Escultura

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 1.1 Usted como lector de la obra escultórica debe conocer los elementos plásticos que la conforman; para evidenciar este conocimiento realice el análisis de la escultura barroca “El Rapto de Proserpina”, Explique mínimo 4 valores plásticos, haciendo específicamente relación con la obra. No redacte conceptos.

Masa

Expresión

Movimien

Acabado

Los elementos plásticos que pude distinguir para describir esta escultura son:  El movimiento: 1. Desde la izquierda, se puede ver como Plutón trata de mantener bien segura y sujeta a Proserpina. 2. Visto frontalmente, se observa al dios a modo de vencedor, levantando a Proserpina como si de un trofeo se tratase. 3. Y finalmente, si se contempla desde la derecha se observan las lágrimas de la joven llamando a su madre e implorando ser rescatada. El viento parece sacudir su cabellera, lo cual aporta un mayor dinamismo a la obra junto con la tendencia hacia el exterior de su cabeza y extremidades. También se puede observar desde este punto de vista al Cancerbero: el perro de tres

cabezas

Inframundo.

encargado

de

custodiar

las

puertas

del

 La masa: El artista muestra un gran virtuosismo técnico en el tratamiento de la carne, al basarse en el contraste entre la musculatura robusta del dios y la dulzura de la joven. De esta manera, es notable también la representación de los detalles: Proserpina empuja la cabeza de Plutón estirando su piel, los dedos de este aprietan cruelmente la carne de Proserpina inmovilizándola, se aprecian lágrimas en el rostro de la joven.  El acabado o calidad táctil: Al ser una escultura en mármol pulido, la luz resbala y se realza la blancura. Este rasgo es especialmente notable en la piel de Proserpina, que denota suavidad frente al aspecto rugoso y frío que ofrece la técnica de Bernini sobre la piel de Plutón. El tratamiento pulido del mármol alcanza casi el efecto de una porcelana.  La expresión: La composición de líneas abiertas facilita gran variedad de gestos, ademanes y posturas imposibles que dotan al conjunto de un trágico dramatismo.

Así

se

expresan

los

diferentes

comportamientos

psicológicos de los personajes, representando los “afecti”, los estados anímicos: brutalidad frente a belleza, vicio frente a virtud. La obra encierra un gran contenido alegórico y moral.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 1.2 Nombre de la obra

Autor

Material

Técnica y proceso

1

El Moisés

Miguel Ángel

Mármol blanco de Carrara

El modelado es perfecto; Miguel Ángel ha tratado el mármol, su material predilecto, como si fuera la más dócil de las materias (arcilla, plastilina, etc.). El mármol blanco pulido deja resbalar la luz. Las ropas caen en pliegues de gran naturalismo, donde los contrastes de luces y sombras que provocan las profundas oquedades en el mármol, otorgan a la figura su rotundo volumen. La composición, muy estudiada, es cerrada, clásica; se estructura en un eje vertical desde la cabeza hasta el pliegue formado entre las piernas del profeta, cuya figura queda enmarcada por dos líneas rectas verticales en los extremos.

2

Forma atómica

Henry Moore

Bronce

Tiene una especie de forma de la cabeza como la parte superior en el cráneo, pero por debajo es más una catedral arquitectónica. Se podría pensar en la parte inferior de él que es la forma de protección y construido para los seres humanos y la superior que es más parecido a la idea del lado destructivo del átomo. Así pues, entre los dos, que podría expresarse con la gente, de manera simbólica, todo el evento.

3

El Profeta

Gargallo

Hierro

Su composición, dentro de un escaso movimiento real, se muestra bastante dinámica. El modelado es sumamente novedoso. Por una parte, el propio tacto del metal produce zonas en donde la luz resbala, mientras que su composición a través de formas cóncavas y convexas crea profundos claroscuros que reafirman su terminación en negro. Junto a todo ello, el gran valor espacial de la figura es su utilización del hueco, la forma negativa como una realidad que

combate con las positivas, hace entrar el espacio dentro de la escultura y la relaciona con el ambiente en el que sea colocada. Con un tamaño bastante mayor del natural se impone así al espectador con una gran fuerza expresiva.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 1.3 La mayoría de las tipologías en la escultura están ligadas a celebrar hechos y personajes importantes de la humanidad. En las obras “Victoria de Samotracia”, “El Beso”, “Apolo y Dafne”, identifique a que tipología pertenece cada escultura explicando si lo hace en relieve o bulto redondo. Redacte en mínimo 5 líneas, la anécdota de cada obra. Victoria de Samotracia Escultura original griega de la época helenística, realizada hacia el año 190 a.C. Es de un autor desconocido perteneciente a la escuela de Rodas. Es una obra original, procedente de un Santuario ubicado en la isla de Samotracia. Realizada en mármol, en bulto redondo. Representa a una mujer con alas, posada sobre la proa de un barco de piedra; formaba un espectacular conjunto escultórico erigido en la altura del santuario. La estatua ha perdido la cabeza y los brazos. La mujer mantiene las alas desplegadas y sus ropas se mueven por efecto del viento. Viste un fino jitón transparente, con múltiples pliegues, que debido a la ligereza de la tela fluyen alrededor del cuerpo o se pegan a él con el efecto de “paños mojados”, insinuando y realzando a la vez las bellas formas femeninas. La composición de la obra es abierta, gracias al predominio de los ejes diagonales, y a las curvas de las formas, provocando efecto de movimiento. De frente, la figura se abre hacia arriba gracias a las líneas que marcan las alas. Lateralmente el dinamismo se produce por la disposición de las piernas, la derecha más adelantada, y las diagonales que forman. La sensación de movimiento de la composición se completa con el plástico juego de los pliegues de la ropa. El acabado de la obra es perfecto, representando con verosimilitud las distintas texturas (carne, tela, plumas, barco...) Representa una Niké o Victoria, erigida para conmemorar un triunfo naval, personificado como una mujer con alas que acaba de posarse sobre la proa de un navío que hace de pedestal de la escultura. Es un claro símbolo de la gloria de la victoria.

La obra pertenece a la denominada Escuela de Rodas, una de las principales de la etapa helenística, de donde salieron otras famosas como Laocoonte y sus hijos o El toro Farnesio. La obra en la historia: La escultura fue encargada para conmemorar una victoria naval de Samotracia y presidir un lugar destacado del santuario de Cabiros. El autor se basa en modelos clásicos anteriores, pudiendo encontrase la influencia de Fidias en la técnica de paños mojados; no obstante, aquí todo es más realista. El Beso En el cuadro se podría distinguir varios tipos de pinceladas, vemos como las figuras presentan una pincelada acabada y pulida, alternando toques largos y cortos para conseguir volumen con la aplicación del color. En el prado se observa una pincelada que recuerda un poco al impresionismo ya que son pinceladas cortas y rápidas en sentido vertical. En cuanto al fondo de la escena, lo desarrolla con pequeñas pinceladas paralelas verticales. Sin embargo, todas tienen en común su ligereza ya que no se aplica una excesiva capa de color. En lo que respecta a la textura apreciamos una cierta rugosidad en el fondo, da la sensación que si lo tocásemos sería arena, en contraposición con el resto del cuadro en el que la textura es bastante lisa. Las figuras se definen a través de una línea fina y oscura que delimita el contorno del objeto en relación al fondo, ésta es una línea figural. También podemos ver en la figura femenina líneas verticales en el vestido con el fin de definir claramente el cuerpo de ésta. Para diferenciar el resto de lo que sería el fondo lo hace a través de la diferenciación brusca de color, esto se ve claramente en el límite de la pradera con el fondo ya que no hace una degradación, sino que pasa del verde al marrón directamente creando una línea imaginaria entre ambos planos. La luz se crea a través del color, proviene de los personajes del centro a los que se han dotado de una luz y un aura intensa y brillante que ilumina la escena con colores dorados. Cabe destacar también el contraste existente entre los personajes y el resto del cuadro ya que ambos presentan un tono muy poco saturado, podríamos hablar casi de un color quebrado a diferencia con el resto, en el que los colores son más saturados y brillantes. La composición de todos estos colores se consigue a través del método sustractivo. En cuanto a su función, en una primera revisión podemos decir que es icónica, en tanto que la tierra es marrón, el césped es verde esto permite que la identificación del objeto o figura representada sea más rápida. Sin embargo si hacemos un análisis un poco más connotativo podemos hablar de un valor simbólico en tanto que el verde nos simboliza la vegetación, las flores lilas misticismo, los círculos anaranjados del vestido como algo cálido y acogedor.

Apolo y Dafne La obra, un grupo escultórico exentocompuesto por dos figuras está realizado en mármol. Para ello Bernini utilizó varios bloques renunciando a la concepción escultórica renacentista según la cual la escultura debía realizarse de un único bloque de mármol. Su temática mitológica demuestra que el gusto por los temas mitológicos que había renacido en Italia a partir del Quattocento continuaba vigente a lo largo del siglo XVII. El grupo escultórico formado por dos figuras, una masculina y otra femenina, plasma el mito recogido en la "Metamorfosis" de Ovidio, según el cual, el dios del amor Cupido, para vengarse de la ofensa que le había infringido Apolo burlándose de él, decidió vengarse lanzando dos dardos, uno que provocara el amor a primera vista y otro que provocara el rechazo, asaeteando con el primero a Apolo y con el segundo a la ninfa Dafne, hija del dios del río Peneo. Acosada por el amor de Apolo, Dafne huye despavorida y viéndose a punto de caer en brazos del dios pide protección a su padre quién la convierte en árbol de laurel. Apolo decidió, en honor a la joven, tomar la hoja de este árbol como su árbol sagrado. Bernini opta por representar el momento de máxima tensión y movimiento al elegir el momento justo en el que se comienza a producir la transformación. El joven Apolo, de facciones y proporciones clásicas, ve interrumpido su carrera por el movimiento ascendente de la joven quien, elevando los brazos al cielo, observa con horror como la transformación se va apoderando de su cuerpo: de los dedos y cabello brotan las ramas y hojas, de sus pies nacen las raíces mientras el cuerpo se va cubriendo de la corteza del tronco. El autor contrapone por un lado el impulso hacia delante de Apolo, acentuado por la posición apoyada en la pierna derecha mientras el brazo derecho y la pierna izquierda la extiende hacia detrás al igual que la túnica impulsada por el viento del dios; frente al movimiento ascendente en "serpentinata" de la joven Dafne. Este recurso es característico no sólo de la obra de Bernini sino de la escultura barroca en general. Es magistral en esta obra la captación del momento fugaz, la instantánea captada por el autor que permite al espectador, a medida que gira alrededor de la escultura, asistir a la metamorfosis de la joven en árbol. Bernini recurre a la luz con un sentido dramático que acentúa la tensión de la escena a través de los contrastes de luces y sombras, violentos en los pliegues del manto de Apolo o en la hojarasca del pelo de la joven y suave en la superficie de la piel de los cuerpos de los jóvenes.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 1.4

Como usted sabe, no toda obra escultórica puede ser considerada como una obra de arte, ya que esta posee características específicas. A través de un cuadro comparativo analice la escultura “La Insidia”, y la obra de arte escultórica “La Piedad” de Miguel Ángel, en base a cada una de ellas señale cuáles son las diferencias. Escultura Como características específicas una escultura debe cumplir con:  Características específicas: volumen, masa, sensación táctil.  Tipos de esculturas: bulto redondo, relieve que puede ser alto medio o bajo.  Materiales y técnicas: tallado, modelado etc.  Expresión formal: escultura abstracta, escultura figurativa: naturalismo: (realismo, idealismo); b) esquematismo

a)

 Luz y color: estofado (fondo de oro), encarnado (base de estuco).  Reposo - movimiento: real: móviles, Ritmo, Tensión, Momento.  Situación del espectador: frontalidad, visión angular: escorzo.  Representación espacial en el relieve: Profundidad  Composición: En escultura exenta o En relieve.  Función y significado. Función decorativa o manifestación de riqueza. Obra de Arte Escultórica  Es el arte de moldear el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales, figuras en volumen.  Una obra de arte es creada considerando seriamente la realidad social de la época, inclusive factores como religión, temática de moda y colores apropiados con el entorno del artista.  El creador de la obra de arte es una persona en la capacidad de plasmar en el material idóneo y con la técnica adecuada su obra de arte, podemos catalogarlos como eruditos en el área.  Las figuras responden a un canon clásico, de posiciones estáticas y muy controlada expresividad.  perfecto conocimiento de la anatomía.  El modelado del material difiere según sus zonas.  Representa siempre la acción y el movimiento.  Muchas veces se emplea materiales distintos, que le permitirán distinguir los niveles de vida y hacer juegos de luz.

ACTIVIDAD DE APRENDIZAJE 1.5 Al conocer los diferentes elementos tanto formales como simbólicos que componen una obra escultórica, realice el análisis de una problemática social de actualidad; investigue y mire ejemplos de noticias en la prensa local. Con esta información, plantee el sustento teórico o texto de la obra que usted va a realizar, no olvide que una obra escultórica está conformada tanto de una parte formal (la escultura) como de una conceptual (sustento teórico) las dos deben ser manejadas con coherencia. Realice mínimo dos fotografías del proceso y una de la obra concluida, las que deberá incluirlas en su guía Yasunidos El proyecto petrolero Ishpingo-Tambococha-Tiputini (ITT) ubicado en el Bloque 43, está atravesado por los ríos Napo, Tiputini y Yasuní, al este del país, muy cerca ya de la frontera con el Perú. Este bloque encierra una de las reservas de crudo pesado más abundantes del país, y al mismo tiempo abarca partes del Parque Nacional Yasuní, considerado como uno de los reservorios de biodiversidad más importantes del planeta, el cual incluye la Zona Intangible de los pueblos en aislamiento voluntario Tagaeri y Taromenane. El potencial petrolero del ITT, administrado por Petroecuador, alcanza, de acuerdo a estimaciones recientes del Instituto Francés de Petróleo (Beicip Franlab, 2004), 412 millones de reservas probadas de crudo de alta densidad , que pueden llegar a 920 millones, si se incluyen las reservas probables. A pesar de la mala calidad del crudo, se han planteado varias alternativas para su explotación, entre las cuales se barajan posibles alianzas con empresas estatales como SINOPEC (China), Petrobras, Enap y PDVSA. En vista de todo esto a mi escultura la he denominados Yasunidos debido a los impactos ambientales de la explotación petrolera en un área de alta sensibilidad ambiental y cultural.