen la posibilidad de filtrar la señal o 'húmedo' reverberante. Trate de rodadura de la parte alta de la señal húmeda hasta que los reflejos brillantes '' se sientan justo debajo de la sibilancia vocal. De lo contrario, la adición de una gran cantidad de reverberación en el extremo alto puede crear un nuevo espacio que, de hecho, compite con la voz seca.

Este flujo de señal es un enfoque, pero hay muchos. Néctar 2 contiene varios valores predeterminados de vocales-género específico que utilizan diferentes flujos de señal. Trate de experimentar y ajustar con algunos para encontrar el sonido que te inspira.

Como beneficio adicional, a veces, una ventaja de los beneficios vocales de un efecto de coro ligero (8% húmedo o menos). Una buena voz nunca es aburrido, pero que utiliza un efecto de coro mezclado en un nivel bajo puede añadir suficiente movimiento alrededor del centro para hacer la voz principal aún más interesante.

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voces de fondo Estos también pueden variar mucho, pero por lo general hay dos tipos de voces de fondo: Voz que armonizan y comparten contenido de las letras con la línea de voz principal, y las voces que actúan como almohadillas (exclamaciones y ahhs por ejemplo).

Para las líneas de armonía, que debe discutir con el cliente lo fuerte que piensan las armonías deberían ser. Están actuando casi como un doble voz principal, o deberían ser más bajos en la mezcla como un soporte para el plomo?

Para las voces del cojín, intentar comprimir ligeramente más, utilizando un filtro de paso alto más extremo, y empapando en reverb para el efecto dramático añadido. Estos tipos de voces pueden variar ampliamente en la forma en que se panoramizan. A veces, si se doble vía, pueden ser colocados totalmente a la izquierda y la derecha. Aunque, en los últimos años, este tipo de voces han tenido una panorámica mucho más estricta en las mezclas que deja más espacio para las guitarras y las pastillas de teclado para ser analizado detalladamente más amplio.

MEZCLA EN EL estructura de la canción Ahora que ha creado el marco y la forma básica de su mezcla, es el momento de crear algún movimiento dentro de la mezcla para complementar la disposición.

Al escuchar una canción, se dará cuenta de los cambios en la energía de sección a sección. Por ejemplo, ¿alguna vez has notado cómo los cambios de energía cuando una canción transiciones de un verso de un coro?

Parte de lo que se está notando (especialmente en una buena mezcla) es la forma en la mezcla complementa esa transición. Lo más importante es crear un movimiento hacia adelante que los mejores elogios y presenta la canción. Uno de los elementos más importantes que tenemos a nuestra disposición en la música es que, a diferencia de una pintura o una escultura, una canción se desarrolla con el tiempo. No es estática, es dinámica, y nuestra mezcla debe reflejar esto. Hay algunas maneras de hacer esto:

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En primer lugar, tienen un menor número de pistas en versos que hay en coros y tratar de introducir algo nuevo en cada sección que la canción avanza. No es inusual para un artista para presentar un ingeniero de mezcla con una dotación completa de pistas e instrumentación, y por el ingeniero de mezcla para hacer algunas decisiones acerca de dónde cortar, silenciar o cambiar partes y disposiciones.

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pistas Pan y versos estrecha y coro pistas más amplio. Tal vez un verso tendrá una guitarra acústica mono enfocó a medio camino de un lado, y un coro tendrá guitarras doble vía colocados totalmente a la izquierda y la derecha.

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Tienen pistas y versos llevan menos información de baja y de gama alta y gama-coros ser este completo creará excitación armónica en su mezcla.

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Utilizar cualquiera de efectos mono o efectos con un tiempo de decaimiento más corto en versos y efectos estéreo con un tiempo de caída más larga en coros. Esto ayudará a la profundidad de su movimiento de mezcla que avanza la canción.

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Utilice la distorsión con moderación (o no) en los versos y entrar en él en forma gradual para cada coro. Esto ayuda a crear aún más emoción armónica lo que puede con EQ solo. La distorsión no tiene por qué ser extremas, sólo un poco puede cambiar el sonido inmensamente. Usted no quiere abrumar, sólo darle una patadita.

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Con tambores, automatizar sus micrófonos ambientales para cambiar entre los versos y coros. Hay dos escuelas de pensamiento con esto: La crianza de sus gastos generales y habitaciones micrófonos en coros será ampliar la imagen estéreo de sus tambores y hacer que el sonido general kit más grande, mientras que traer los micrófonos de ambiente en coros dejará mucho más espacio para las guitarras y otros instrumentos armónicos que se entra. experimentar con ambos enfoques para ver qué estilo mejor se adapte a las necesidades de su mezcla.

El objetivo de todos estos puntos y consejos es cambiar la imagen en tres dimensiones de nuestra mezcla junto con la canción. Estamos tratando de hacer la canción “respirar” mediante la adición de anchura, profundidad y emoción armónica como la canción en sí se vuelve más emocionante, y teniendo los elementos de contrato como la canción se vuelve más escasa y cambios líricamente y dinámicamente.

Otra forma de pensar en ello es que la canción cuenta una historia. Cada historia tiene sus altos y bajos, sus sus períodos de transición, y el mezclador utiliza herramientas para enmarcar esa historia.

Automatización Utilizamos la automatización para lograr el mismo efecto que todos los elementos anteriores. Queremos tanto a “igualar” las actuaciones irregulares de forma dinámica, y hacemos hincapié en determinados puntos de la emoción dentro de una mezcla.

Muchas mezclas utilizan la automatización. Por ejemplo, la automatización en una voz principal puede mantener la voz en la parte superior de la mezcla y hacer hincapié en las palabras y frases en particular dentro de la canción para lograr el mejor impacto emocional. Otro buen uso de la automatización es hacer hincapié en un 'construir' en un instrumento en particular para que la sección se sienta más dramática. Automatización, como se ha dicho antes, también es útil para cambiar el nivel de pistas de una sección a otra dentro de una canción (como hemos dicho con tambor micrófonos ambientales). Este es el tipo de dispositivo que se puede utilizar con la mayor moderación o como liberalmente como desee. No hay reglas para la automatización de algunos mezcladores-despreciarlo y otros adoran. A fin de utilizarlo a su antojo, con la condición que hace que su mezcla mejor.

Lo creas o no, habrá un punto en el que siente que su mezcla está lista, o cerca de listo! Esto también podría ser el punto en el que ha perdido toda perspectiva y necesita otro par de oídos para escucharla. Este será el momento en que esté listo para enviar su mezcla con el cliente. Sin embargo, hay algunos consejos prácticos que usted debe saber antes de que el correo electrónico lo más importante se apaga:

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Asegúrese de tomar descansos frecuentes, ya que los oídos se cansan por el uso excesivo. Unas pocas reglas generales son para tomar un descanso de 10 minutos cada hora (terapeutas lo hacen, ¿por qué no nosotros?). Otra opción es lo que se conoce como la regla 90/20: A 20 minutos en romper cada 90 minutos. A veces es importante pasar tanto tiempo sin escuchar a la mezcla, ya que la escucha, de esa manera se actualizarán los oídos cuando empiece a trabajar de nuevo

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Una mezcla es una serie de acertijos lógicos, similar a la construcción de un castillo de naipes. En muchos casos, una acción afectará a algo más en su mezcla. Escuchar a los cambios sutiles cuidadosamente para entender el efecto que tienen en otras pistas.

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Recuerde, el botón solo es tu enemigo! Al escuchar una pista aislada, no tiene punto de referencia para la forma en que está asentado en la mezcla. Está bien para un instrumento solista para averiguar si hay un foco de problemas en el rendimiento o la forma en que haya procesado, pero usted debe inmediatamente sacarlo de solitario y escucharla en el contexto de la mezcla completa. Una mejor opción es llevar el fader para esa canción en particular en su mezcla de escuchar cuáles son los problemas. No da un sentido de contexto, pero es mucho mejor que con sólo escuchar por sí mismo.

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Escuchar la mezcla de diferentes altavoces y en diferentes entornos, especialmente los entornos donde normalmente se escucha música. Si usted tiene alguna pregunta sobre cómo un determinado instrumento puede estar sentado en su mezcla, tendrá una mejor información, si usted sabe que está altavoces no están engañando. Además, su cliente es probable que realizar la 'prueba de coche', o 'prueba de botón para el oído', escuchando a ella en tantos ambientes que están tan lejos de un acústicamente buena habitación mezcla tratada como sea posible!

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Tenga una lista de canciones para hacer referencia a que está familiarizado con. Crear una lista de reproducción de numerosas canciones que conoce íntimamente. Escucha cómo las voces se sientan en la mezcla, cómo las reverberaciones y retrasos suenan en el contexto de los instrumentos, donde los tambores se sientan en relación con el bajo y las guitarras, el grado de tensión o cómo suelta el extremo inferior es, y así sucesivamente. Al comparar su mezcla a familiarizarse lata material le da un punto de referencia para todo lo que está haciendo. Tener el cliente sugiere referencias mezcla que admiran puede ayudar en este sentido.

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En algún momento, o múltiples puntos durante su mezcla, apagar la pantalla del ordenador y simplemente escuchar a la mezcla. Usted se sorprenderá de lo que puede oír cuando se quita el componente visual de su trabajo.

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Si es posible, cuando termine su mezcla, poner a un lado por la noche y escuchar cuando usted llega al estudio al día siguiente. Esto le dará una perspectiva más fresca que posiblemente puede tener y le dará un descanso psicológico y físico antes de enviar la mezcla fuera al cliente.

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11: ACABADO DE LA MEZCLA Después de que la mezcla ha terminado en gran medida, creativamente hablando, los pasos finales no son menos importantes. En primer lugar, la mezcla tiene que ser entregado al cliente para su aprobación. A continuación, las revisiones requeridas deben ser fabricados y aprobados. Y por último, la mezcla debe ser entregado al ingeniero de masterización. Veamos en detalles de estos procesos.

IMPRESIÓN DE SU MEZCLA Ahora que usted siente que su mezcla está lista para presentar al cliente, ¿cómo se va a enviar a ellos? Hay varias formas de hacerlo:

1. Rebotando / Exportación: Su aplicación de audio debe tener una función para grabar internamente un archivo estéreo de

su mezcla. Podría llamarse 'Bounce to Disk', 'Exportar', o algo por el término. Discutiremos formatos de exportación más adelante en este capítulo.

2.

Foldback interna: Si va a grabar “fuera de la caja”, ya sea a través de un dispositivo sumador analógico o una consola, puede crear una pista estéreo dentro de su aplicación de audio y grabar su mezcla a esa pista. Esto ofrece la ventaja añadida de guardar una copia de su mezcla dentro de su sesión. Una vez que ha grabado su mezcla, a continuación, puede exportar el archivo en el formato que desea.

3. Imprimir externa: Esto también es útil cuando se graba “fuera de la caja”. Con este método, usted está la grabación a un dispositivo externo (una cinta de 2-pista, una grabadora de CD, etc.).

SU BUS MAESTRO Una gran cantidad de tiempo y energía se ha gastado por los ingenieros de mezcla que discuten sobre si debe o no utilizar ciertos transformado en su bus maestro.

No hay una respuesta correcta para esto. Si usted planea en el envío de la mezcla para el dominio (que es altamente), por lo general es mejor no usar ningún tipo de procesamiento en el bus maestro. Incluso si usted planea en el dominio de su propia mezcla, que valdrá la pena su tiempo para no procesar su bus maestro, y, en cambio, dominar su mezcla en una fecha posterior.

Leer iZotope de gratis Guía de masterización para obtener consejos sobre cómo dominar una mezcla.

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Algunos profesionales utilizan un poco de compresión y EQ en el maestro. Así que si usted decide utilizar el procesamiento-ya sea EQ, compresión o así sucesivamente-asegúrese de imprimir también una mezcla sin ningún procesamiento. Además, no siempre piensa “el ingeniero de masterización va a arreglar eso.” Usted debe ofrecer la mejor combinación posible para que los ingenieros de sonido pueden hacer lo que mejor saben hacer ..

No vuelvas a comenzar con cualquier tratamiento en el bus maestro y 'mezclar en ella'. Esta es una mala práctica, como la mejor mezcla proviene de una cuidadosa atención a cada elemento de mezcla individual, en lugar de amplios cambios radicales en un bus estéreo mezcla maestra. Si alguna compresión 'pegajosa' o la saturación suena bien en su bus master, pregúntese si usted podría lograr ese resultado mediante el ajuste de la configuración de seguimiento individuales.

REVISIONES En algunos casos, el cliente estará presente para su mezcla. Pero en otros casos (como cuando se tiene que enviar la mezcla de forma remota a su cliente) tendrá que esperar las reacciones. En ambos casos, lo más probable es que el cliente va a solicitar cambios o revisiones. Esto no quiere decir que usted ha hecho una mala mezcla. Siempre hay una posibilidad de que el cliente va a escuchar ciertas cosas de manera diferente que tú. Se podría exigir cambios más grandes, como con lo que el nivel de la voz por toda la mezcla, o pueden solicitar cambios más pequeños, tales como escuchar una sobregrabación particular en el altavoz izquierdo en contraposición a la derecha. En cualquier caso, la visión del cliente de la mezcla puede ser diferente a la suya en algunos aspectos.

Recuerde que su cliente es la persona que paga usted, y muy a menudo, a menos que haya una etiqueta involved- el cliente es también el compositor. Como tal, su visión del sonido y la sensación es más importante que su interpretación de su canción, y sí, sentimos su dolor cuando esto representa un problema. Cuando esto sucede, recuerde los días de vinilo. Cuando los registros eran el formato de audio principal, el nombre del artista sería muy grande en la portada, y el nombre de la mezcladora sería muy pequeña en la parte posterior. Trate de acordarse de esto cada vez que se siente fuertemente sobre una interpretación de la canción de un cliente. Llegando a este descubrimiento le dejará con los clientes más felices y algunas nuevas referencias!

¿En qué formatos IMPRIMIMOS? Cuando esté listo para rebotar o imprimir su mezcla, es necesario decidir qué formato, la profundidad de bits y frecuencia de muestreo donde se imprime. Si usted va a enviar su mezcla para conseguir dominar, se recomienda mantener todos los parámetros de los mismos que los archivos de audio en su mezcla. Al hacer esto, usted está manteniendo también la calidad de audio de su archivo y permitiendo que el ingeniero de masterización la posibilidad de hacer la profundidad de bits o la conversión de frecuencia de muestreo en la etapa final con herramientas de conversión de mayor calidad.

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Rebotando o exportar su mezcla a una mayor profundidad de bits o frecuencia de muestreo no añadir la fidelidad o la resolución a su archivo. Por ejemplo, si la sesión utiliza una frecuencia de muestreo de 44,1 kHz, no se puede simplemente añadir más muestras de la mezcla final, sólo estás creando vacíos de datos. procesadores de audio buenas pueden hacer sobremuestreo interna y procesamiento de 64 bits cuando sea necesario, por lo que el argumento de que se ponga el muestreo de sí mismo ayuda a los procesadores de audio hacen un mejor trabajo sin aliasing rara vez es válida, a menos que las herramientas no están actualizados.

Cuando rebotar su mezcla a una profundidad de bits más baja, tendrá que añadir tramado a su bus maestro. Una vez más, lo mejor es dejar esto al dominio de los ingenieros si es posible.

Tanto la Guía de masterización de iZotope y la Guía de tramado puede ayudar a explicar el proceso de tramado si está interesado.

IMPRESIÓN ALTERNOS MEZCLAS / TALLOS Después de haber impreso su mezcla final, puede optar por imprimir mezclas alternativas. Algunas mezclas alternativas comunes que proporcionan opciones interesantes para el cliente son:

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Hasta Vocal 1 dB

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Vocal Hasta 2 dB

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Bajo hasta 1 dB

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Instrumental

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Un Capella

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Show Mix (Mezcla sin voz principal)

También puede optar por imprimir tallos. Los tallos son instrumentos individuales o grupos de instrumentos con la totalidad de su procesamiento habilitado. Para imprimir los tallos, simplemente el instrumento solista o grupo antes de la grabación. tallos comunes son:

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Tambores

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Bajo

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guitarras

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Llaves

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sintetizadores

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Percusión

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Voz principal

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voces de fondo

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Cuerna

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Instrumentos de cuerda

Usted encontrará que la impresión de estos tallos pueden ser útiles más adelante en caso de que tenga que volver a hacer cualquier remezcla. A menudo, es más fácil tirar de mezclas estéreo de instrumentos de tratar de recordar una mezcla de todo.

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12: RESUMEN Esperamos que esta guía sigue siendo una referencia para usted como a ampliar sus habilidades de mezcla. Recuerde que nuestro objetivo es ser “el ojo invisible”, la lente a través del cual nuestro cliente ve la visión final de su canción. Es también nuestro trabajo al servicio de la canción de la mejor manera posible mediante el uso de todas las herramientas que tenemos a nuestra disposición.

Al final, nada en esta guía representa una regla dura y rápida, simplemente una pauta. Todo el mundo puede poseer el mismo EQ o compresor, pero, al final, cómo elegimos a utilizar nuestras herramientas nos ayuda a encontrar nuestra propia voz única como un mezclador.

Por último, recordar las dos cosas más importantes: Mezclar la canción a la medida de su capacidad, y divertirse haciéndolo!

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13: Consejos de los profesionales Joel Hamilton Los créditos incluyen: Elvis Costello, Pretty Lights, Matisyahu

“A veces tener un mono, un compresor paralelo que tiene un desplazamiento puede ser increíble raro fase. Intente ejecutar algo así en la batería y luego escucharla con la fase invertida. Ver si se puede conseguir un poco de filtro de peine en serio loco pasando. Puede hacer que el sonido patada como se cayó una octava, y todavía no inundar el bus de mezcla. ¡Disfrutar!"

Jimbo Barton Los créditos incluyen: fiebre, Queensryche, Matchbox Twenty

“Normalmente el batería, bajo y voz principal en perspectiva y construir los otros instrumentos dentro de ese marco. Igualación de instrumentos en solitario no siempre dará la perspectiva deseada en la mezcla. Obtener el sonido básico en solitario, a continuación, si usted todavía no puede oír, ecualización para adaptarse a su mezcla. No tengan miedo de nuevo si vuelve en solitario y que suena como basura. Si suena bien en la pista, es bueno! Al utilizar retraso en la voz, en gran medida de-ess el envío a la demora, a fin de eliminar las sílabas dura de la demora “.

Craig Schumacher Los créditos incluyen: Neko Case, KT Tunstall, Calexico

“Saber cuándo se realiza la mezcla! Demasiadas veces nos pueden retocar y pequeñez en una mezcla. Si usted tiene que nivelar un estante, a saber cuando la plataforma esté nivelada. La atención al detalle es bueno, pero sabe cuando haya terminado, o pasado el punto de rendimientos decrecientes.”

Ted Paduck Los créditos incluyen: Nine Inch Nails, Aerosmith, Run DMC, Busta Rhymes

“EQ no siempre se trata de impulsar. Intente cortar las frecuencias no deseadas que pueden enmascarar los fundamentos de otros instrumentos. Por ejemplo, un filtro de paso alto a 80 Hz en los gastos generales puede abrir el extremo inferior para bombos y el bajo “.

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APÉNDICE A: Conseguir crear para mezclar SOFTWARE Y TARJETA DE SONIDO Mezclar en un ordenador, se necesita algún tipo de software de edición y una interfaz de audio o tarjeta de sonido. Hay un montón de comentarios y artículos sobre software, tarjetas de sonido, e interfaces de audio, etc., que pueden ayudar a encontrar el equipo que va a funcionar mejor para usted. Una palabra de advertencia: tienes que tener cuidado cuando se basa en la reproducción de audio que está integrado en un ordenador, ya sea de escritorio o portátil. Por lo general, no están diseñados para alta fidelidad y en algún caso se ejecutará el audio se escucha a través del procesamiento de la señal oculta. Esto alterará lo que se oye por lo que es difícil tomar buenas decisiones durante la mezcla. Es por esto que se recomienda la adquisición de los equipos adicionales mencionados anteriormente.

MONITORES Es importante que supervise el equipo decente cuando se mezclan. Si su sistema de reproducción que está dando una reproducción inexacta o incompleta del sonido, no se puede saber cuál es el sonido de la mezcla y cuál es la coloración que es causado por el sistema de reproducción. Eso no significa que no se puede obtener resultados aceptables con un equipo relativamente barato. La clave es saber las limitaciones de lo que va a monitorear el aprendizaje y para ajustar por ella en su escucha.

Para los monitores de estudio de campo cercano, el problema más común es la falta de graves, específicamente a continuación 40-50Hz más o menos. Estos monitores simplemente no tienen el tamaño o masa para mover esa cantidad de aire en el que una frecuencia baja. Una solución es complementar un par de monitores de estudio con un subwoofer para cubrir el extremo inferior. Sin embargo, se necesita tiempo y cuidado para establecer un sub-woofer para que se fija más problemas de los que causa.

¿Cómo haces esto? Si usted tiene un micrófono que es plana hasta 20Hz, aquí está una manera rápida y sucia para hacerlo con ozono de iZotope (este truco funciona en la versión de demostración también).

1.

Tomar una canción con una buena gama de frecuencias en el mismo. Mientras que hay un amplio espectro, no importa qué canción (hicimos decir que este fue el método rápido y sucio).

2. Póngase espectro de ozono en el modo normal y bucle de una sección de la canción. Abra el módulo EQ y guardarla como una instantánea (abrir la ficha Instantáneas, haga clic en “Iniciar captura” y verá una línea congelada que es un color diferente que el espectro activo).

3. Coloque el micrófono en el lugar donde estarían escuchando a, y reproducir el bucle a través de la combinación de monitor / subwoofer.

4. Ajuste el nivel de subwoofer hasta que el sonido recogido por el micrófono (la línea amarilla) está cerca del espectro de la fuente (la instantánea púrpura).

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No es exacto, y hay varias variables (aquí la respuesta y la ubicación del micrófono es el más significativo), pero se puede conseguir que se cierre.

Al final, el entorno de supervisión se compone de más de sus monitores. Probablemente la parte más influyente del sistema (aparte de su conexión oído-cerebro) es el cuarto. Que no se consigue un entorno de audición perfecta, y nunca se puede predecir cómo lo que está escuchando se traducirá a todos los sistemas por ahí que otras personas van a utilizar para la reproducción de la canción.

Con esto en mente, he aquí algunos consejos que he recogido a lo largo de los años para aprender a mezclar en los monitores de estudio:

1.

Escuchar música que usted conoce bien y se han escuchado en muchos sistemas. Pasa algún tiempo “conocer” los monitores. Reproducir sus CD favoritos a través de ellos. Usted probablemente sabe cómo suenan estos CDs en un sistema doméstico, una radio de coche, etc y esto le ayudará a aprender a ajustar su escucha para sus monitores.

2. El bajo será típicamente sub-representadas en los monitores de estudio pequeños. Eso no significa que se debe añadir el bajo sin embargo. Simplemente debe entender sus deficiencias y buscar la manera de conseguir una buena perspectiva sobre la cantidad de graves que hay en su mezcla y mezclar.

AURICULARES Los auriculares son otra opción para el monitoreo. Hay sitios y foros dedicados a los auriculares enteros (como http://www.headphone.com ) Así que de nuevo vamos a dejar nuestras recomendaciones de hardware fuera de él y sólo le recomendamos hacer su propia investigación. Cuando se trabaja con auriculares, aquí hay algunas cosas a tener en cuenta:

1.

Imaging en los auriculares es muy diferente a la formación de imágenes en los altavoces. Por lo general, la música producida en un sistema de altavoces visualiza bien, va a funcionar bien en los auriculares. Lo contrario no es tan fiable, a fin de utilizar los auriculares como una perspectiva alternativa, pero no como su principal sistema de monitoreo si puede evitarlo.

2. Igualación puede ser muy diferente en los auriculares en comparación con los altavoces. La sala de escucha, la cabeza y hasta su oído externo tienen propiedades de filtrado que alteran la respuesta de frecuencia de la música. Este “ecualización natural” se pasa por alto cuando se escucha en los auriculares. Si usted está interesado en aprender más sobre este fenómeno, mira en los auriculares “campo difuso”.

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APÉNDICE B: HERRAMIENTAS IZOTOPE

Aleación 2: Herramientas de mezclado ESENCIALES Aleación 2 le da herramientas futuristas, resultados rápidos y lo más importante, puesta del sonido. Llevar carácter y vida a cada elemento de su mezcla con Aleación 2. www.izotope.com/alloy

NÉCTAR 2: TRATAR SU VOZ Traer sus voces a la vida con poderosos efectos sobre la producción de néctar 2 vocales. El Production Suite incluye néctar 2, además de editor de tono y control de la respiración plug-ins. www.izotope.com/nectar

OZONO 5: Masterización del sistema COMPLETO Pulir la mezcla final a la perfección con sonido profesional con 8 módulos de masterización de gran alcance en una interfaz intuitiva. www.izotope.com/ozone

BASURA 2: DISTORSIONAR. MUTILAR. TRANSFORMAR. 2 de basura se prepara para una nueva y poderosa era de planchado de audio, la distorsión y la experimentación. . Deje el caos sónico sobrevenir. www.izotope.com/trash

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